No soy un gran aficionado a las películas de James Bond. Cuando era niño las veía con cierto agrado, en parte por la fascinación de sus aventuras, en parte por el magnetismo del protagonista, pero nunca me provocaban una especial admiración. Tampoco me considero ningún purista de los largometrajes de antaño. Reconociendo de antemano que el actor escocés Sean Connery bordó el personaje, creo que “Casino Royale” es, con diferencia, no sólo la mejor película de la saga sino, en general, una cinta de acción más que notable. Sin embargo, pese a situar en cabeza de la larga lista de títulos del legendario serial a la primera interpretación de Daniel Craig, sus trabajos posteriores me han parecido bastante decepcionantes. De hecho, no oculto mi preferencia por Jason Bourne, cuyos largometrajes se sitúan a años luz de los del agente secreto al servicio de Su Majestad británica.
Los guiones no se elaboran lo más mínimo. Se filma toda la narración en base a la reiteración y a la loa de los tópicos más reconocibles de 007. Se ha relegado una mínima solidez de la trama a un segundo o tercer plano y, al final, todo es un tremendo cliché, una especie de anuncio de perfume de casi dos horas y media de duración. Hombres rudos y mujeres despampanantes que se mueven en un universo de lujo, erotismo y martinis con vodka, idéntico formato de cualquier spot navideño de colonias que se emitirá en breve por la pequeña pantalla.
No se trata de renegar de esas pequeñas licencias que el género de espías se puede permitir. Es admisible que Craig luzca un impecable smoking en cada escena nocturna, o que, aunque recorra el mundo sin equipaje, no repita ninguno de sus impolutos atuendos. Puede aceptarse que, tras unas largas y violentas peleas cuerpo a cuerpo, su camisa continúe perfectamente planchada y su media sonrisa siga luciendo en su rostro. Cabe pasar por alto las inexplicables formas de sobrevivir de los villanos, una vez que saltan por los aires, o la existencia de redes milagrosas que amortigüen la caída del héroe con su chica en brazos desde el último piso de un edificio. Al fin y al cabo, en este tipo de cine no se puede aplicar la racionalidad al cien por cien. Sin embargo, que el metraje en su integridad se centre en estos recursos tan manidos, a espectadores como a mí se nos hace muy cuesta arriba.
No deja de sorprender que, tras un comienzo tan prometedor con Daniel Craig al frente de esta franquicia, el proyecto haya degenerado de esta manera. A San Mendes (ganador del Oscar por “American Beauty” y director de cintas tan interesantes como “Camino a la perdición”) le está ocurriendo lo mismo que a su compatriota Kenneth Branagh. Ambos han renunciado a su innegable talento para caer en las garras de las superproducciones millonarias, arrinconando su capacidad creativa en aras de fórmulas cuya única finalidad es obtener ingentes beneficios económicos. Sin duda, es una opción absolutamente legítima, pero que me impide mantenerles en mi lista de cineastas a tener en cuenta.
“Spectre” es un título que agradará a los muy incondicionales de Bond. Las escenas de acción están bien rodadas. Algunas, incluso, son entretenidas. Pero ese tufo permanente a producto publicitario artificial que le rodea de principio a fin me impide su recomendación.
Dentro del escaso margen que le permiten las circunstancias, Daniel Craig lleva a cabo una interpretación eficaz, habida cuenta la imposibilidad de lucimiento a la hora de dar vida a un tipo que no cambia de gesto durante los ciento cincuenta minutos de proyección. En compensación, quien sí destaca en su papel de Chica Bond es la joven actriz francesa Léa Seydoux, todo lo contrario que la italiana Monica Bellucci, cuya brevísima actuación puede calificarse de directamente prescindible.
