Voces es el primer largometraje de Ángel Gómez Hernández, un director con experiencia en el terror gracias a un gran número de cortometrajes a sus espaldas. En esta modesta pero más que correcta coproducción de Televisión Española y Netflix, el director ha puesto toda la carne en el asador para homenajear sin complejos el cine de terror de los 80 de casa encantada. La película está repleta de lugares comunes y situaciones mil veces vistas, pero hay que reconocerle honestidad al no esconder y evidenciar sus referentes. Un reparto que ofrece actuaciones solventes, una típica historia de terror y unos efectos especiales y maquillaje más que dignos nos llevan de la mano junto a esa familia acechada por un espíritu maligno.

La familia está interpretada por Rodolfo Sancho, Belén Fabra y el niño Lucas Blas, quienes viven un auténtico tormento y demuestran tener química y complicidad entre ellos. Serán ayudados por un parapsicólogo y su hija, encarnados por el mítico Ramón Barea y la televisiva Ana Fernández. Pero el verdadero protagonista del reparto es nuestro monstruo particular más referenciado: Javier Botet. De nuevo irreconocible gracias a la genial caracterización y la esquiva cámara, Botet interpreta a la figura fantasmal que viene acompañada de explosivos gritos, y una vez más, se corona como el más terrible personaje del film. Mucha atención para todas las personas que no lo conozcan, puesto que el director le ha concedido un cameo sin caracterización en el film, en la escena en que Daniel va a la firma del libro del parapsicólogo.

Tanto la dirección artística como el sonido, dos elementos básicos del género, funcionan a la perfección, creando una correcta ambientación visual y sonora, sin abusar de la oscuridad y de una banda sonora subrayadora, pero si que se torna excesivo el uso de los jump scares. Cada pocos minutos nos prepararemos para la eclosión sonora que nos hará saltar del asiento. Con todo, Voces se suma a la corriente de autores nóveles que deciden profundizar en el género. Toca estar atentos a las futuras obras de Ángel Gómez Hernández tras este prometedor debut.

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“Border” es la segunda película de Ali Abbasi después de la prácticamente desconocida “Shelley”. En este nuevo proyecto el director ha querido adaptar un relato de John Ajvide Lindqvist y para hacerlo se han puesto manos a la obra con el guion el propio director, el escritor de la novela e Isabella Eklöf (directora y guionista de “Holiday”, una de las obras más chocantes de 2018, estrenada en España por Filmin durante el “Atlantida Film Fest”). Contar con el propio escritor ya fue un acierto en “Déjame entrar” y saber que “Border” había ganado el premio a mejor película en la categoría “Un Certain Regard” del Festival de Cannes solo hacia sentir buenos presagios hacia la película. Y así ha sido. Esta fábula sueca que protagoniza una Eva Melander oculta entre maquillaje y prótesis, consigue transmitir gran sensibilidad y hablar de temas complejos a través de una historia de fantasía tratada con severo realismo. La cámara siempre se siente próxima al personaje de Tina, una mujer poco agraciada físicamente que sin embargo es poseedora de un don que le permite detectar el mal que existe en las personas. Es ideal para trabajar en una aduana, pero al poco tiempo su habilidad es reclamada para utilizarse en la lucha de crímenes mucho peores que el contrabando. Como ya sucedía en “Déjame entrar”, la pedofilia vuelve a aparecer en el trasfondo de la película, aunque con una trama que tiene bastante más peso que en la historia de Oskar y Eli.

Pero en “Border” existe un tema central que sobresale entre todas las capas que forman el film: la identidad. El motor de la historia es esa búsqueda de identidad y se utiliza para hablar del aislamiento, la aceptación entre un grupo de iguales, el rechazo a lo que supone pertenecer a ese grupo, la incertidumbre de no conocer tu historia personal, de sentirte rechazado, el (re)descubrimiento de la sexualidad… Cuando entre en acción el personaje que trastoca la realidad de Tina, todo en la obra cobra sentido. Los extraños sucesos y los interrogantes que se van formando conforme avanza la historia, se responden y nos golpean en la mente con fuerza. A partir de aquí la película pierde cierto fuelle aunque se guarda algunos giros de guion (sorprendentes algunos, otros bastante evidentes) que nos llevarán en volandas hasta su cierre con un gran dilema moral: ¿es mejor aceptar lo que somos o seguir el camino hacia el que se nos ha educado? La respuesta se la deja (muy acertadamente) al espectador.

