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República Checa · Praha
Críticas de Johan Liebhart
26 de noviembre de 2020
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una historia sencilla ejecutada con maestría y tacto en cinco minutos. El cuidado elemental de los paisajes, el trato sensible de los objetos y la delicadeza conmovedora de los gestos son aspectos que dignifican la tradición sintoísta, en la que se inspira y enmarca la obra. Destacándose por encima de otras que tratan de recrear la estética oriental sin entender su sentido ni comprender su pulso.
Combina bellas ilustraciones en 2D con animación CGI, para dividir pasado y presente. El trabajo de la luz y los colores consiguen crear una atmosfera vívida hasta su conclusión. Todo el corto se resume en una epifanía sensitiva, un encuentro que implica una despedida con la sutileza de un haiku.
Combina bellas ilustraciones en 2D con animación CGI, para dividir pasado y presente. El trabajo de la luz y los colores consiguen crear una atmosfera vívida hasta su conclusión. Todo el corto se resume en una epifanía sensitiva, un encuentro que implica una despedida con la sutileza de un haiku.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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24 de noviembre de 2020
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un año más, Gobelins reafirma la reputación de su academia difundiendo los trabajos de graduación de su última promoción de estudiantes. Una serie de cortometrajes que rebosan talento, creatividad y estilo.
"Un diable dans la poche" se ha destacado por encima del resto al ser seleccionado en el Festival Internacional de Berlín 2020 tras su nominación en los premios Annie 2019. Para mí, es sin duda, el más logrado de esta nueva hornada de cortos. Basta contemplar sus primeras escenas para dar cuenta de su calidad.
Comienza con una imagen pictórica que nos revela el lugar y la forma. Una mansión con un jardín cercado, dibujado a lápiz y pintado con aerosol en una singular perspectiva. Unos niños juegan inocentemente en el jardín, colgados de los árboles, aislados del mundo, incorruptos. Una voz en off nos introduce a su ambiente y nos guía por la historia como si de un cuento se tratara. Aunque esta voz no dulcifica ni alecciona, narra como en los cuentos de la tradición asiática o de los Hermanos Grimm, de forma concisa y con voluntad reflexiva, creando un inquietante lirismo al son de la imagen.
Con una animación viva y depurada, los colores destacan sobre trazos sin contorno, fruto de la estela agujereada de pintura que proyecta el aerógrafo al soplar. Logrando un aspecto general de ensoñación o fantasía que dada la ambivalencia entre el fondo y la forma elevan la carga poética en su conjunto. Contrastando la dulce estética infantil ante los amargos horrores del mundo adulto, que van invadiendo y corrompiendo progresivamente a los niños hasta la disyuntiva final. Un final suspendido en el tiempo por la más efectiva de las elipsis que dispara la imaginación del espectador, turbado ante la terrorífica incertidumbre.
"Un diable dans la poche" se ha destacado por encima del resto al ser seleccionado en el Festival Internacional de Berlín 2020 tras su nominación en los premios Annie 2019. Para mí, es sin duda, el más logrado de esta nueva hornada de cortos. Basta contemplar sus primeras escenas para dar cuenta de su calidad.
Comienza con una imagen pictórica que nos revela el lugar y la forma. Una mansión con un jardín cercado, dibujado a lápiz y pintado con aerosol en una singular perspectiva. Unos niños juegan inocentemente en el jardín, colgados de los árboles, aislados del mundo, incorruptos. Una voz en off nos introduce a su ambiente y nos guía por la historia como si de un cuento se tratara. Aunque esta voz no dulcifica ni alecciona, narra como en los cuentos de la tradición asiática o de los Hermanos Grimm, de forma concisa y con voluntad reflexiva, creando un inquietante lirismo al son de la imagen.
Con una animación viva y depurada, los colores destacan sobre trazos sin contorno, fruto de la estela agujereada de pintura que proyecta el aerógrafo al soplar. Logrando un aspecto general de ensoñación o fantasía que dada la ambivalencia entre el fondo y la forma elevan la carga poética en su conjunto. Contrastando la dulce estética infantil ante los amargos horrores del mundo adulto, que van invadiendo y corrompiendo progresivamente a los niños hasta la disyuntiva final. Un final suspendido en el tiempo por la más efectiva de las elipsis que dispara la imaginación del espectador, turbado ante la terrorífica incertidumbre.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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A fuego lento
22 de noviembre de 2020
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
«El hombre sin piernas» es un film excepcional que sigue sorprendiendo a propios y extraños a un siglo de su estreno por lo retorcido y siniestro de su argumento. Producida antes de la reforma censora del código Hays, se permite retratar un suburbio criminal con insinuaciones a la prostitución, personajes toxicómanos y escenas de explotación laboral. Chaney encarna al protagónico Blizzard, un líder de los bajos fondos al cual un médico le amputó las piernas por error cuando era niño. Su venganza, años más tarde, será el motivo central de la trama.
