Nos llega a las pantallas españolas la nueva propuesta cinematográfica de Ridley Scott, tras la desastrosa “Prometheus”, una precuela imposible de la saga Alien, que nunca debería haber existido.
En esta ocasión se une con el novelista Cormac McCarthy, en el que se puede considerar, su primer libreto directamente para cine. Un autor adaptado en otras ocasiones en películas estimables como “The road” y “No es país para viejos”.
Pero mientras los directores de aquellas supieron sacar jugo a la historia, al contar directamente con el texto en bruto, el resultado es directamente lamentable.
Cuando llevas una hora de película, todavía no sabes ni de que va aquello, una especie de thriller que parece dirigido por Terrence Malick, pero con la batuta de Scott, con una serie de diálogos filosóficos vacíos e intrascendentes que entorpecen el funcionamiento de una trama, que ya de por sí, podría dar lugar a un argumento propio de una novela de gasolinera.
La película consiste en ver a Fassbender, viajando de un lado a otro, haciendo “vaya usted a saber el que”, e interactuando con una serie de personajes, que ponen nervioso con tan solo verlos.
Tenemos a un Brad Pitt, que parece sacado de aquel despropósito titulado “Mátalos suavemente”, película que comparte con esta, su tedio, y su forma acartonada y maniquea de contarnos un relato disfrazado de thriller, ideal para aquellos espectadores sibaritas deseosos de ver esta clase de moderneces intrascendentes.
Luego tenemos a Javier Bardem, con una nueva transformación esperpéntica, y con un pelo que bien se puede asemejar al mío durante un día de cierzo en Zaragoza.
Y mención aparte, Cameron Díaz, actriz que protagoniza la escena más sonrojante del año. Una suerte de momento erótico festivo, que provocará las carcajadas de más de uno que se haya dejado caer en una sala para disfrutar de este elenco de actores.
Y Fassbender y Penélope Cruz, pasaban por allí, protagonistas de la parte más dramática de la historia, y a la vez la peor desarrollada e inacabada del conjunto.
Cada vez estoy más cansado de este tipo de despropósitos, el cine puede ser una extraordinaria herramienta para transmitir mensajes, algunos de carácter filosófico, pero lo que no se debe nunca es convertir en un vehículo que solo sirve para el engrandecimiento del ego de sus autores.
No puedes plantear un thriller de frontera, poniendo en boca de sus personajes semejantes diálogos, ya que no resultarán creíbles.
La falta de coherencia en el guión de McCarthy, revela su absoluta inexperiencia en el lenguaje cinematográfico. Y que por muchos premios y reconocimientos que tenga, demuestra una absoluta desconexión con la platea durante las casi dos horas tediosas que dura este espectáculo.
También se está haciendo un paralelismo con lo que pasó hace más de treinta años con “Blade Runner”. Dudo mucho que esta cinta se convierta en lo que fue aquella, ya que nos encontramos en una década muy diferente, en la que vemos un gusto excesivo por hacerse el original tomando como base el vacío más absoluto.

Sin duda era una de las cintas más esperadas del festival. Había muchas ganas de ver el regreso de Eli Roth a la silla del director, y más si cabe, tras anunciar que estábamos ante una película de gran contenido violento y gore (algo muy propio de Sitges).
Confieso que fui con cierta expectación, preparado para recibir una buena dosis de adrenalina, pero lo que me encontré fue algo bastante diferente.
Roth ha construido en esta ocasión una cinta mucho más enmarcada en el género de aventuras, que en el del terror sangriento. Hay escenas truculentas, sin duda, pero todo está lavado con cierto aspecto suave. Es un gore para todos los públicos.
Este tono ya se empieza a intuir en la inesperada trama ecologista, que parece sacada de una película de John Boorman, algo que nadie en la sala nos esperábamos.
El accidente y la posterior captura de los protagonistas por una horda de caníbales, se convierte en un festín para todo aficionado al género, pero no cruza la línea, quizás por ganas de contentar a un público más amplio.
Es una película que será comparada con “Holocausto Caníbal”, pero ni de lejos estamos ante un título que marque un antes y un después, sino más bien un divertimento entretenido, y hasta de agradable visionado.

Aunque carezco de la forma y la preparación física para practicar la espeleología, siempre he sentido fascinación con todo lo relacionado con las cuevas. Es más, he hecho mis pinitos de explorador en más de una ocasión, pero siempre en entornos controlados por guías.
Cuando me enteré del estreno de esta película española, no dudé ni por un momento en adentrarme en la sala oscura de un cine, para disfrutar y agobiarme de la claustrofobia que aparentemente se muestra en el tráiler.
Y contra todo pronóstico, da lo que se espera. Terror provocado por la estupidez humana y por el clásico envalentonamiento de seguir a la manada en busca de desafíos extremos.
Reconozco que tuve mis dudas durante el primer tramo, los personajes son mostrados como esos típicos adolescentes que llenan nuestras playas y locales nocturnos, con el sexo, el alcohol y la diversión al límite como únicos motores de sus patéticas vidas.
Pero cuando se adentran en las cavidades de la tierra, la cosa cambia, y vaya sí lo hace. Lo que parece una chiquillada juvenil, se convierte en un paso al horror, sin la necesidad de la presencia de un elemento fantástico.
Todo lo que vemos está apuntalado desde el punto de vista real, desde buscar la forma de sobrevivir en un ambiente hostil, sin agua y sin comida.
El director utiliza el archiconocido planteamiento del found footage, y no sale mal parado de la propuesta. Es más, en el momento en el que abandona este tipo de montaje, y se pasa al tradicional, la película parece desmoronarse. Aunque menos mal que tan solo son los dos o tres minutos finales, en donde incluso la irrupción de un hilo musical molesta más que ayuda en una resolución que podría haber quedado redonda.
Uno se pregunta si en estas condiciones estaríamos grabando todas y cada una de las situaciones. Es posible que no. Pero si entras en el juego, esto casi es lo de menos.
Sin duda estamos ante un ejercicio sobresaliente de cine español de género, realizado con no menos dificultades, ya que si mal no me equivoco, nos llega a las salas un montaje diferente y con escenas añadidas a lo que se vio en ciertos festivales hace por lo menos un par de años.
Un ejercicio valeroso que me hace repasar otros títulos espeleológicos como la magnífica “The Descent” o la irregular (pero preciosa en sus imágenes) “El santuario”.
Yo no sé vosotros, pero yo ya estoy preparando el casco y las botas para una nueva aventura.

