Me siento en la obligación de reconocerme como desconocedor de la obra original de Víctor Hugo, no la he leído. Así mismo, no he tenido el placer de disfrutar del mítico musical que Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg realizaron basándose en las páginas de la obra anteriormente nombrada. Están pues, ante una crítica y opinión exclusivamente de esta adaptación cinematográfica. Sin reminiscencias de la obra original y sus posteriores adaptaciones en diferentes medios.

Nos encontramos ante el cuarto largometraje de Tom Hooper al que, tras el éxito alcanzado con “El discurso del Rey” (The King´s Speech’, 2010), se le propuso encabezar este proyecto con guión de William Nicholson y con un reparto espectacular: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen,...

Cómo empezar una crítica de una película tan grande, tan llena de simbolismo y fuerza. Fuerza que atraviesa la pantalla desde el inicio, para acompañarnos durante este viaje por la dura y llena de contrastes Francia del siglo XIX.
El protagonista indiscutible es Jean Valjean (Jackman), un hombre condenado a prisión tras el robo de una pieza de pan para alimentar a sus sobrinos. Jean logra huir de la Justicia y, tras un crucial encuentro, encauza su vida y empieza de cero con una nueva identidad. Su existencia no será tranquila al ser perseguido durante décadas por Javert (Crowe), un estricto y empecinado policía que se toma como una cruzada personal el arresto de Jean Valjean. Cuando Jean acepta a su cargo a Cosette (Isabelle Allen primero y Amanda Seyfried después), hija de la desdichada Fantine (Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre.

La película es un apasionante pero irregular torbellino de emociones. Cuenta con una primera hora grandiosa, apabullante, con uno de los mejores inicios que se recuerdan en la actualidad y que nos confirman que estamos ante una película distinta.
Un inspirado Jackman, cuyo personaje pierde interés en el último tramo del film, es dueño y señor del primer bloque del metraje. Representa la redención, el cambio, y la lucha por la libertad (tema latente durante todo el metraje) y por sus convicciones.
Y de repente, en el segundo bloque, aparece Anne Hathaway y nos demuestra más en 30 minutos que en toda su carrera. Una bestia de la interpretación que nos regala el momentazo de la película: la desgarradora versión del “I Dreamed a Dream” con un primer plano estático en su rostro, un rostro que clama de impotencia y que grita de rabia ante las humillaciones, abusos y desdichas. Una canto crudo y visceral que nos recuerda que cuando nos golpean no nos podemos despertar como en los sueños , el canto a una vida frustrada por las injusticias.
El tercer bloque es bastante irregular y, aunque sigue teniendo escenas memorables, es cierto que el ritmo decae en ocasiones y no consigue mantener el altísimo nivel alcanzado anteriormente, captando el interés del espectador a trompicones. Somos testigos de una historia de amor simple y arquetípica, donde su intensidad sorprende por lo repentino que se produce, y de la lucha de unos jóvenes revolucionarios (no perdáis la pista del carismático Gavroche) que ambicionan la justicia e igualdad para el pueblo francés.

La Dirección por parte de Tom Hooper es notable, quizás abuse de la grúa y el primer plano pero el resultado del conjunto es muy bueno. La ambientación es realista e increíble, desde las zonas más aburguesadas a las totalmente contrarias. Resaltar la lujosa producción, la puesta en escena y lo inspirado que está el reparto (en su totalidad). Cabe mencionar el hecho de que las canciones se cantaban en directo en las escenas.
Estamos ante una película valiente con todas sus letras. No es fácil apostar por un musical en el verdadero sentido de la palabra, donde prácticamente no hay diálogos convencionales. Ya que, cuando no estamos ante una pura interpretación musical (de gran calidad en su mayoría), son diálogos cantados lo que lo sustituyen. Y esto es muy difícil de entregar al público común ya que suelen rechazar todo producto alejado de convencionalismos; “Los Miserables” es una película que arriesga y gana. Una película intensa, emocionante, inspiradora y hermosa. Que saca a relucir las injusticias pero, a la vez, te contagia de su lucha y de su espíritu revolucionario. Te contagia de vida.

Una película con aciertos tan grandes no debe ser olvidada por pequeños errores. Disfrútenla.

