No contaba que la serie del año podía llegar a ser una que arranqué hace 3 años, más por inercia que por apostar que se podía convertir en eso que siempre estoy buscando en cualquier obra cinematográfica, personajes que evolucionen y grandes escenas con más sentido que el que se ve a simple vista.

Y es que señoras y señores, la tercera temporada de Better call Saul, es arte en estado puro. Es un mix de muchas cosas, hay algunas secuencias que van entre el estilo estrictamente clásico y cortes y encuadres más modernos. En una misma secuencia pareciera verse el estilo de John Ford y en el siguiente instante el de Tarantino, y sin descompases en el medio. En donde el silencio de toda una parte del guión se entrecruza con el hiperdiálogo de las escenas a las que nos tiene acostumbrado nuestro abogado sagaz.

Parecía que luego de la desaparición de Tony Soprano, Donald Draper o Jimmy McNulty, no podría haber otro antihéroe importante que nos quisiera contar su vida, hasta que llegó Walter White y enamoró a más de medio mundo. Es cierto que para Better call Saul alcanzara el nivel de Breaking bad necesitara 2 antihéroes en vez de uno: Jimmy McGill y Mike Ehrmantraut.

Hay 3 tiempos en esta historia, uno ya lo conocimos en Breaking bad, los otros dos se suceden a la vez en cada temporada de este spin off, donde Jimmy aun no es Saul y en donde Gene ya ha dejado de serlo.

Pero a pesar de necesitar de los secundarios de la serie original para levantar vuelo, la creación de secundarios en esta nueva parte no se queda atrás, pues su hermano Chuck McGill o Kim Wexler son perfectos contrapuntos. Más teniendo en cuenta que no se nombra a ninguno de los 2 en Breaking bad, por lo tanto la intriga de qué sucede con ellos es aun mayor, y cada capítulo es una gota pequeña en la transformación de Jimmy a Saul.

Pero si esta serie es algo superior con creces, con momentos en los que pareciera superar a su antecesora, es gracias a Mike, ese personaje parco de palabras, tan opuesto a Jimmy, que nos regala algunas secuencias mudas en las que las acciones y las miradas son las protagonistas de la historia.

Porque algunas escenas increíbles de la historia del cine, a veces se dan en la pequeña pantalla un martes por la noche. Y solo se necesita ver a alguien lanzando zapatillas por el cielo para sentir la poesía que ha perdido este mundo.

Funde en negro.
Robert Towne busca la forma de revivir el cine negro. La forma que encuentra es escribir un brillante guión, lo hace.

La base de todo guión es el personaje y la acción, Towne lo sabe bien.

El personaje: Jack Gittes, ex policía del Barrio Chino, devenido en detective privado, hombre frío y calculador, con gran intelecto y por sobre todo agallas.

La acción: un nuevo caso a resolver, intrincado, peligroso, lleno de engaños y mentiras.
Para lograr mayor nivel de acción se debe elegir un buen trasfondo, Towne investiga, escoge la crisis por el agua de Los Ángeles, intenta conectar la ficción con la realidad. Lo logra

Luego para un buen guión se debe poblar la historia con los acompañantes de la acción, nuestro detective está solo, necesita una historia de amor, difícil, fracturada. Surge una mujer en su vida, con ella llega su padre.

Terminado el guión se lleva por las productoras, Robert Evans lo escoge.
Se busca director. Se llama a un director polaco arriesgado. Él acepta... y ya nada será lo mismo...

Roman Polanski convirtió el guión de Robert Towne en la mejor película de cine negro fuera de su época dorada. Polanski lo cambió todo y así una buena historia se transformó en una excelente película con su original ejercicio del estilo. Polanski sabe manejar la atmósfera a su antojo convirtiendo a los espectadores en marionetas mientras él maneja los hilos.
Maneja bien los cambios de registro logrando darle a la historia lo que necesita, en este filme evita los altibajos, no dejando lugar al aburrimiento.