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Pocas veces se coincide al tratar a una película como obra de referencia clara y suprema de un subgénero determinado. Así como La noche de los muertos vivientes es considerada todo un estandarte del subgénero zombi dentro del cine de terror, con El manantial de la doncella sucede lo mismo respecto al cine que agrupa el término “rape and revenge”. Dicho cine sigue un patrón narrativo claro, en el que un personaje es violado, torturado y/o asesinado, y este personaje u otra persona (la mayoría de las veces, un familiar o un amigo) realiza una encarnizada represalia con los autores que perpetuaron el deleznable acto. La segunda película de Bergman centrada en la época medieval, adapta en tono de cuento de hadas, drama, crimen y horror, una dura leyenda de tradición popular del siglo XIV, en la que se confrontan las tradiciones paganas con las cristianas. El indulgente amor de unos padres protectores, hace que su hija sufra un terrible castigo, desatando posteriormente la violencia más desenfrenada. La obra resulta ser uno de los films más accesibles del director, aunque no por eso deja de contener la mayoría de obsesiones del cineasta sueco: religión, pureza, pecado, muerte, culpa y venganza. El bello entorno natural en el que sucede la acción contrasta con la brutalidad y la crudeza de una historia envuelta en drama psicológico y filosófico, que abraza sin tapujos el thriller más violento. Max von Sydow ofrece una poderosa actuación al interpretar al rey Töre, un hombre de profundos pensamientos religiosos que cae en el abismo de la duda y se deja llevar por el sentimiento irrefrenable de venganza más salvaje. Una obra multireferencial que presenta constantes dualidades a lo largo de su metraje, la pureza de la protagonista frente a la impureza de los pastores, la religión de la familia frente al paganismo de los extraños, la luminosidad de los entornos exteriores frente a la tenebrosidad de los espacios cerrados, el fuego y el agua, contrapuestos, pero ambos elementos purificadores. Película imperecedera que fue justa ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa y del Globo de Oro a la mejor película extranjera.

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Marc Martínez Jordán, director de la sangrienta y alocada “Framed” (película que pude ver en la edición pasada del festival de cine de Sant Cugat), propone con “Tu último día en la Tierra” un cortometraje que se sustenta al 100% en su potente guion lleno de giros e ideas originales y en hacer alarde de su escasez de recursos económicos, de producción y reparto. Mientras que otros autores buscan ocultar y minimizar esos problemas, el director ha conseguido dar una vuelta de tuerca para que queden absolutamente integrados en la propuesta del cortometraje. Personajes que viajan en el tiempo, redes secretas criminales, paradojas temporales, conspiraciones, giros argumentales increíbles, cutrez, bromas y emotividad en un cortometraje de apenas 15 minutos de duración. Un corto que se convierte por derecho propio en mi preferido del festival y que consigue que esté deseando ver más proyectos de Marc Martínez Jordán.

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“Lo que esconde Silver Lake” es la siguiente película del director y guionista David Robert Mitchell tras la aplaudida obra de terror “It Follows”. Si con aquella propuesta Mitchell ofrecía un homenaje al cine de terror ochentero con John Carpenter como fetiche a través de la persecución de un ser maligno incansable que acechaba a todos los que recibían una maldición sexual, con “Lo que esconde Silver Lake” pretende hacer una disección completa del cine negro con Alfred Hitchcock como paradigma mediante la investigación de una compleja y absurda conspiración secreta. Sam representa al joven aburrido y desquiciado que necesita algún aliciente en su vida. La desaparición de su vecina Sarah será la excusa perfecta para emprender una investigación en la que encontrará pruebas a través de todos los elementos que forman parte de la gran cultura pop, especialmente la que ha sido más influyente para la generación Millennial (los nacidos entre los 80 y los 90) y los grandes clásicos cinematográficos. Cómics, videojuegos, música, películas… Todo ocultará mensajes ocultos que permitirán a Sam avanzar en su absurda investigación, generando una duda en el espectador: ¿todo forma parte de su desquiciada mente o existe una gran conspiración?

Andrew Garfield ofrece una de las actuaciones más naturales y convincentes de su carrera interpretando a este joven aburrido, paranoico y deseoso de nuevas experiencias, representante de toda una generación asqueada, a través del cual seremos observadores de una cantidad enorme de homenajes y referencias pop. Cada escena esconde un plano calcado a otra película, una partitura musical determinada, una actuación y maquillajes de actores y actrices clásicos o simplemente en ella aparecen objetos que ya resultan icónicos (pósters de películas, lápidas de directores, estatuas de actores y actrices, consolas de vidoejuegos clásicas…). Una apabullante cantidad de detalles que ensombrecen una trama que avanza a trompicones y que genera unas altas expectativas que no se acaban de resolver satisfactoriamente en su último tercio. La generación millennial diseccionada por un Mitchell deseoso de homenajear a “La ventana indiscreta” de Hitchcock y con momentos surrealistas como si se tratara de un pequeño Lynch por crecer.

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