Me sacaré una catalogación de la manga: el sub-género "niños con apariencia angelical, aunque insufriblemente cabrones". Es un hecho, cuando se puede incluir algo dentro de un grupo homogéneo es que no es original. Partimos de esta premisa: nos encontramos ante una situación vista en decenas de películas anteriormente.

¿Qué hace, pues, a "Dorothy" una cinta con interés? Pues como todo en el cine, lo importante no es tanto QUÉ se cuenta, sino CÓMO se hace. Agnés Merlet insufla el film de desasosiego, de opresión, de tensión. Sabe que tiene un producto común y se esfuerza por darle un toque personal, eso la honra. Así pues, el argumento se centra en lo siguiente: Jane Morton es psiquiatra, viajará a un pueblo de la Irlanda profunda para tratar a una chica, Dorothy, que parece albergar múltiples personalidades en su ser.

La ambientación y el lugar donde se desarrolla la trama es uno de los puntos fuertes del film, Jane Morton tendrá que lidiar con los recelos de una comunidad profundamente creyente, anclada en costumbres arcaicas y reticente de todo lo ajeno a ellos. Una comunidad protectora pero con arraigadas fisuras ocultas.
El asunto de las creencias y la religión en este tipo de Thrillers es muy recurrente, se suele utilizar como elemento justificador de cualquier tipo de barbaridad. Cuando faltan las respuestas a lo desconocido, la racionalidad humana es fácilmente prostituida por elucubraciones teológicas. Esto otorga al metraje de más dinamismo, pero seguimos sufriendo un déjà vu constante, todo recuerda a algo ya visto anteriormente.

Centrándonos en las actuaciones, habría que resaltar la gran labor que lleva a cabo la desconocida Jenn Murray ya que en todo momento está muy creíble. Mención aparte merece su habilidad para cambiar las voces a su antojo, para interpretar a cada una de las diferentes personalidades. Indispensable para apreciar este hecho que se vea la V.O.
Por otro lado, Carice van Houten lleva a cabo una correcta actuación, sin grandes alardes, y dando cierta impresión de inexpresión en determinados momentos.


En definitiva, un entretenimiento bastante aceptable en un género ya muy trillado y con poco nuevo que ofrecer. Se toma ciertas licencias, pero logra mantener la atención y el interés durante todo el visionado. Recomendable.

A von Trier se le podrán achacar muchas cosas, provocador, polémico, engreido, arrogante... pero, si ya lo tenia claro antes, más claro lo tengo ahora, también es un genio.
Grace siembra el desconcierto, la incertidumbre y finalmente la desconfianza en un pequeño pueblo de EEUU, que acaba prendado de ella y de su inusual servidumbre. Servidumbre fruto del agradecimiento a un pueblo arraigado en viejas costumbre que, ante una forastera fugitiva, abre sus puertas con buenas intenciones y las termina cerrando con malicia. Durante el metraje el film se apoya, aparte de en la protagonista, en personajes redondos, nada convencionales y que involucionan a lo largo del film adoptando principios primitivos y razonamientos alejados del civismo.
Ese pueblo, reflejo de una sociedad anclada, separada del resto del mundo por una simple carretera y sin ver más allá de sí misma, más allá de los rocosos muros de la montaña con la que delimita. Mucha metáfora hay en esta película.
Para saber cómo es verdaderamente una persona sólo hay que darle poder y el poder, en malas manos, degenera en abusos, en presiones e incluso violaciones (y no sólo físicas). Los que tienen mucho que perder siempre sentirán la angosta cuerda de la soga presionando su cuello, dejando marcas profundas.

Película que acerca el teatro al cine, desechando elementos tan indispensables en este mundillo como los escenarios (aprovechando esto al máximo, hay escenas imborrables) y los efectos especiales. Otorgando el papel principal de la función al guión y las actuaciones. Apenas requiere de BSO, que en muchas películas se utiliza para remarcar el carácter dramático de ciertas escenas cuando los actores por sí solos no son capaces de plasmarlo. Aquí, haganme caso, no hace falta. Para mí esta cinta, a parte de su contenido, es un homenaje al cine de verdad. Un homenaje al cine sin artificios ni artimañas. Los aspectos técnicos de esta película necesitarian de un análisis aparte.

En resúmen. una magnífica película que hace pensar.

