Filme clave del cine mudo. Poco después de rodar 'Nosferatu', la genial obra de terror expresionista protagonizada por el funesto Max Schreck, Murnau consiguió realizar su trabajo más innovador e influyente. 'El último' fue la primera película de la historia en explotar el movimiento de cámara.

El nuevo sistema de rodaje, denominado "cámara desencadenada", nos ofrece un punto de vista subjetivo, al poder contemplar lo que ve el protagonista. Gracias al magistral trabajo de fotografía de Karl Freund, Murnau, de este modo, es capaz de mostrar el estado anímico del personaje principal.

Murnau, discípulo de Max Reinhardt, reduce al máximo los intertítulos –él los odiaba–, en este filme lleno de lirismo. Se sirvió casi exclusivamente de las acciones físicas de los personajes para desenvolver la historia. La película acaba convirtiéndose en un monumento a la expresividad de la imagen.

El director alemán, gran amante de la pintura, especialmente de la alemana del siglo XIX, realiza una formidable crítica al capitalismo del mundo moderno y a la hipócrita sociedad de las apariencias. Un trabajo de solemne contextura cinematográfica, emborronado por ese deshonroso desenlace impuesto por la UFA.

Documental de historia oral sobre el Holocausto, rodado a lo largo de una década. El filme, el cual es una narración de casi diez horas de duración, no hace uso de imágenes de archivos ni de recreaciones de ficción, tan sólo de testimonios recopilados mediante entrevistas a personas que, de alguna manera, estuvieron vinculados con la tragedia.

En estas interlocuciones, el director media para evocar los recuerdos de cada entrevistado y para pedirles que sigan hablando porque en más de una ocasión éstos se desmoronan. Para Lanzmann, era necesario reflejar el dolor provocado por este suceso ya que pretendía condenarlo con toda la crudeza posible.

Desprovista de banda musical, la narración casi desnuda y, porque no decirlo, mágica de 'Shoah', es tan profunda que nos deja conmocionados. Una obra necesaria que traspasa el valor de mero documental y que devuelve al presente una realidad que deberá permanecer en la posteridad.

Este viaje espectral y de profunda gravedad moral, nos condena como especie. La fuerza de la palabra alcanza altitudes infinitas para hacernos entender el espanto en toda su magnitud. Jamás en la historia del arte, unas vías de tren nos habían provocado tanto miedo.

Bergman, el artista que mejor ha sabido trasladar al cine la naturaleza del existencialismo humano, plasma en 'El séptimo sello' estas inquietudes a través de dos personajes con disímiles enfoques ideológicos frente a las ideas de la muerte y de Dios, conformando una impresionante alegoría en la búsqueda del sentido de la vida.

Antonius Blovk (von Sydow) vive apenado porque no soporta pensar que su vida vaya a terminar en la nada. Intenta ganarle tiempo a La Muerte –mediante una partida de ajedrez–, porque necesita saber si Dios existe y si hay vida más allá de ella. Dios es una necesidad que le exige creer. Es el contrapunto de su fiel escudero, ateo.

Ambos conocerán a una familia de juglares que acabará rescatándole de sus ansias. En una comida con fresas llena de amistad y amor, las reflexiones sobre la fe perdieron su importancia, encontrando así el suceso que le redimía. Antonius comprendió que esos valores deben regir nuestras vidas para afrontar la muerte con plena naturalidad.

Durante la película, visualmente esplendorosa, vemos una procesión de penitentes y la ejecución de una joven acusada por brujería. Con ello, Bergman denuncia a las religiones por engañar al pueblo mediante amenazas eternales, en esta historia ambientada en la Edad Media, época de penumbra, escepticismo y hechicería.

Subyugante e inquietante película sobre la Guerra de Vietnam. En el mítico prólogo donde Willard (Sheen), ebrio, trastornado y al ritmo de “The End” de The Doors, mira al ventilador que evoca a las palas de unos helicópteros que bombardean la selva, ya entrevemos la naturaleza del filme.

'Apocalypse Now' es un viaje que indaga en la locura y la crueldad humana. Penetra en nuestro subconsciente, en busca del horror oculto en uno mismo; la guerra y la reflexión interior de Willard en busca de su propia identidad y del sentido de la vida, se convierte en un descenso al reino de las tinieblas.

Visualmente maravillosa, su espléndida atmósfera, devastada y operística, se acentúa con la música de partitura y repercusiones trágicas que utiliza Coppola. Gracias a ello, crea momentos asombrosos, como el ataque con napalm de la caballería aérea sobre el poblado vietnamita al compás de la música de Wagner.

Al final del viaje, el laureado coronel Kurtz (Brando), un desertor del ejército estadounidense que terminó enloquecido por la guerra, nos espera en su reino de las sombras. Una alegoría del abandono de la civilización. El retrato de la decadencia del hombre occidental.

Precuela y secuela al mismo tiempo de 'El padrino'. Este filme relata en paralelo dos historias espaciadas en el tiempo: la de Michael Corleone (Pacino) –la principal–, que prorroga el relato de la primera parte y la de Vito Corleone (De Niro), historia que rememora su infancia en Sicilia y su ascenso a jefe mafioso en Nueva York.

A pesar de que la última imagen de 'El padrino' era una conclusión redonda e insuperable, Coppola accedió a las presiones y decidió continuar con la adaptación de la novela de Mario Puzo. El resultado no pudo salir mejor, ya que además de conservar su enorme rigor artístico, ésta la supera en complejidad y es moralmente más "shakespeareana".

'El padrino. Parte II' ahonda aún más en la oscuridad de Michael Corleone, el hilo conductor de la saga. Sus principios morales se transfiguran en pura hipocresía e, inintencionadamente, lleva a cabo un proceso autodestructivo de su familia. Una historia apasionante y un gran fresco histórico de los Estados Unidos de primera mitad del siglo XX.

Más oscura y melancólica que la primera parte y sin el gran Marlon Brando, la trama de 'El padrino. Parte II' se irá convirtiendo en un festín cinematográfico y en una bajada hacia los infiernos hasta que termina con el beso fraternal más turbador de la historia del cine. Admirable y eterna.