“Mother” es una película del director Bong Joon-ho realizada después de filmar dos de sus películas más conocidas: la obra cumbre “Memories of Murder” y un film de género fantástico (con monstruo gigante incluido) llamado “The Host”. Protagonizada de forma brillante por la actriz de seriales coreanos Kim Hye-ja, Bong Joon-ho vuelve a mezclar el thriller con el drama, la tragedia y algunos puntos cómicos en una historia de una madre que lucha por hacer justicia. Hye-ia es una madre soltera que trabaja vendiendo hierbas medicinales y haciendo acupuntura sin licencia en una pequeña ciudad de Corea del Sur. Su hijo Do-Joon tiene 27 años y es un chico muy tímido, pero es capaz de defenderse y atacar a cualquiera que se burle de su discapacidad intelectual. Do-Joon es amigo de Jin-tae, un chico que no le gusta nada a su madre y lo considera una mala influencia para él. Una noche que tenían que salir juntos de fiesta, Jin-tae planta a Do-Joon, y éste acaba volviendo a casa sólo y borracho. Por el camino se pone a seguir por un barrio de casas abandonadas a una chica de instituto llamada Moon Ah-jung. A la mañana siguiente Ah-jung aparece muerta en el tejado de un edificio, y Do-joon es detenido por su asesinato. A partir de ese momento, Hye-ia no tendrá otro objetivo en su mente que demostrar la inocencia de su hijo. La esencia del film se basa en la relación de amor infinito y de fe ciega que siente Hye-ia hacia su hijo y en como luchará para desacreditar a una policía incompetente que ha acusado a Do-Joon de un asesinato que no ha cometido. Iniciando la película de forma simpática para presentar a los diversos personajes a través de escenas con tono cómico y desenfadado, la historia se irá bifurcando hacia el thriller cuando se centre en la investigación de la madre para después ir derivando hacia la tragedia conforme se vayan resolviendo todos los interrogantes. Un thriller con muchas capas que supone una montaña rusa de emociones, provocadora de sonrisas, malestar, sorpresa y reflexión.

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“2001: Una odisea del espacio” es una película que se aleja de los cánones de serie B a los que estaba acostumbrado la ciencia ficción, proponiendo un acercamiento más serio y científico de los temas tratados. En el principio de los tiempos, un grupo de simios sobrevive viviendo en comunidad, pero es amenazado por otros grupos de simios, animales salvajes y los riesgos propios de la naturaleza.

Un monolito hace aparición en la comunidad, y al entrar en contacto con él, ese grupo de simios es capaz de utilizar herramientas básicas que les servirán para defenderse de las amenazas que les acechan. Un salto temporal nos llevará a millones de años en el futuro, en la que probablemente sea la mayor y mejor elipsis de la historia del cine: uno de los simios lanza un hueso al aire, que inmediatamente pasa a ser una nave que viaja por el espacio. Aquí el ser humano es capaz de viajar a la Luna, y allí, ha descubierto en una excavación otro monolito. El Dr. Heywood Floyd, pretende contactar con la base que existe en la Luna y saber que sucede con el monolito. Aquí se ven resquicios de la carrera espacial de los años 60 entre Estados Unidos y la Unión Soviética, en plena guerra fría, en una escena en la que el Dr. Floyd se encuentra a unos colegas de profesión de nacionalidad rusa, y aunque existe cordialidad, se palpa cierta tensión entre ellos. Finalmente, la película muestra la misión de la nave Discovery para llegar a Júpiter. Una nave que está controlada por un superordenador llamado HAL 9000, que no ha cometido un error jamás, y que muy a pesar de la tripulación, enloquecerá. Cabe destacar como una luz de color rojo y una voz neutra y cordial (la del recientemente fallecido Douglas Rain) consiguen crear al mejor y más terrorífico personaje del film.

“2001: Una odisea del espacio” gira principalmente entorno a la evolución del ser humano, pero pese a tener claro ese concepto base, no es una película accesible. Tiene un ritmo muy pausado, no existe una historia que se desarrolle de forma convencional, no hay un personaje protagonista al que poder aferrarse y tiene una gran cantidad de imágenes cargadas de simbolismo asociadas a una omnipresente banda sonora de música clásica. Mención aparte al último fragmento de la narración, el viaje psicodélico del astronauta David Bowman y su contacto con una entidad extraterrestre superior, todo mostrado en escenas crípticas en las que el desarrollo del espacio y el tiempo se distorsiona y todo se vuelve aun más extraño para el espectador. La mejor manera de disfrutarla es en pantalla grande, y su reestreno por el 50 aniversario se convirtió en una magnífica oportunidad para descubrirla o revisionarla. Genera amores y odios a partes iguales, pero tanto si se es un enamorado de ella como un detractor, no se le puede negar que es una de las mayores obras de ciencia ficción de la historia del séptimo arte. “2001: Una odisea del espacio” consiguió 4 nominaciones a los Óscar para finalmente alzarse únicamente con el Óscar a los mejores efectos especiales. Hipnótica obra maestra.