El director, Wallace Worsley, quería a Chaney a toda costa y pensaba utilizar encuadres cerrados y ángulos trucados para simular que no tenía piernas. Sin embargo, esos recursos limitaban el ritmo y la composición de los planos. Entonces, Chaney, abogando por un mayor realismo, diseñó un arnés de cuero para agarrar sus piernas y pegarlas a la espalda. Vistiendo una larga gabardina que disimulaba el bulto y con unas hendiduras donde meter sus rodillas para que aparentaran muñones consiguió simular que no tenía piernas. Tanto, que la productora debió incluir imágenes de Chaney con piernas subiendo escaleras porque la gente pensaba que se trataba de un lisiado de verdad. No obstante, la excelente caracterización física comportaba un extremo dolor que solo le permitía actuar durante un máximo de veinte minutos. Y aún con ello, su gran limitación física no coartaba su carisma expresivo. Sigo en la sección de spoiler con algunos ejemplos que desgranan los matices de su increíble actuación.
El director, Wallace Worsley, quería a Chaney a toda costa y pensaba utilizar encuadres cerrados y ángulos trucados para simular que no tenía piernas. Sin embargo, esos recursos limitaban el ritmo y la composición de los planos. Entonces, Chaney, abogando por un mayor realismo, diseñó un arnés de cuero para agarrar sus piernas y pegarlas a la espalda. Vistiendo una larga gabardina que disimulaba el bulto y con unas hendiduras donde meter sus rodillas para que aparentaran muñones consiguió simular que no tenía piernas. Tanto, que la productora debió incluir imágenes de Chaney con piernas subiendo escaleras porque la gente pensaba que se trataba de un lisiado de verdad. No obstante, la excelente caracterización física comportaba un extremo dolor que solo le permitía actuar durante un máximo de veinte minutos. Y aún con ello, su gran limitación física no coartaba su carisma expresivo. Sigo en la sección de spoiler con algunos ejemplos que desgranan los matices de su increíble actuación.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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12 de noviembre de 2020
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Koji Yamamura adapta al terreno de la animación el cuento "Histoire du vieux crocodile" de Léopold Chauveau. Un ilustre escultor francés que, tras documentar la Primera Guerra Mundial desde el frente, se versó en la escritura de cuentos y fábulas sin moraleja aparente. Mayormente con voluntad de retratar el estado de "horror vacui" que se vivió tras la contienda. Relatos protagonizadas por animales con un impulso irrefrenable que les condiciona y guía por un curso de situaciones anómalas, absurdas y autodestructivas, sin traicionar nunca su propia naturaleza salvaje e indómita. En este caso, el hambre insaciable de un anciano cocodrilo actúa como nervio de toda la historia. Yamamura lo representa de color negro sobre una paleta contrastada de matices de color sepia y rojo. Elección que mantiene el aura de cuento de las ilustraciones originales de Chauveau con trazo minimalista. Un buen trabajo de sonido sumado a la calidad de la narración añade consistencia y eleva la carga de cinismo satírico del relato.
Un cortometraje extraño y desconcertante por lo imprevisible y pertubador que se vuelve a medida que avanza. Yamamura consigue adaptar perfectamente el estilo de Chauveau, pues al menos a mí me dejó una sensación inquietante de vacío al terminar su visionado. Con todo, la considero recomendable por su originalidad aunque Yamamura tiene obras de mayor calado y altura creativa en su filmografía como «Muybridge's Strings» o «A Country Doctor».
Un cortometraje extraño y desconcertante por lo imprevisible y pertubador que se vuelve a medida que avanza. Yamamura consigue adaptar perfectamente el estilo de Chauveau, pues al menos a mí me dejó una sensación inquietante de vacío al terminar su visionado. Con todo, la considero recomendable por su originalidad aunque Yamamura tiene obras de mayor calado y altura creativa en su filmografía como «Muybridge's Strings» o «A Country Doctor».
12 de noviembre de 2020
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hace ya cuarenta años, Michel Ocelot se estrenaba como animador profesional con este magnífico corto de animación de recortes de papel o cut-out animation, siguiendo la estela de la pionera alemana Lotte Reiniger y del teatro de sombras. El metraje sigue a una familia de inventores en su rutina creativa por un mundo intransigente ambientado en la Edad Moderna Francesa con decorados al estilo de hermosas mantillas de encaje en blanco. Ya desde sus inicios como autor, Ocelot demuestra pericia para crear atmosferas con vida propia desde la escenografía y ambientación estética. Aspectos que cuidaría y depuraría cada vez más durante su prolongada carrera, logrando en adelante los ambientes de aura mágico y fantasía envolvente de la saga de Kirikú o de la extraordinaria Azur y Asmar.
Su historia contiene un mensaje claro y explícito contra la intolerancia a la par que representa una oda trágica a los inventores. Aquellas mentes inquietas, avanzadas a su tiempo, que perseveran en su voluntad creadora para empujar al mundo hacia el progreso. Lastimosamente, tantas veces incomprendidas y hostigadas por la religión y las élites en el poder que enardecen la hostilidad y la discriminación social ante el cambio.
Un cortometraje con más de cuatro décadas, pero que, sin duda, no ha perdido ni un ápice de su belleza ni se ha dejado atrás su mensaje.
Su historia contiene un mensaje claro y explícito contra la intolerancia a la par que representa una oda trágica a los inventores. Aquellas mentes inquietas, avanzadas a su tiempo, que perseveran en su voluntad creadora para empujar al mundo hacia el progreso. Lastimosamente, tantas veces incomprendidas y hostigadas por la religión y las élites en el poder que enardecen la hostilidad y la discriminación social ante el cambio.
Un cortometraje con más de cuatro décadas, pero que, sin duda, no ha perdido ni un ápice de su belleza ni se ha dejado atrás su mensaje.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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