Ni con todos los documentales de Discovery Channel o similares que andan dando vueltas por el siglo XXI, ni con todo el animatronics primero y la digitalización de la vida misma después, se pudo lograr la bravura de las escenas de esta monumental película.
Vista cincuenta años después de su estreno lógicamente nos resultarán ingenuos algunos pasajes del guión, sobre todo si pensamos que ya había nacido en Europa la Nouvelle Vague. También se nos revelan como políticamente incorrectos ciertos comportamientos que antes eran de lo más aceptados: tiran abajo un árbol majestuoso para atrapar unos monos, los personajes se la pasan cazando, alcoholizándose o fumando; las mujeres –si no demuestran lo contario- son consideradas ineptas casi para cualquier actividad que no sea lavar la ropa, etc. Hasta tal punto se da este contraste entre épocas que no deja de resultar gracioso. No es, por supuesto, una obra que pretenda tener profundidad ideológica o existencial.
Lo más valioso de esta película son las escenas filmadas en terreno abierto, la persecución y captura de los animales. La forma bestial en la que conducían esos Jeeps y ese camioncito, pasando ríos, saltando con ese rejunte de chapas lo que venga y cayendo como dios quiera, no tiene forma de ser igualado con los efectos especiales. El accidente del Jeep es genial. Pero lo mejor, lo más apasionante son las escenas con los rinocerontes, la del principio y la del final y la fuerza descomunal con la que esos animales embestían contra el Jeep o el camión. No sé si el audio de los golpes sobre la chapa fue tomado en el ambiente o si se lo agregaron en la edición pero están perfectos. Y los tipos eran unos salvajes actuando y filmando.
Mi abuelo era un fanático de las películas de John Wayne. Así decía él, no se refería al cine por sus directores sino por sus protagonistas. Hoy, nada me hubiera gustado más que poder ver y hablar de esta película con él.

Transcurrieron al menos doce años desde que vi por primera vez “Celebración”. Ayer lo hice nuevamente y comprobé la teoría (postulada por mí) que sostiene que a las películas buenas se las puede ver dos o más veces y disfrutarlas siempre (en la teoría, ampliada, ese número de veces es proporcional a las virtudes de la película; en el caso de “El Padrino”, por ejemplo, el número de veces tiende a infinito)
Celebración es, sobre todo, una película precisa. Es clarísimo que el director sabe a dónde va y lo logra. El tema central fue abordado en infinidad de películas y libros. Pero aquí se lo presenta trascendiendo a los hechos mismos, permitiéndonos dimensionar el efecto inexpugnable que la infancia tiene en la vida entera. Más allá de la perversidad de los hechos, la historia nos muestra cómo el desamor materno puede expresarse con silencio, negación e indiferencia; cómo el racismo y la segregación y el desprecio por la diferencia logran su punto más aberrante en la breve confesión del padre a Christian (“Era para lo único que servías”)
Todos los personajes son creíbles hasta la fibra más íntima y es sublime la interpretación de Paprika Steen en el personaje de Helene o la de Ulrich Thomsen (Christian)
La complejidad de cada uno de los personajes es inconmensurable, pero a la vez a ninguno de ellos le falta ni un ápice para estar definidos en forma plena, combinación ésta casi imposible de lograr, mucho menos en algo menos de dos horas.
Que la película es del movimiento Dogma, que no tiene música, que se filma cámara en mano son sólo detalles que aportan una estética nueva para los `90 y a la que hoy ya estamos acostumbrados. Podríamos definir a esta película con un oxímoron: “Es un clásico de vanguardia”, ya que su mayor virtud es que con una lógica innovadora alcanza el mérito de los grandes clásicos y así nos ofrece una mirada nueva y única frente a los tormentos universales del alma.

