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Espacio interior es una película de género, sin grandes ambiciones, que aspira a ofrecer una lección de superación de una situación extrema. Se trata, por tanto, de una película moral. Ese aspecto es un arma de doble filo. No me gustan las películas que buscan aleccionar, sobre cualquier vertiente de la vida. En la cinta de Parlange Tessman hay un poco de curso acelerado de autoayuda, adobado con fe religiosa.

Aquí, debemos detenernos. El espectador español es diferente al espectador latinoamericano. Igual nos vamos a meter en problemas… La ascendencia del Cristianismo, más concretamente del Catolicismo, en los países latinoamericanos es mucho mayor que en España, generalizando, claro, y refiriéndome a la actualidad. Escuchar a un personaje rezar un Padre Nuestro dispara diferentes reacciones. En España está “pasado de moda”, el español medio es relativista y poco religioso. El Padre Nuestro es de otro tiempo, El Ave María huele a cura pederasta y convento de muros gruesos. En México, es otra historia.

Por eso, la motivación, la fuerza interior que saca Lázaro para no derrumbarse, esencialmente apoyada en su familia, en su trabajo y en la fe, puede extrañar a muchos espectadores. Otra cosa es que Lázaro se apoyase en el hinduismo, el budismo o Mahoma. En ese caso, resultaría más exótico y respetable. Pero la religión católica pasa por su peor momento en países como España. La religión católica es la que menos mola… Y todo ello puede perjudicar a la hora de empatizar con el personaje.

En mi caso, me parece una caracterización verosímil. Lázaro es un personaje creíble, tal vez idealizado, pero un personaje posible, que de eso se trata, al fin y al cabo, en el mundo de la ficción realista. Menos me gusta la fase de la película en la que se intercalan los sueños del protagonista. Rodados con dudoso gusto, restan potencia a la película, rebajan la angustia, y edulcoran la evolución de la trama.

Es decir, entiendo que el personaje sea religioso, pero no me alecciones. Gracias. O si quieres mostrarnos los sueños del personaje, las vías de escape del secuestrado en un zulo de 3×2, hazlo con un poco más de originalidad. Los sueños no son así, ni siquiera cuando se sueña despierto…

Cuando llegamos a la fase final de la película, estamos al borde del rechazo. El personaje nos empieza a cansar y deseamos que la cosa se resuelva. Y lo hace. Espacio interior se resuelve con acierto y eficacia y ahora, sí, con oficio por parte del director. Una última secuencia de gran tensión, nos recupera para la causa y nos hace salir de la película con buenas sensaciones. Y no, no hay final de abrazos y lágrimas. Gracias.

Lo Mejor: la secuencia final. El esfuerzo por ofrecer un producto eficaz con poco presupuesto.

Lo Peor: tendencia a la lección de autoayuda. Las escenas de exteriores son pobres, tanto estética como significativamente.

[crítica de david rubio para alucine.es]

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Nolan ha confirmado con Interstellar que no es la gran esperanza blanca. La película ha tenido bastante buena acogida, pero los defectos del cine del director británico siguen más presentes que nunca. Y también, algunas de sus virtudes, claro. Pero creo que el dinero a espuertas que recibe Nolan es una de las paradójicas causas de su decadencia. A más dinero, menos trabaja el aspecto meramente narrativo de sus películas. Cuando Nolan pulía pequeños artefactos en su taller, era capaz de convertir en único lo cotidiano. Ahora que trabaja en una factoría rubenesca, sus aparatosas obras convierten en ordinario, lo que debería ser único.

El director británico anda detrás de la perfección. Eso lo sabemos todos. Pero cuanto más perfeccionista se nos vuelve, más ridículo resulta. Interstellar quiere abarcar mucho. Tenemos drama familiar, aventura espacial, un poco de acción sobre hielo y agua, mucha monserga científica, y —sálvese quien pueda— un discurso new age. Escuchar a McConaughey, tras más de 100 minutos de aventura espacial, decirle al robot TARS (o CASE, no sé) que el amor bla, bla bla… No me jodas, Nolan, ¿tú también?