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Reconozco que es muy complicado ser original dentro del género de terror. Y no me estoy refiriendo al “Thriller”, un tipo de cine específico y diferenciado, sino al que los anglosajones denominan “Horror”. Dentro de esta variante, la cinta más original, interesante y lograda de las últimas décadas es, en mi opinión, la brillante “Tesis” del director español Alejando Amenábar, una “opera prima” que se alzó como la auténtica sorpresa de aquella edición de los Premios Goya en la que obtuvo, entre otros, el de mejor película y que revitalizó un género bastante desacreditado, si bien puede considerarse la excepción que confirma la regla. Y digo esto porque el rumbo posterior ha seguido la senda de la reiteración de tópicos y de fórmulas manidas y, en buena medida, agotadas. Ocurre una circunstancia muy similar con el porno, donde el sustento del guion es tan limitado que sus autores optan por limitarse a reincidir en dar al público lo que el público demanda. Se trata de un círculo vicioso del que es muy difícil salir. Por mucho que les pese a los organizadores del Festival de Cine de Terror de Sitges (y eso que últimamente han ampliado la variedad de los largometrajes a concurso), los títulos que llegan a las salas de proyección españolas suelen ser más de lo mismo, mientras que pequeñas joyas que se exhiben en certámenes especializados y de menor difusión suelen carecer de distribuidora para los mercados nacional e internacional.
Es verdad que de un tiempo a esta parte se ha producido un desembarco de cineastas asiáticos dispuestos a renovar el género. Así ocurre con Hideo Nakata y su versión nipona de “The Ring”, director también de la segunda parte de la versión norteamericana -“The Ring 2”, protagonizada por la actriz australiana Naomi Watts- o con James Wan, realizador nacido en Malasia en cuya filmografía figuran la primera entrega de la saga “Saw”, “Insidious” e “Insidious 2” y “Expediente Warren” (según el peculiar Quentin Tarantino, una de las diez mejores películas del año). No cabe duda de que son profesionales que han logrado atraer al público a la pantalla grande, que han conectado con esos espectadores y que, además, han obtenido un incuestionable rendimiento a su trabajo. Sin ir más lejos, esta segunda parte de “Insidious” ha costado apenas cinco millones de dólares (cuantía insignificante para la gran industria norteamericana) y ya lleva recaudados más de ciento quince en todo el mundo.
Sin embargo, tales éxitos no pueden esconder la cruda realidad: lo que ofrecen es lo mismo de siempre y esa pretendida renovación no existe. Los cien minutos de duración se centran machaconamente en jugar con el espectador sobre la base de una historia de tonos oscuros y en abusar de las presencias espirituales del más allá y del miedo a la muerte, todo ello a través de una concatenación de escenas y personajes similares (cuando no calcados) a los de cientos de films vistos con anterioridad. Aun así, es una fórmula que, si bien manida y desgastada, funciona para mucha gente y los resultados la avalan.
La pareja protagonista repite. Patrick Wilson ha colaborado con Wan en la citada “Expediente Warren” y también figura en los repartos de “Watchmen” y “Prometheus”. En cuanto a Rose Byrne, compagina comedias disparatadas como “La boda de mi mejor amiga” o “Todo sobre mi desmadre” con propuestas más terroríficas, como “28 semanas después” o “Señales del futuro”. La actriz Barbara Hershey, nominada al Oscar por “Retrato de una dama” y recordada por sus personajes de “Cisne negro” o “Hannah y sus hermanas”, interpreta un papel secundario.
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Uno de los personajes del largometraje “El club de la lucha”, con problemas para conciliar el sueño, pronunciaba la siguiente frase: "Cuando se padece de insomnio, nada parece real. Las cosas se distancian. Todo parece la copia de una copia de otra copia". Pues bien, a mí me invade una sensación muy parecida a medida que veo las películas que llegan a nuestras pantallas. Todas terminan por parecerse entre sí, como si fueran copias de otras copias. Así, los géneros de acción y de terror tienden a seguir unas fórmulas prefijadas, a utilizar unas técnicas comunes, a contar la misma historia con idéntico resultado. Pero ante una tesitura tan desoladora aparece de pronto un realizador mejicano dispuesto a revitalizar dichos géneros, además del de ciencia ficción, a base de brillantez y de originalidad, dando una necesaria vuelta de tuerca al séptimo arte y demostrando que existen otros caminos y, además, mejores.