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La película muestra de forma brillante los elementos que formaban parte de la sociedad japonesa de esa época, centrándose especialmente en las terribles condiciones de vida de los campesinos y en el papel del honor y el deber de los samuráis, que aceptan el encargo pese a recibir solo comida a cambio. La narración se toma su tiempo para explicar el contexto y definir perfectamente los perfiles de los personajes, hasta alcanzar el gran clímax final en el que se enfrentan a los bandidos en una serie de batallas espectaculares. Una composición de planos magnífica, como es habitual en Kurosawa, en la que cada encuadre está cuidado al milímetro (hay que fijarse en la colocación de la cámara y la disposición de los diferentes elementos dentro de plano, una absoluta genialidad) y una utilización de técnicas novedosas en su momento y que ahora son básicas en cualquier película: la cámara lenta para enfatizar determinadas acciones y la utilización de tres cámaras para rodar una misma escena (para obtener a la vez planos cortos, medios y largos de lo que está sucediendo). De nuevo nos topamos con la escuela de interpretación japonesa, donde es especialmente chocante el personaje de Toshirô Mifune como Kikuchiyo, el último y estrambótico samurái que se incorpora al grupo y que ofrecerá los momentos más excéntricos en determinados momentos, para en la recta final, sumarse al tono épico que alcanza la obra. El contrapunto al personaje de Mifune lo ofrecerá Takashi Shimura con una actuación más contenida interpretando a Kanbei, absoluto líder del grupo y estratega nato que dirigirá toda la defensa del pueblo frente a los bandidos. Una gran producción que supuso parones de rodaje por parte de los estudios en varias ocasiones, ya que entre otros muchos costes, Kurosawa se negó a rodar en un pueblo real e hizo crear un set gigantesco argumentando que cuanto más realista fuera el set de rodaje, mayor sería la calidad de la actuación de los actores. El resultado final le daría claramente la razón. “Los siete samuráis” ganó el León de plata al mejor director en el festival de Venecia.

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Angelina Jolie dirige una nueva película, esta vez para poner el foco en el régimen de Pol Pot en la Camboya de los años 70 y poder hablar de uno de los mayores genocidios de la historia. Del 1975 al 1979, los Jemeres Rojos implementaron un régimen comunista totalitario y extremista, en el que perpetraron actos atroces. El balance de esos años de gobierno supuso un genocidio en el que mataron a más de 2 millones de personas, una cuarta parte de la población. La película adapta las memorias de Loung Ung (guionista de la película junto Angelina Jolie), que en aquellos años era una niña de 5 años que sufrió en sus propias carnes todo el proceso. El exilio, el trabajo en los campos de arroz, los campos de concentración, el hambre, las ejecuciones… El film opta por poner el punto de vista en los ojos de la pequeña, perspectiva que provoca incomprensión de lo que sucede en muchos momentos (también debido a la falta de contexto histórico de la película) y que consigue que estemos alerta y especialmente empáticos a todo lo que le acontece. Hechos históricos de tal magnitud merecen ser explicados, ya que en general, la historia que sucede en oriente nos es lejana y desconocida. El cine es un buen canal para que se conozca, y aunque la película se torna bastante repetitiva en su desarrollo y ahorra crudeza en su relato (excepto en su parte final, en la que toda la contención se desata), es un buen ejemplo de cine bélico e histórico. Angelina Jolie dio el paso de filmar esta película por el origen Camboyano de su hijo mayor adoptivo y su fuerte vinculación a programas humanitarios, todo debido al impacto que tuvo al filmar en el país la película de “Tomb Raider”. “Se lo llevaron: recuerdos de una niña de Camboya” ha sido la obra seleccionada por Camboya para los premios Óscar 2018.

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En el futuro, la humanidad se ha visto infectada por un hongo que contiene un virus zombi. El ejército y unos científicos, deciden investigar una segunda generación de nacidos bajo esa situación, siendo mitad humanos y mitad zombis. Uno de esos nacidos es Melanie, una niña que despunta respecto a sus otros compañeros y que tiene muchas preguntas guardadas en su cabeza.

De las últimas películas de TerrorMolins, y de zombies... Eso sí, a años luz de “Train to Busan”. En ésta ocasión la infección la provoca un hongo (ojo con las trompetas de la muerte) y la película se centra en la investigación de una segunda generación de nacidos que son mitad humanos mitad zombis. Como curiosidad comentar que en la película actúa Gleen Close y que en Sitges tubo premio a la mejor actriz para Sennia Nanua, que hace de niña mitad humana mitad zombi. A esa hora (debían de ser las 4 o 5 de la mañana), tanto Joan (mi compañero de fatigas) como yo dimos más de un cabezazo. A pesar de tener momentos de acción y querer innovar con el tema de los niños, es una formula vista mil veces y con un ritmo demasiado pausado. Floja.

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