La forma de lograrlo fue oscureciendo aún más la historia original, cambiando el final por uno más oscuro pero más real. Escogió su reparto y este brilló dentro de la oscuridad de la cinta. Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston fueron los responsables de hacer creíble y tan disfrutable esta historia (incluso el mismo Polanski participó en una escena, culpable de la herida en la nariz de Gittes).

La acción no te deja respiro, la intriga te mantiene al filo de la navaja durante sus 130 minutos, posee sobresaltos bien resueltos, todas las emociones desfilarán por tu mente.
Es destacable la fotografía de Alonzo casi al punto de magistral y qué decir de la banda sonora que sabe introducirnos tan bien dentro de la época y hacernos saltar en los momentos justos.

¿Quién dijo que el negro es el color del vacío?

La película logra lo que quiere y hace revivir a un género que nos ha dado tan gigantes obras. Solo me queda decirles: ¡Gracias!

Cuando pienso en Pulp Fiction mi cabeza se llena de palabras:

Atrevida. Agresiva. Agraviante. Atroz. Audaz. Abrumadora. Agobiante. Arremetida. Acribilladota. Amoral. Brutal. Bestial. Blasfema. Burda. Cruda. Cruel. Cínica. Cruenta. Corrompida. Colérica. Dura. Desfachatada. Desvergonzada. Descomedida. Desesperante. Desenfadada. Delirante. Diferente. Exasperadora. Eufórica. Extravagante. Enfurecida. Exacerbada. Excitante. Enajenada. Estridente. Feroz. Furiosa. Frenética. Fuerte. Ficticia. Grosera. Gloriosa. Guarra. Graciosa. Histérica. Histriónica. Humorista. Honorífica. Irreverente. Irónica. Irrespetuosa. Insolente. Impertinente. Imprudente. Impía. Injuriosa. Insultante. Irritante. Indecorosa. Infame. Incómoda. Innovadora. Irritante. Impúdica. Impredecible. Impaciente. Insistente. Irrepetible. Infame. Indómita. Jodida. Juvenal. Jactanciosa. Lenguaraz. Mortífera. Molesta. Maldiciente. Mítica. Megalómana. Nerviosa. Natural. Negra. Ofensiva. Osada. Obscena. Orgullosa. Provocativa. Perturbadora. Precisa. Poderosa. Quebrantadora. Quisquillosa. Rompedora. Rupturista. Rabiosa. Rastrera. Real. Sacrílega. Sangrienta. Salvaje. Subversiva. Sugerente. Subjetiva. Soez. Soberbia. Tormentosa. Transgresora. Trastornada. Terrible. Tosca. Trágica. Temible. Violenta. Vanguardista. Vehemente. Vulgar. Vigorosa. Vanidosa. Venenosa. Veraz. Vil...

En pocas palabras:

Admirable
Brillante
Colosal
Divertida
Encumbrada
Fantástica
Genial
Hermosa
Insuperable
Jovial
Lúcida
Magnífica
Notable
Ostentosa
Prodigiosa
Quebradora
Relevante
Sublime
Titánica
Única
Valiosa

Resumiendo:

¡OBRA MAESTRA!

Las obras de Bergman son difíciles de entrarle de primera, hace falta un análisis durante y después de la película, pero también puedo asegurar que hasta "Gritos y susurros" sus obras iban desfilando desde pésimas, fallidas hasta insoportables, siendo símbolo del aburrimiento crónico su trilogía de cámara sobre "el silencio de Dios" donde el verdadero valor estaba más en la más que genial fotografía del habitual de Bergman Sven Nykvist que en las historias enrevesadas de su creador. Y si, puedo afirmar que Nykvist si no es el mejor fotógrafo cinematográfico si está bien ubicado en el podio.

Pero he aquí que en Gritos y susurros el papel de Bergman es más que notable, enteramente de él pende la película. Bergman nos habla desde las entrañas de la agonía, nos hace sufrir junto con sus protagonistas. Es un estudio sobre la muerte y sobre el efecto en los vivos que Bergman va interiorizando en la piel de las tres hermanas, nos da un recorrido por sus miedos, sus frustraciones, sus recuerdos y el dolor y la ansiedad del presente.