Se da la casualidad que el año pasado, por estas mismas fechas, se estrenaba “Cien años de perdón”, con una base, a priori, similar a esta cinta de Iñaki Dorronsoro. Curiosamente también comparte cartel con “Un golpe con estilo”, en la que tres pensionistas deciden robar el banco de su barrio.

A pesar de tener todo en su contra, con el peligro evidente de repetición, esta película protagonizada por Alain Hernández resulta mucho más satisfactoria que sus predecesoras. El guion tiene la habilidad de empezar de una manera, continuar de otra, y acabar en un clímax lo suficientemente vibrante como para satisfacer a cualquier espectador exigente. Parte del éxito precisamente se lo debemos a su actor principal, Alain Hernández, al que ya pudimos ver en “El rey tuerto” y en la soporífera “Palmeras en la nieve”. Su principal atractivo reside en la excelente dinámica que traza su personaje con los secundarios, especialmente con Javier Gutiérrez y Alba Galocha. Con el primero, hay una magnífica camaradería que dará lugar a grandes momentos, y, con la segunda, encontraremos algunas de las líneas de diálogo más brillantes.

Estoy de acuerdo de que está llena de clichés, pero aquí, lo más importante, es cómo te los cuentan. Dorronsoro filma con fuerza las escenas, logra que les cojas cariño a todos ellos y, salvo por alguna que otra bajada de guardia en mitad del metraje, consigue remontar el vuelo en los momentos en los que la historia exige ser trepidante.

Siempre he dicho que las películas de robos y cárceles tienen algo que atrapa, y ésta, alejándose por completo de las connotaciones políticas de “Cien años de perdón”, mantiene su originalidad gracias a su mirada directa a este género “chispeante”; y, aunque las motivaciones del protagonista resulten bastante inverosímiles en el tercer acto, se terminan perdonando gracias a la absoluta empatía del conjunto. Una película que levanta un poco el ánimo en este periodo de hastío primaveral.

El director francés Jean-Jacques Annaud pone de nuevo la cámara en la naturaleza, para filmar un curioso proyecto bajo el auspicio del gigante chino.
Bellos y magníficos paisajes, con una fotografía de postal, y escenas de acción con animales perfectamente orquestadas (y editadas) hacen de este producto un regalo a priori bastante atractivo. Pero lamentablemente no es así.
Lejana queda aquella obra maestra de “El oso”, una de las cintas más sobresalientes del cine francés de la década de los ochenta. Un título que resultó ser un desafío, a la vez que un bellísimo canto a la naturaleza en todos los sentidos.
Pero mientras en aquella, Annaud dejaba de lado la voz en off y la ausencia de diálogos en buena parte del metraje, en ésta peca de exceso. En la película se dan demasiadas explicaciones, y más teniendo en cuenta de que se trata de un guión más que revisado por las autoridades, con el fin de ofrecer una imagen idealizada de estos pueblos nómadas de la estepa. Es paradójico que en 1997 le prohibiesen “Siete años en el Tíbet” y ahora le abran las puertas de par en par.
Ver la película doblada se convierte en una acción dolorosa. Los chinos hablando en español perfecto, resulta de una artificiosidad pasmosa y te saca una y otra vez de la atmosfera en la que nos intentan introducir.
La historia está dividida en dos partes, siendo la primera la más interesante, donde vemos a un joven obligado a convivir en una tribu nómada, adaptándose a las costumbres y usos de estas regiones remotas. Las luchas con los lobos y el descubrimiento de un cachorro que ocultará de los ojos de sus bárbaros compañeros, culmina en una escena electrizante en la nieve y en el hielo, pero cuya ejecución pasa más por las manos de un equipo de artistas informáticos, que por los alardes conseguidos a pie de campo.
A partir de ese punto la acción declina y se vuelve cansina, reiterativa y aburrida. Llenando el relato de clichés hacía un final donde se fuerza la lágrima fácil sin ninguna empatía emocional.
Su visionado en 3D carece de sentido, otra herramienta venida a menos, que en manos de este director resulta aún más decepcionante, y más si tenemos en cuenta que fue uno de los pioneros en utilizar estas técnicas en la recordada “Las alas del coraje”.
Siempre me he preguntado, porque en aquellas cintas de los noventa proyectadas en los cines IMAX, tenían mucha más profundidad de campo y relieve que el cine actual.
La película no pasará a la historia de la misma manera que lo hizo “El oso”, pero sí que lo hará la música de James Horner, regalándonos una nueva y maravillosa partitura sinfónica.
Lástima que la historia no le acompañe en esta ocasión, pero su trabajo viene a demostrar una vez más, que está por encima del bien y del mal.