Una película cuyas escenas más conmovedoras están interpretadas por animales no habla muy bien de la actuación de sus protagonistas. En la ductilidad dramática de Robert Pattinson y de Reese Whiterspoon se encuentran dos variantes: SONRISA SÍ – SONRISA NO. Hasta ahí da su capacidad expresiva. Aunque hay que reconocer que si es en verdad R. Whiterspoon quien monta a la elefanta y no dobles contratadas para ese fin, es destacable la gracia y soltura con que lo hace. Christoph Waltz salva el honor pero no se luce aquí como lo hace bajo la dirección de Tarantino. En cuanto al ritmo, creo que si durara 30 minutos menos la película ganaría en agilidad, sobre todo si suprimieran o redujeran la duración de las soporíferas escenas de baile entre los enamorados.
Una curiosidad del guión es que la elefanta comprendiera las órdenes nada menos que en polaco (!). Si hubiera sido en alguno de los idiomas de la India, sería más entendible ¡pero polaco! Si en algún lugar no me imagino elefantes es en Varsovia…
La película es un interminable flashback –eso sí, bien filmado- cuya finalidad parece ser aburrir y en ningún momento sorprender o generar disfrute o emoción en el espectador.

Estamos ante una película cuyo mayor desacierto es no lograr crear en el espectador la sensación de verosimilitud. Todos sabemos que cuando vemos una película adherimos a un acuerdo con el director en el que aceptamos que vamos a creernos lo que él nos cuenta. En este acuerdo, esta vez, yo puse todo de mi parte para intentar explicar por qué ese matrimonio (Alan y Nancy) permanecía innecesariamente durante los 79 minutos que dura la película en el departamento de Penélope y Michael. Pero ni Polanski ni Yasmina Reza (la autora de la obra original) me dieron en ningún momento la razón para poder entrar en el juego de la trama y que la historia me resulte creíble. Cuatro personas que atravesando una situación medianamente complicada sacan lo peor de cada uno atacándose y tejiendo y destejiendo alianzas para terminar todos contra todos, no es ningún hallazgo. Filmar entre cuatro paredes, tampoco. Pero si dentro de las cuatro paredes ocurre algo tan interesante como, por ejemplo, en “Tape”, de R. Linklater, la curiosidad del limitado escenario resulta anecdótica. Tengo la sospecha de que aquí tal vez se pretendió hacer de lo técnico algo central, pero en el sentido de prescindir de los recursos. A los personajes les faltó media hora de horno. Y la historia… ¿Alguien me puede contar la historia? En fin, una obra de teatro filmada que pretende declamar las contradicciones de los pobres mortales de occidente, pero que resulta panfletaria y a medio terminar.

“Caché” es una atenta mirada hacia el interior de la sociedad francesa partiendo de la situación de acoso que vive una típica familia burguesa, intelectual y de clase media alta.
Desde el comienzo de la película una sensación de invasión y amenaza invade la pantalla sosteniéndola en escenas prolongadas que parecen no resolverse nunca. La familia de Georges Laurent (Daniel Auteuil), hombre culto y famoso dedicado a la crítica literaria, comienza a recibir videos anónimos en los que se filma el frente de su casa parisina por horas; el único mensaje que acompaña a los videos son dibujos tan elementales como feroces.
Con la recepción de los videos, cuyo contenido va luego variando, comienzan a emerger en los personajes las carencias que el confort ha logrado adormilar por años. Se hacen evidentes la soledad, la culpa y sobre todo el miedo, este último con una intensidad sólo posible en la infancia o en lo que queda de ella en cada uno de nosotros. A esa infancia retorna Majid (Maurice Bénichou), personaje clave en esta película, retorno aniquilante plasmado en una escena silenciosa de apenas segundos que nos quedará por siempre en la memoria.
Al espectador que espera una resolución concreta de los hechos esta película seguramente le dejará un sabor amargo, porque admite varias interpretaciones posibles. Una de ellas es la presencia de un ojo omnipresente al que no es posible ocultar la injusticia social, la indiferencia y la eterna niñez escondida en cada adulto. O quizá los conflictos de la trama que no logremos comprender estén allí y de ese modo para hacernos sentir el desconsuelo que marcó la vida de Majid.