La fotografía de Nykvist junto con el diseño de producción colocan al color rojo como protagonista, se ve en las paredes, las alfombras, almohadones, en el mobiliario incluso en la transición entre escenas contrastando con el blanco en los finos vestidos de las cuatro actrices que nos dejan entrar a su casa y ver sus vidas desde adentro (un excelente reparto femenino).

El rojo según Bergman es la tonalidad en la cual está teñida el alma, no vemos sangre pero la vemos brotar en cada agonía, en el retorcer de la muerte, en el paso del tiempo.

La poca música proviene de Bach y Chopin, por lo que deja a los sonidos de fondo transformarse en la banda de sonido de esta película y justo ahí se encuentra uno de los puntos más altos del simbolismo de Bergman, pues en todo momento sentimos el sonido de los relojes antiguos que pueblan la casa (que aparecen en primer plano en las primeras tomas de la película). Bergman nos recuerda y acentúa en todo momento el desesperante paso del tiempo, simbolizando en parte cada paso que da la muerte hacia nosotros... tic... tac... tic... tac...

Y ahora solo esperamos que se callen aquellos gritos y susurros... tic... tac... tic... tac...

El director británico reciente Christopher Nolan sorprendió al mundo con esta obra rompedora de esquemas. Su guión va más allá que una película, es un puzzle psicológico y cada pieza nos aclara y nos confunde sobre la pintura final, la película terminada en este caso.

Más que por nada esta película es reconocida precisamente por estar rodada al revés, el orden cronológico de las escenas son mostradas al espectador en un orden inverso (de atrás para adelante) y luego alcanza el orden común de toda película. Por lo tanto cuando vemos una escena recién la llegaremos a comprender con la próxima, pero a pesar de esto el argumento logra avanzar y esto es exclusivamente mérito de Nolan. A más de uno le llegará a disgustar esto, pero al que le guste que las películas propongan al espectador intervenir en el juego esto les puede llegar a fascinar.

La amnesia del personaje principal Leonard, interpretado por el actor australiano Guy Pearce, se transforma en el condimento que falta al argumento, su amnesia es a corto plazo, pues a partir de un punto dado en su vida ya no recuerda nada del pasado inmediato, se va olvidando de las cosas momentos después de que pasen, a esto se le conoce como amnesia anterogada, un trastorno real (una persona cercana a mi sufrió algo parecido solo que en menor grado a partir de un infarto).

Es ahora el hombre de los tatuajes, todo lo importante en su nueva vida lo llevara escrito en su piel, es la forma de no olvidarse, además saca polaroids instantáneas de las personas que va conociendo.

Leonard tiene como único deseo vengar la violación y el asesinato de su mujer, pero no tiene casi pistas y se acuerda poco sobre el hecho. Así comienza la investigación, pero la gente que conoce o bien lo pueden ayudar o bien pueden tratarse del mismo asesino, el no lo sabe, pero parece más obsesionado en buscar las pistas que en encontrarlas. La desesperación por cumplir su deseo lo ciega dejando de lado la verdad cuando la tiene enfrente.

El argumento es simple pero deslumbra la forma de mostrarlo. Tiene una estética de film noir de bajo presupuesto. En si lo importante son las piezas del puzzle y el entretenimiento de ser uno mismo quien las tiene que ir armando mientras ve la película (solo para espectador atento) pero igual el argumento nunca llega a aburrir.

El final es una buena muestra de como Nolan llega a desparramar las piezas en la mesa e irlas organizando con lógica y sale airoso de la tarea. Excelente.

Christopher Nolan se suma a la generación de nóveles directores que tienen como truco importante romper la lógica ordinaria obligando al espectador a ver más de una vez sus películas, tal puede ser el caso de Bryan Singer con The usual suspects o M. Night Shyamalan con The sixth sense.