Sí, hay algo diferente en Interstellar. Y es la faceta más negativa de la película. Siempre se ha dicho que las películas de Nolan son frías y cerebrales. No estoy del todo de acuerdo. Son, o eran, muy cerebrales en su entramado narrativo, y eso las hacía estupendas, especialmente en el caso de Memento. Pero también emocionaban. No tiene por qué aparecer un personaje llorando a lágrima viva delante de una pantalla para que una película emocione. En Interstellar, Nolan confunde emoción con cursilería. Y como siempre, no le vale con una taza, necesita tres. Hace tiempo que este hombre no tiene medida. Y si en cualquier ámbito artístico no tienes medida, lo bueno se transforma en regular y lo malo en pesadísimo.

Nolan no es un poeta. Es un narrador y un estratega. En Interstellar maneja varios lenguajes, toca varios géneros y el resultado no es positivo. Cuando la película quiere ser lírica resulta almibarada. Y ese es un pecado mortal. La última película de Nolan no me emociona, me entretiene bastante, pero no me emociona. Y ni mucho menos me fascina que es, sin duda, el objetivo del director británico; fascinar al espectador.

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No nos extenderemos con algunos errores menores de la película que ya han sido comentados en muchas otras críticas. Solo decir que 160 minutos son muchos. No es lenta, tampoco aburrida, pero por momentos da la sensación de que se desaprovecha el tiempo (y los millones de dólares). Nolan quiere explicarlo todo, como siempre, y entre explicación y explicación, entre lágrima y lágrima, la película ya nos ha perdido. La apoteósis new age final, no nos recupera…

Lo Mejor: la música, con mucha diferencia. Los escenarios. Entretiene.

Lo Peor: Almibarada cuando quiere ser lírica y pesada cuando quiere ser técnica. Buena parte del reparto ejerce más bien de floreros. A título muy personal, no soporto que repitan el nombre de un personaje más de 50 veces en una película; en este caso Lisa Simpson… quiero decir Murph…. Buff!

[crítica de david rubio para alucine.es]

Filth comienza como una travesura para poligoneros. La rutina de sexo sórdido, alcohol, cocaína y diálogos esquizofrénicos nos pone en guardia. No sabemos muy de qué va todo esto, al parecer pretende estimular nuestro sentido del humor amparándose en el clásico detective corrupto, drogadicto y pasado de vueltas que se dedica a humillar al que se interpone en su camino. No sé si es que no entiendo muy bien el humor escocés o es que el guión no tiene mucha gracia, pero a los 20 minutos ya estamos saturados de tanta raya y gestos de loco.

Filth está basada en la novela de Irvine Welsh (Trainspotting) y su estilo es fácilmente reconocible en el guión de Jon S. Baird. Pero si buena parte de los personajes de Trainspotting despertaban simpatía, Bruce (James McAvoy) resulta bastante cansino. ¿Por qué? Durante el inicio de la película no encontramos ni una sola faceta original en él. Tan solo es otro poli trastornado por las drogas y por un pasado oscuro.

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De esta forma, Filth apuesta por combinar humor negro con tragedia confiando en que el empaste sea efectivo y dote de mayor enjundia a la película. Pero tampoco funciona muy bien. La trama avanza a empellones sin encontrar un tono coherente en ningún momento. Tan pronto pretende hacernos reír como asustarnos. Una paja por aquí y un niño muerto por allá.