La filmografía de Alfonso Cuarón es singular e interesante. Responsable de la cinta familiar “La princesita”, del drama romántico “Grandes esperanzas”, de la más compleja de encasillar “Y tu mamá también” (por la que recibió una nominación al Oscar como guionista), de la entrega de Harry Potter “El prisionero de Azkaban” y de la apocalíptica “Hijos de los hombres”, es un cineasta que no se encasilla y que posee recursos de sobra para enfrentarse a estilos y a temáticas bien diversos. En otras palabras, que no cuenta siempre la misma historia. Ahora, siete años después de su último trabajo detrás la cámara, presenta “Gravity”, en mi opinión su mejor obra.
Partiendo de la más absoluta sencillez (dos únicos personajes en el espacio infinito) es capaz de plasmar la soledad, el miedo, la superación, el afán de supervivencia, la pequeñez y la inmensidad. Se trata de una misión espacial en la que, durante una reparación fuera de la nave, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Son una doctora en su primera misión y un veterano profesional a punto de retirarse. Completamente solos, intentarán retornar al planeta Tierra.
Gracias a una magnífica fotografía, “Gravity” alcanza momentos de gran intensidad. Ignoro si las heroicidades traducidas a imágenes reflejan errores científicos que ponen el guión en entredicho. Tal vez sí, pero para quienes carecemos de conocimientos profundos sobre los viajes espaciales, esos supuestos fallos nos pasan inadvertidos y nos limitamos a disfrutar de un gran relato, novedoso y pleno de contenido.
El film se ha aupado al número uno de la taquilla norteamericana desde el mismo fin de semana de su estreno y lo lógico es que, transcurridos algunos meses, acapare las listas de nominados a los diferentes certámenes cinematográficos en varias de sus categorías más relevantes.
Los dos protagonistas exclusivos son George Clooney y Sandra Bullock, aunque en los títulos de crédito figura asimismo el excelente actor Ed Harris, encargado de dar voz a otro personaje que no aparece en pantalla y que, obviamente, solo se puede apreciar en la versión original. Tanto uno como otra desempeñan su trabajo con corrección. Ella incluso logra una interpretación más completa y de mayor complejidad que la de “The Blind Side”, titulada aquí “Un sueño posible” y por la que obtuvo en 2010 la estatuilla de Hollywood a la mejor actriz principal.
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En la película “Reality Bites” el personaje interpretado por el actor Ethan Hawke decía: “La vida no tiene sentido. Es una lotería en la que te puede tocar vivir una tragedia absurda o escaparte por los pelos”. “Cruce de caminos” trata de esas personas que han tenido mala suerte en tan peculiar sorteo. Es un tratado sobre la marginalidad y la soledad de unos individuos cuyas existencias no les dan razones para sonreír o, si lo hacen, es a través de una mueca fingida y fuera de lugar. En ese sentido, el realizador Derek Cianfrance permanece fiel a un estilo que ya marcó en su anterior trabajo y que lo lanzó a la fama (“Blue Valentine”), valiéndole a su protagonista Michelle Williams una nominación al Oscar a la mejor actriz. Demostró su versatilidad tras la cámara para abordar el drama humano con soltura y profesionalidad.
La cinta presenta tres partes bien diferenciadas. La primera está protagonizada por Ryan Gosling en el papel de un vulgar y marginal delincuente al que su habilidad conduciendo motos a toda velocidad no le servirá para evitar un destino de desdicha y pobreza. Padre de un bebé, aunque separado de la madre del niño, su historia abarca prácticamente la primera hora de proyección. El inconveniente es que su interpretación recuerda excesivamente a la más acerada de “Drive” pero sin la originalidad y mayor capacidad cinematográfica de ésta, lo que, junto a una narración excesivamente lenta, lastra un comienzo que podría resultar prometedor.
La segunda corre a cargo de Bradley Cooper, el agente de policía que persigue al maleante. Aquí el film da un giro radical y se centra en una trama de corrupción policial y de ambiciones políticas que se extiende a lo largo de cuarenta y cinco minutos. La tercera y última, transcurridos quince años desde los hechos narrados hasta entonces, está dedicada a los hijos de los protagonistas, que estudian en el mismo instituto. Su relación, basada en el consumo de drogas y en las típicas juergas de adolescentes desnortados, se verá afectada cuando conozcan las circunstancias que relacionaron a sus respectivos progenitores en el pasado.
