Titanic es una de aquellas películas que la quieres o la odias, no existen términos medios para definirla. Si analizamos la cantidad de premios oscar que se adjudico la cinta del creador de “Terminador”, creo que fue algo justo, considerando el esfuerzo técnico que hay detrás de titánica empresa, y lo anterior recayó como era de esperarse como mejor película y mejor director. Sin embargo, la cantidad de premios no la hacen merecedora de ser denominada la obra maestra de finales del siglo XX. Esto sería ponerla a la altura de grandes epopeyas como BEN HUR, AMADEUS, y EL ULTIMO EMPERADOR entre otras.

La historia de la mayor tragedia de la industria naval de todos los tiempos, ya tenía algunas predecesoras como “El hundimiento del Titanic” y “La última noche del Titanic”, las versiones norteamericana e inglesa respectivamente de la tragedia. Según algunos críticos estás películas superan en argumento a nuestra película en cuestión, como también indican es una mezcla de ambas. Sin embargo, nadie en el mundo quedó indiferente ante la monumental empresa iniciada por James Cameron para contarnos la historia del hundimiento del trasatlántico más coloso y elegante de principios de siglo.

Los estratosféricos resultados económicos que obtuvo el film, son realmente increíbles. El director de “Mentiras verdaderas”, contó ni más ni menos con una producción final de 200 millones de dólares para hacer el sueño realidad de traernos el Titanic de vuelta desde el fondo del atlántico. Su resultado final fue una recaudación mundial de 1.800 millones de dólares, algo hasta ese momento nunca visto en la industria del cine, en definitiva la película más cara de todos los tiempos, pero definitivamente no la mejor.

El Retorno

Con todo este presupuesto no era de extrañarse que Cameron cumpliera su objetivo de resucitar el lujoso barco a vapor inglés, con todos sus detalles, y en eso no escatimo en gastos de producción. Para hacernos una idea, el Titanic media 269 metros de largo y 28.19 metros en su punto más ancho. La altura desde la quilla hasta la punta de las cuatro chimeneas era de 56 metros, más o menos la altura de un edificio de 11 pisos. El director tuvo que construir una réplica de igual similitud en algunas de sus dimensiones, para hacer realidad este sueño y creo que lo logró con una infinidad de detalles, es cosa de comparar las fotografías de aquella época con el resultado final.

En la parte técnica, me saco el sombrero, nada que decir. Creo que nos encontramos con la perfección hecha realidad. El montaje, la fotografía, el vestuario, la dirección de arte, el vestuario, los efectos visuales y de sonido, son definitivamente impresionantes y creo que obtuvieron merecidos oscar. Mención a parte es la banda sonora a cargo del maestro James Horner, el mismo creador de la banda sonora de “Corazón valiente”, quien merecidamente y por fin se llevó dos estatuillas por mejor canción original y mejor banda sonora.

He perdido la cuenta cuantas veces he visto la obra cumbre del cine europeo y porque no decirlo el mejor film del maestro Federico Fellini.

La Strada (La calle) obra maestra ganadora de un oscar a la mejor película de habla no inglesa, es la historia de Gelsomina (Giuletta Masina) una mujer con un gran corazón, lleno de bondad y sensibilidad. Una niña en el cuerpo de una mujer, una joven fascinada con el mundo del teatro callejero y las aventuras de carretera. Una persona que comprende la importancia de las cosas más simples de la vida, como una sencilla piedra la cual tiene un motivo para existir, igual que ella aunque ya no lo cree posible.

El personaje es la versión de Charles Chaplin en versión de fémina fatal, con aquellos expresiones mímicas difíciles de olvidar, destacados incluso por el propio director y esposo de la actriz: «Hacía mucho que quería hacer una película para Giulietta: una actriz singularmente dotada para expresar con inmediatez los estupores, los sustos, los frenéticos regocijos y los cómicos oscurecimientos de un payaso», señala el creador de LA DOLCE VITA. (sigue spolier)

En lo personal una de las experiencias cinematográficas más impresionantes de mi vida, lo cual fue mí iniciación en el cine, ¡Vaya que inicio! Algo que jamás olvidaré, porque tenía tan sólo siete años. No recuerdo bien, pero aunque pude ver otras películas, fue STAR WARS la que maravilló mis ojos por primera vez en la sala oscura.

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS en su excelente versión en español, la recuerdo más que un fenómeno comercial, un momento existencial lleno de simbolismos y recuerdos. Si hasta los carteles de promoción fuera del cinema eran en español. Hasta hoy agradezco a mí padre, haberme llevado a vivir esta experiencia. Él no era de llevarte a jugar fútbol, ni ir al estadio o elevar volantines y esas cosas. El sólo me llevaba al cine a ver películas, lo cual me encantaba.