¿Nos podemos reír con Filth? Bueno, cada espectador tiene sus preferencias. En mi opinión, el humor soez es tan respetable como cualquier otro. No soy de los que defiende el humor inteligente, una de las mayores gilipolleces que se suele escuchar cuando se atacan los chistes sobre pedos y vómitos. Una chanza sobre Nietzsche puede ser mucho menos inteligente que un chascarrillo sobre fotocopias de penes. El humor inteligente es aquel que hace reír evitando lugares comunes y soluciones de trazo grueso. Un pene puede ser muy inteligente si se utiliza de forma adecuada… En un contexto humorístico, me refiero…

El humor de Filth, en general, no es inteligente no porque trate sobre llamadas obscenas y colocones estratosféricos, sino porque no hace mucha gracia. Eso sí, hay ciertos momentos graciosos, aunque ahora, sinceramente, no me acuerdo de ninguno, pero lo hay… Quizás la actitud mezquina de Bruce con respecto a sus compañeros, liándolos a todos para conseguir su objetivo tenga su punto…

Al final nos tenemos que quedar con la interpretación de James McAvoy como mayor atractivo de la película. Xavier cuelga los hábitos de pastor de mutantes y se entrega en cuerpo y alma a su papel. Sus movimientos y gestos nos muestran que sabe de lo que habla o que es muy buen observador, pero tal vez exagera un poco su actuación, arrastrado por un personaje al filo del esperpento. No obstante, el final sorprende, y nos entrega una imagen más compleja del personaje.

Filth no aburre, se pasa rápido y en algún momento llegas a sonreír, pero su mezcla de tono, entre el drama y la comedia gamberrilla, patina. Al final, ni una cosa ni otra.

Lo Mejor: James McAvoy sorprenderá a sus fans.

Lo Peor: Muy rutinaria en su sentido del humor. La mezcla de géneros no funciona.

[crítica de david rubio para alucine.es]

Creo que una película en la que te aburres, no puede ser muy buena. No me refiero a que sea lenta, árida o hiperrealista, hablo de aburrimiento, de ser previsible. A veces también me aburro de mi mismo, de decir una y otra vez lo mismo. Y en este caso, me voy a repetir y me aburre: tocar un tema social (o político) comprometido, poniéndose del lado de los derrotados no convierte (automáticamente) a una película en buena. Dos días, una noche presenta una temática muy actual, pero poco habitual en el cine comercial. En ese sentido, es una cinta reivindicable, pero la presenta con una forma y un fondo que no convence.

Por eso, Dos días y una noche no es la obra maestra (buff, qué aburrimiento) que casi todo el mundo dice que es. Es una película necesaria, pero no es buena. Y más, decir que esta película es buena, o una obra maestra, no nos convierte en mejores personas. ¿Qué nos convierte en buenas personas? Ser buenas personas. Pero eso es como pedir a un buitre que deje de comer carroña.

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Esa es la película. Sandra de piso en piso, de casa en casa. Defendiéndose, luchando, mendigando y humillándose. Pero también señalando a sus compañeros, comprometiéndoles, mostrándoles su verdadera cara. La idea es buena. Dos días, una noche, nos muestra las diferentes caras de las personas, exhibe la fragilidad, el cinismo, la falta de solidaridad, la frustración, el odio y la fraternidad. De todo hay. ¿Qué personaje encarna mejor nuestra forma de ser? Es un ejercicio interesante. A buen seguro que todos renunciaríamos a nuestra prima. Porque yo lo valgo.

Entonces, ¿qué pasa? ¿Por qué Dos días y una noche no es buena? Porque a la media hora me cansa. Porque ya podemos visualizar lo que queda de película. Porque creo que no son necesarios 90 minutos para contarnos esta historia. No porque la historia sea pequeña, que no lo es, es muy grande, pero su desarrollo lineal, cansa.

Y más. El desarrollo de la película esconde algunos elementos efectistas detrás del entramado hiperrealista “yo solo pongo la cámara y rueda lo que pasa en el mundo”. Los hermanos Dardenne juegan a dos bandas. Tal vez a ellos mismos les parecía un poco aburrido el desarrollo de la historia y nos cuelan un (spoiler1) y un par de situaciones poco creíbles (la reacción de dos parejas a la visita de Sandra).

