En realidad este es un episodio de 30 minutos dividido en diez pequeños fragmentos emitidos por Internet que complementan el inicio de la temporada 3.0. Sin aportar datos esenciales para la serie supone un interesante episodio que bajo el título de Crossroads (Encrucijadas) planteara el dilema al que se enfrentan dos personajes a los que ya hemos visto para convertirse o bien en colaboracionistas o bien apoyar la resistencia. No quiero explicar mucho más del argumento para no avanzar datos significativos a los que no hallan visto la serie hasta ese punto, pero la coherencia es absoluta y complementa a la perfección una de las líneas arguméntales principales de ese principio de temporada. Para los que han visto la serie saben que más allá de la trama y de la ambientación futurista, Galactica es, entre otras cosas, un amplio estudio sobre el ser humano, con sus grandezas y miserias, y este episodio consigue plantearnos con éxito los dilemas de ambos personajes y de paso completar la ambigua y amarga visión que hace sobre los tiempos de guerra en ambos bandos. Un pequeño pero perfecto complemento para todos los que nos encanta esta brillante serie norteamericana.

Primera sorpresa importante en la filmografía de Burton. Sugerente, inteligente y visualmente poderosa, casi cada elemento esta introducido por un motivo, siempre buscando aportar algo al film. En ese sentido es especialmente relevante la labor del diseño de producción, en el que Gotham se convierte en la proyección de la psicología de Bruce Wayne/Batman, un personaje tan oscuro, retorcido y ambiguo como los villanos a los que combate. Una ciudad diseñada ignorando todas las normas arquitectónicas básicas de las grandes ciudades americanas (como New York), repleta de callejones oscuros, alcantarillas que escupen vapor, edificios que crecen inclinados impidiendo que la luz del sol llegue a las calles... una utilización ejemplar de los decorados que sorprendentemente llegara a superar en la segunda parte de la saga del hombre murciélago. La música es impresionante. Que decir de una de las obras claves de los 80. La psicología retorcida y opaca de Bruce/Batman esta entendida a la perfección, desde esos esplendidos títulos de crédito, en el que la cámara va avanzando por una especie de laberinto de túneles que terminan siendo el símbolo de Batman. Los actores principales mantienen muy dignamente sus personajes, con un inusual Michael Keaton que es la personificación del Batman burtoniano, un hombre normal pero en el fondo un freak con y sin traje, y un desatado e histriónico Nicholson que termina siendo el mas recordado del reparto, en un trabajo tan exagerado como inolvidable. Sin embargo las concesiones comerciales impiden que llegue a la gran obra que apunta por todo el metraje, lastre que afortunadamente se quitará en la magistral segunda parte. Aun así  ya empieza a apuntar muy alto Burton como director y su estilo esta prácticamente definido. Y además logró con la extraordinaria recaudación obtenida libertad de los estudios para elegir proyecto, lo que le llevo a hacer inmediatamente después un modesto cuento de hadas que se convirtió en uno de los films mas poéticos y personales de la década, Eduardo Manostijeras.

A estas alturas no debería pasarme pero cada vez que descubro un nuevo trabajo de Ford vuelvo a sorprenderme con el inmenso talento del director, sorpresa que se vuelve admiración y que a su vez se transforma en la profunda fascinación. El caso de Dos Cabalgan Juntos no es una excepción. Aunque Ford ya se encontraba en la fase final de su carrera (le restaban cuatro largos y un corto), el director del parche en el ojo tenia guardadas varias sorpresas. Con Dos Cabalgan Juntos, lo que Ford nos presenta como un film de apariencia ligera es en realidad uno de los trabajos más valientes y transgresores del género, a pesar de su clasicismo. Al igual que hará al año siguiente con El Hombre que Mató a Liberty Valance y posteriormente en Cheyenne Autumn el director empieza a cuestionar o mas bien hace evolucionar unas normas que el mismo creo con La Diligencia, elevó a arte con Centauros del Desierto y que cerró de la forma mas brillante con El Hombre que Mato a Liberty Valance. Este film ya anuncia en parte esa evolución del western clásico. Y lo mismo que ocurría en Centauros del Desierto, su especial estructura narrativa puede impedir ver la complejidad, elegancia e inteligencia que desprende si se mira con ojos puramente académicos, haciendo por ejemplo que el asunto de la caja de música sea muy evidente desde la primera escena de las tres en la que aparece y sin embargo su resolución sea mucho mas brusca de lo esperado, de una sequedad evidentemente intencionada que consigue un efecto mucho mas demoledor que cualquier escena de exceso melodramático. Sin embargo la visión de Ford en Dos Cabalgan Juntos se vuelve aun mas cínica y negra, manteniendo un singular equilibrio, treméndamente crítico, entre las visiones del ‘hombre blanco’ y de los indios. Los personajes están sólidamente construidos, en especial los de Guth, Jim y Elena, que vuelven a crear ese micro universo fordiano de personajes secundarios maravillosos que en algunas ocasiones se llevan todo el peso dramático (en algunos casos enorme) o incluso escenas cómicas. El film va pasando de forma progresiva de un tono deliberadamente ligero, de diálogos asombrosamente ágiles, a un tono más dramático y pesimista, demoledor en su descripción del ser humano. Y por supuesto además de un magnífico guión tenemos a un Ford cómodo tras la cámara que no solo vuelve a dar una lección de encuadre, de elipsis o de dosificación de los datos mostrados, sino que hace que la película, de por si no muy larga, pase en un suspiro. Un film simplemente magistral que a día de hoy conserva intactos su buen hacer y riesgo, que el tiempo parece haber colocado en su lugar.