La inspiración es caprichosa, las pequeñas anécdotas siempre pueden convertirse en grandes historias. En un periódico de Seattle, en 1981, se publicó un anuncio en el que un hombre solitario y aparentemente desesperado buscaba a un compañero para viajar en el tiempo; afirmaba haber creado una máquina que se lo permitía. Esta rocambolesca anécdota llegó a los oídos de Derek Connolly, guionista de ‘Safety not Guaranteed’, que junto al director Colin Trevorrow (no perdedle la pista, su próximo proyecto es ‘Jurassic World’) nos brindan esta visión intimista de los viajes en el tiempo. El film data de 2011 pero, por esos inescrutables caminos de nuestras “amigas” las Distribuidoras, se estrena en nuestro país este once de abril.

Los viajes en el tiempo han sido tratados de múltiples maneras en la historia del cine, es indudable su atractivo y la cantidad de posibilidades que ofrece a la hora de crear una historia atrayente. Hay decenas de antecedentes, desde las que optan por un prisma serio y trascendental como ‘La Jetée’ (Chris Marker, 1962) hasta las que aprovechan los recursos que nos ofrece para crear formidables comedias en el caso de ‘Regreso al futuro’ (Robert Zemeckis, 1985) o ‘Atrapado en el tiempo’ (Harold Ramis, 1993), pasando por la acción en clásicos como ‘Terminator’ (James Cameron, 1991). Hay potencial de sobra para grandes historias cuando la temática cae en manos de gente con talento. Eso sí, en la película que nos ocupa, hay un elemento diferenciador que podemos llegar a intuir por su carácter de cine independiente: se parte de una premisa de ciencia ficción, para acabar postergándola a un segundo plano en pos de una intrahistoria mucho más humana y terrenal .

La trama nos acerca a Jeff (jake Johnson), Darius (Aubrey Plaza) y Arnau (Karan Soni) tres trabajadores de una revista que deben realizar un artículo de investigación, a raíz de un anuncio que han encontrado, en el que una persona busca compañero para viajar al pasado. Extrañados por este mensaje, emprenden un viaje hacia la localidad del “viajero del tiempo” para averiguar más sobre él y ver sus intenciones. Una vez allí Darius conoce a Kenneth (Mark Duplass), la persona que escribió el anuncio, y finge estar interesada para indagar en la investigación. Mientras, Jeff aprovecha la estancia en el pueblo para visitar a su ex novia de la infancia.
Así Jeff, un espabilado, mujeriego y vividor poco acostumbrado al compromiso en sus relaciones no por imposibilidad sino por, a mi entender, cobardía, deberá lidiar con la única mujer que en el pasado traspasó la coraza que ahora se autoimpone. Y digo cobardía porque lo difícil no es encontrar mujeres para encuentros esporádicos, lo complejo es implicarse y abrirte en canal en una relación estable que te haga vulnerable. Es, precisamente, lo que Jeff teme. Por otro lado tenemos a Darius que, una vez entabla relación con Kenneth, empieza a desechar la idea de que sea un completo demente y paulatinamente va creyendo en su, a priori descabellada, idea del viaje en el tiempo. Ambos tienen motivos para querer realizar ese viaje y, como podéis imaginar, poco tienen que ver con evitar grandes guerras u otros hitos de mayor relevancia como ocurre en otras películas del género; todo responde a unas motivaciones mucho más mundanas. Mejor no desvelarlo y así no destripar la trama en su totalidad.

Teniendo en cuenta ambas líneas argumentales, deduzco que el viaje al pasado es una metáfora de la necesaria retrospección que deben llevar a cabo cada uno de los personajes, más que un viaje físico per se.

Ser nostálgico forma parte de la idiosincrasia del ser humano. El pasado es una constante historia que nos repetimos a nosotros mismos, que retumba en nuestra cabeza y cuyo eco molesta; hay mucho de mí y de ti, lector, en esta película. Un eco abrupto de lo que debió ser y no fue, de lo que debimos hacer y no hicimos, de lo que debimos atrapar y dejamos pasar. De acciones equivocadas con repercusiones que nos acompañan perpetuamente y la constante frustración al preguntarte “¿Qué hubiera pasado si…?” . Los personajes principales de esta película están en constante búsqueda de una felicidad que no logran alcanzar en el presente ni tiene visos de ser alcanzada en el futuro, reside en el pasado, pues ahí residen también sus heridas sin cicatrizar.