Recuerdo que era la película que todos los niños comentaban y jugaban a personificar a sus inolvidables personajes. Incluso para la pascua la mayoría pedían espadas láser y máscaras. Fue la “era” de STAR WARS y hasta hoy existen muchos fanáticos de la hazaña iniciada por George Lucas el año 1977.

Partamos que ninguna crítica o comentario sobre CIUDADANO KANE llegará a la altura del film creado por el mítico Orson Welles. En lo personal, la cinta es como la mejor de las cepas que entre más décadas pasan; se transforma en un producto de incomparable calidad, fineza y sabor. Es increíble como al ver una y otra vez el film a partir del misterio de “Rosebud”, vas descubriendo una infinidad de detalles, lo que la ubica en la cima del monte everest de la industria del cine.

Como entender el extraordinario debut de Orson Welles, un joven que fue un adelantado para su tiempo; siendo una figura reconocidísima en el teatro y en la radio, sobre todo por su representación junto a su compañía de teatro de la Guerra de los mundos, que de paso causó pánico en los habitantes de New Jersey, ciudad donde presumiblemente ocurría una invasión extra terrestre. Debido a la polémica desatada, le dieron un premio que se podría catalogar de anecdótico para aquellos tiempos. Como a los antiguos monarcas del siglo XVIII a Welles se le dio el poder absoluto para realizar dos películas cuando sólo tenía 25 años. Fue un privilegiado de la industria que le permitió tener una autonomía artística que muchos directores consagrados no tuvieron. Welles estaba obligado a realizar, escribir e interpretar dos film a cambio de gozar de libertad absoluta y poder de decisión en todas las etapas de realización de las dos obras.

Este primer film trata sobre el ascenso y caída de un magnate de la prensa, figura claramente inspirada en el gigante mediático William Randolph Hearst. El pez gordo desató sus iras en contra del film, incluso antes de su estreno, al enterarse por sus secuaces periodísticos de que en la cinta se retrataba con descaro los aspectos más sórdidos de su trayectoria profesional y privada. La cinta afortunadamente llegó a estrenarse con un enorme éxito de crítica, pero desafortunadamente no con el mismo éxito en taquilla. Aunque muchos no lo crean Citizen Kane solo ganó el oscar a mejor guión original. (sigue spolier)

La cámara con planos de fotografías de prensa de los tiempos de gloria de Randy “The Ram” Robison, con la contagiosa música de fondo de Metal Heath de Quiet Riot; pasa paulatinamente a un travelling hacia el abismo de nuestro antihéroe encarnado por un envejecido Mickey Rourke. Un papel que sólo era para él, recordando que años atrás el actor dejara definitivamente su carrera en el cine, para dedicarla por completo al boxeo. Rourke casi rechaza el papel, por el simple hecho que lo representaba plenamente, reflejaba su estado anímico y su propia decadencia como actor. De todas formas acepto el desafío y por cierto el premio oscar le fue esquivo. Como siempre la academia se equivoca una vez más, la verdad es que hace tiempo que ya no es un precedente para apreciar la real calidad del cine y lo que el público prefiere. Lo de este año fue una vergüenza, (8 oscar para Slumdog Millionaire) la entrega de premios fue más arreglada que mesa de cumpleaños, sin comentarios.

No tiene necesidad de presentación

De lleno en el film, nos encontramos con el material más honesto y real de Darren Aronofsky. La cámara a ras de suelo, nos comienza a relatar la decadencia en que se encuentra el protagonista. Ya han pasado 20 años de la época dorada de la lucha libre en EE.UU, donde el “El Carnero” era uno de sus mayores ídolos y representaba el sueño americano de aquellos años de glamour. Ahora las viejas glorias terminaron para “Randy” y sólo le quedan algunas peleas de exhibición, tan mal pagadas que ni siquiera le alcanzan para pagar el arriendo de su hogar. Sin embargo “El Carnero” aún es reconocido y respetado por sus pares y por algunos seguidores que aún lo apoyan y le piden algunos autógrafos. En este sentido Aronofsky no sólo nos muestra el miedo a envejecer (o a retirarse o jubilar) sino que describe con precisión un submundo de compañerismo masculino —el de Randy— que queda capturado insisto con total honestidad y sin ningún tipo de condescendencia. La mayoría son veteranos de la lucha libre, pero siguen realizan dignamente lo que más saben hacer y de premio reciben el aplauso y el respeto de sus fieles seguidores los cuales para muchos son su única familia.