Por otro lado, el personaje del marido de Sandra tampoco convence. No entiendo su actitud. Parece ser el encargado de espolear la película con su pesada presencia. A medida que el final se acerca, el aburrimiento deja paso al enfado. Me enfado por lo que muestra la cinta, y ese es uno de los objetivos de la misma, pero me enfado también por la actitud de los protagonistas. ¿Es esto luchar? Entiendo la situación por la que pasa Sandra, necesitada de un argumento para seguir, de volver a sentirse útil, aunque su proyecto no llegue a buen término. Pero no creo que ese sea el camino. Y menos aun entiendo que el marido no sea capaz de verlo. Esto no es luchar, amigo. Esto es una mierda.

No sé, quedarse en el paro con una familia que mantener es muy jodido. ¿Dignidad o pan?, parece preguntarse la película. Dos días, una noche es una cinta que debe verse. Su discurso obliga al debate, y eso siempre es bueno. Pero el desarrollo narrativo de la película aburre y algún personaje exaspera. Cuando llega el final, y vemos sonreír a Sandra, nos alegramos y nos cabreamos. ¿Por qué no empezamos por ahí? ¿Por qué todo lo anterior? Dignidad y pan.

Lo Mejor: Marion Cotillard. Crea debate.

Lo Peor: Aburre. Algunas situaciones son efectistas y no cuadran con el estilo de la cinta. El personaje del marido enerva.

[crítica de david rubio publicada en alucine.es]

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Cosmópolis sorprendió a buena parte de sus seguidores. Muchos fruncieron el ceño. ¿Qué coño es esto, David? El director canadiense adaptó el célebre libro de Don DeLillo, y lo hizo con bastante fidelidad. Si Cosmópolis tiene deficiencias, que las tiene, son en su mayor parte procedentes de una novela árida pero visionaria en muchos aspectos. No nos extraña nada que Cronenberg se haya sentido atraído por esta historia de decadencia ultracapitalista.

Maps to the Stars sigue la misma línea que Cosmópolis. Pero nos trasladamos de la locura y la degeneración del Manhattan de un futuro cercano a las pastillas y la esquizofrenia del Hollywood de hoy. Cronenberg quiere mostrar lo mismo que Lynch en Mulholland Drive o Inland Empire, pero lo ejecuta con un estilo más directo y satírico. Pero las conexiones con el director de Montana son más claras que nunca. Y nos alegramos. Cada uno con su estilo, ambos sienten la necesidad de plasmar la demencia y alienación del habitante de la Meca del cine. El hollywodiense medio está con un pie en la locura, para bien y para mal.

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Maps to the Stars no cuenta nada nuevo. Pero en nuestro caso, la temática nos parece de interés casi inagotable. A pesar de algunos lugares comunes y que a la película le cuesta un poco arrancar, enfangada en unos diálogos bastante retóricos, poco a poco, una vez que la trama va abriéndose entre penumbras, asistimos con interés al desfile de espectros en casas de diseño, bares de moda y reuniones de producción.

El guión de Bruce Wagner es mejorable, especialmente, como decimos, en algunos diálogos, pero la historia aumenta su carga de profundidad a medida que avanza. Al margen de Julianne Moore cuyo personaje es más bien decorativo, por muy bien que esté la actriz, nos quedamos con Mia Masikowka y Evan Bird (The Killing), el chico del cuello interminable. Mia es una actriz hipnótica. Ya la disfrutamos en Solo los amantes sobreviven y en Maps to the Stars vuelve a mostrar su talento y peculiar belleza. Nos gustan las locas, para qué lo vamos a negar. Una loca te puede clavar un cuchillo, pero también trasportarte a un lugar en el que nunca has estado. El riesgo es muy seductor. Los locos son imprevisibles, y esa es una de las mayores virtudes que se puede tener en un mundo como el nuestro, dominado por la programación, el plagio y la falta de personalidad.

Maps to the Stars es irregular y descompensada, pero también divertida y amenazadora. Cronenberg sigue de mala hostia. Y es una buena noticia para los amantes del cine.

Lo Mejor: Sugerente e incisiva. Mia Masikowka.

Lo Peor: Diálogos un tanto retóricos. A la película le cuesta arrancar.

[critica publicada en alucine.es]