Maravilloso film de un Weir que recupera temas de mayor trascendencia tras su única, hasta el momento, incursión en la comedia con la interesante pero fallida Green Card. Valiéndose de un núcleo de nuevo basado en el choque ideológico, con su habitual ritmo pausado, contemplativo y rico en matices visuales, Weir reflexiona sobre el miedo, la muerte, la amistad, el matrimonio, la familia o la perdida. La elegancia con la que Weir traslada el excelente guión de Iglesias; el minucioso cuidado con el que coloca la cámara; la manera de sugerir mas que mostrar… hacen de este trabajo una autentica rareza, una joya a defender entre tanta mediocridad, como casi toda la obra del director. Además, como también viene siendo habitual, los actores están imponentes, desde una sufridora Isabella Rossellini como esposa de Max, Tom Hulce (casi desaparecido desde Amadeus) como abogado oportunista, Turturro como psicoanalista de la compañía aérea, una inmensa Rosie Pérez como la mujer que ha perdido a su hijo y ante todo un Jeff Bridges brutal, en una interpretación tan impresionante como inolvidable. Pero tal vez lo que mas termina destacando son ciertas escenas de una inusitada brillantez conceptual y formal: la escena inicial en medio del maizal, la de la cornisa, la del accidente de coche o toda la extraordinaria escena final (de lo mejor del director) que hacen percibir como pocas veces en su carrera el enorme talento de este director australiano. Gran película.

Desconocida obra maestra del western, que a diferencia de otros clásicos se mantiene increíblemente actual. Lonely are the Brave es un nostálgico retrato sobre el final de un estilo de vida, un bello canto a la libertad y un inteligente análisis sobre la deshumanización de la sociedad moderna, cargada de desencanto. Para conseguir el extraordinario resultado final el film se sustenta en cinco pilares inquebrantables: Miller (director), Trumbo (guionista), Douglas (actor), Goldsmith (músico) y Lathrop (fotógrafo). Posiblemente la mayor sorpresa me la he llevado con el trabajo de dirección, de una sensibilidad y talento para la puesta en escena realmente asombroso, insistiendo en el constante contraste entre la sociedad moderna, el progreso, con el tradicional y ya obsoleto mundo al que se aferra Jack Burns. Un trabajo realmente brillante que aporta emoción, acota perfectamente los temas principales y que alcanza en la parte final momentos ciertamente trepidantes. Simplemente ejemplar. En cuanto al guión, Trumbo roza lo insuperable en un libreto perfectamente estructurado, con ideas muy claras y con unas líneas de diálogos geniales en su primera parte, como la magistral escena de la cocina, que va dejando mayor protagonismo a la labor del director, en el que la parte visual gana terreno a los diálogos (por escasos), apoyada en un soberbio trabajo de fotografía en blanco y negro. Kirk Douglas simplemente se sale. Una de las mejores interpretaciones del actor, personalmente mi favorita, en un recital interpretativo que nos mete de lleno en el personaje. Estremecedora su mirada final. Y por último un genio en sus inicios, un Jerry Goldsmith que abordaba su primer film importante y creó un trabajo grandioso, centrado casi exclusivamente en el mundo de Burns, tremendamente nostálgico, psicológico y poético, que imprime una desoladora sensación de soledad, pero que también se muestra brillante en su acercamiento tradicional al western y los geniales temas de acción. Con esta conjunción de talentos, en perfecta sintonía entre ellos, no podía salir menos que un clásico a defender. Impresionante.