Es un hecho a resaltar la escasez de medios económicos a la que tuvieron que hacer frente los realizadores de la película, en casos como este es cuando más debe imperar la pasión y las grandes ideas. Es precisamente eso lo que rescata a esta película de la monotonía y le permite destacar sobre el grueso de títulos, la pasión y dedicación de quienes la han creado. Se nota el cariño tanto en un muy buen guión, que sabe mezclar excelentemente el drama, la comedia y la ciencia ficción, como en el desarrollo de unos personajes redondos que evolucionan a lo largo del film de una manera notable. También es destacable la labor de los actores que, exceptuando el personaje de Jake Johnson que es más excéntrico, hacen de la actuación contenida y sentida una de sus virtudes.

Para mí pertenece a esa reciente remesa de cine americano independiente que se cimienta sobre las relaciones humanas y que transmiten nostalgia y encanto a raudales; como puede ser ‘Pequeña Miss Sunshine’ (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2006), ‘Broken Flowers (Jim Jarmursh, 2005) o ‘Ruby Sparks’ (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2012). Aunque es cierto que las que acabo nombrar me parecen mejores. ‘Safety not guaranteed’ no deja de ser una buena opción para los que duden de qué película ver en cartelera, una película recomendable que nos recuerda que el objetivo innato del ser humano es encontrar la felicidad. Ya sea en el presente, en el futuro o, como en este caso, en el pasado.

No descubro nada si afirmo que Rodrigo Cortés es uno de los mayores activos del cine español, hace tiempo que dejo de ser una promesa y cada film que realiza hace que, paulatinamente, se vaya consagrando como un director valiente, con personalidad y estilo propio, se arriesga y huye de convencionalismos. Aunque es cierto que, el film que nos ocupa, sigue un desarrollo acorde al estándar americano, quizás coartado por las pretenciones económicas que se pretenden alcanzar.

En "Luces rojas" nos encontramos con una parapsicóloga (Weaver) y su acompañante (un inspirado Cillian Murphy), juntos se dedican a desenmascarar a farsantes que dicen tener poderes sobrenaturales, ya que creen ciegamente en la inexistencia de hechos inexplicables. La aparición tras 30 años de inactividad de Simon Silver( de Niro), un reputado psíquico cuyos trucos parecen ser imperceptibles, significará el mayor reto al que se han enfrentado jamás esta pareja de escépticos.

Durante el metraje el film se apoya en la notable actuacion de un Cillian Murphy entregado, nos muestra múltiples registros y lleva las riendas en todo momento de su personaje, nunca se le ve superado. Sin desmerecer, claro está, a la experimentada Weaver. Y, ¿Qué decir de Robert de Niro?, tras las pésimas películas que ha protagonizado durante los últimos años muchos, quizás, esperábamos ver en esta película su redención personal. No llega a tal punto, probablemente porque su personaje no permite grandes lucimientos, pero su simple presencia en pantalla es hipnótica y encarna a su personaje de una manera muy creible. Si algo merece ser destacado negativamente, en cuanto a actuaciones se refiere, es que el papel de Elizabeth Olsen está muy desaprovechado. De esta chica, valor al alza en el cine actual, se podría haber sacado mucho más.
Cortés ha sabido rodearse de un elenco de actores experimentados y de nivel internacional.

Queda patente que Cortés es un muy buen director pero un mediocre guionista. Hay numerosos fallos de guión que hacen al espectador desconectar de la película y que le resta credibilidad, fallo esencial de la misma. Dichos errores aumentan conforme se aproxima el clímax, se concede bastantes licencias en el hilo argumental. En “Buried” trabajó con un guión de Chris Sparling y no hay tantísimos fallos al respecto. Resta brillantez al conjunto final.
Las influencias están claras: el cine de Nolan en cuanto a la obsesión enfermiza de su protagonista que lleva, en ocasiones, a la autodestrucción; también bebe del cine de Shyamalan en aspectos como la temática y el desarrollo. Lo dejaré aquí para no destripar la película.

En definitiva, una gran cinta de género que huye de los tópicos del cine español y confirma el talento de su director. Una película trabajada, interesante y que te mantiene pegado a la butaca a pesar de algunos fallos de guión que no impiden su disfrute. Bastante recomendable.