Como aspectos positivos citaría la credibilidad del relato, la correcta interpretación de los actores y la coherencia que desprende todo el largometraje. Sin embargo, señalaría como defectos su excesiva duración (dos horas y veinte minutos), un estilo visual demasiado lento que invita al tedio en algunas escenas y una cierta pretensión filosófica cuando, tres lustros después, se produce ese cruce de caminos entre los descendientes, y que provoca una sensación (no sé si buscada o no) de cierta incomprensión. Está destinada a los amantes del drama sin edulcorantes y de la plasmación realista de las miserias humanas. Lejos, por tanto, de un tipo de acción basada en los efectos visuales y el exceso de intensidad, tan habituales en el cine actual. Y es que, a día de hoy, el reflejo realista de lo cotidiano constituye la excepción a la regla.
En todo caso, Derek Cianfrance se reafirma como cineasta y, si bien creo que “Blue Valentine” continúa siendo su mejor título hasta la fecha, mantiene una línea similar que presupone que sus próximos proyectos serán dignos ver. El más inmediato será “Metalhead”, la historia de un batería de heavy metal que pierde la audición y se ve obligado a adaptarse a su nuevo mundo de silencio. Un viaje introspectivo a la vorágine de los sentidos muy en la línea de un director interesado en situar a sus personajes al borde del drama.
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Uno de mis recuerdos de infancia asociado al cine se refiere a “La invasión de los ladrones de cuerpos” de Don Siegel. Vi varias veces en televisión aquel largometraje en blanco y negro de los años cincuenta y reconozco que me impactó. Desde entonces sigue siendo uno de mis referentes del subgénero de zombies -humanos que han perdido tal condición para convertirse en seres indeterminados, criaturas no muertas que amenazan a quienes todavía conservan la vida-. Si la repusieran a día de hoy, probablemente me seguiría enganchando a su historia. Tal vez sea porque las huellas de la niñez te acompañan el resto de la existencia que se mantiene en mi selección de films sobre esta temática tan peculiar. También me impresionaron “28 días después” dirigida por Danny Boyle, y su secuela “28 semanas después”, con el tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo detrás la cámara. Se trataba de dos cintas muy notables de acción y terror cuya realización resultaba impecable y que lograban alcanzar altas dosis de tensión y entretenimiento.
No obstante, esta modalidad cinematográfica presenta limitaciones evidentes, ya que las aventuras de zombies dan poco juego y es complicado hallar producciones originales y creativas que superen a los títulos más relevantes de antaño. En este sentido, “Guerra Mundial Z” cuenta con una factura correcta –lo cual no es tan meritorio cuando se dispone de un presupuesto de ciento noventa millones de euros- y una dirección efectiva. Los niveles de intensidad y acción son aceptables y resultará entretenida a los amantes del género. Sin embargo, su visionado no evita la sensación de “déjà vu”, de enésima versión, lo que me lleva a concluir que su única innovación es un conjunto de escenas grandiosas y de impresionantes recreaciones visuales conseguidas a base de invertir más y más millones en efectos especiales. En definitiva, estamos ante una película digna que mima la técnica y que cumple el mínimo exigible en esta clase de proyectos pero que, por desgracia, no va más allá. Así que dentro de unos años, ante una hipotética reposición de ambas, yo seguiré prefiriendo ver “La invasión de los ladrones de cuerpos” antes que “Guerra Mundial Z”.
Marc Foster, errático realizador que, en mi opinión, se crece con el drama y se diluye en la acción, es el responsable de la cinta. Personalmente, le prefiero en “Descubriendo Nunca Jamás”, con Johnny Deep y Kate Winslet, que en la versión del Agente 007 de “Quantum of Solace”. En cualquier caso, su último trabajo ha resultado un éxito de recaudación en todo el mundo –más de cuatrocientos sesenta millones de dólares pese a sus elevadas cifras de inversión-.
Brad Pitt es la estrella indiscutible, no sólo por su labor como actor sino también por su faceta de productor. Aunque consigue dotarla de credibilidad, su interpretación queda lejos de otras tan destacadas como las de “Seven”, “El club de la lucha”, “Babel” o “El curioso caso de Benjamin Button”, por citar tan sólo algunas. Las limitaciones tanto del guión como de su personaje no le han permitido demostrar como en otras ocasiones sus enormes cualidades interpretativas.
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