Man on Wire es un canto a la belleza, a la vida, al genio, al ingenio, al esfuerzo, a la fuerza arrolladora de los sueños. Es una lección magistral de cómo interpretar la vida.

Man on Wire traspasa la delgada línea de la locura y de la magia, con la casi insoportable levedad de un ser caprichosamente genial. Philiippe Petit traspasa la delgada línea del alambre con la cabeza alta, y parece tocar el cielo de puntillas mientras el resto de los mortales nos asomamos perplejos al filo de lo que para nosotros es imposible. Verle flotar a esa altura es una provocación milagrosa.

Hacía muchísimo tiempo que no me estremecía con tanta intensidad. Este es un claro ejemplo de cómo la realidad puede superar con creces a la ficción. Nada más simple que un alambre y nada más maravilloso que un prestidigitador del aire y de las emociones para transportarnos durante más de 90 minutos por un sueño hecho realidad. Philippe Petit cruzó la torres gemelas sobre un alambre llevando como único equipaje su talento y el esfuerzo. El esfuerzo de un genio que durante 6 años gestó un maravilloso atraco a la vida misma junto a un pequeño equipo de amigos. El trabajo en equipo y la preparación es el único momento en el que Philippe y sus colegas pisan con los pies la tierra. La temeridad, aunque parezca increíble, no tiene cabida cuando los sueños se viven de esta manera.

El documental que dirige James Marsh nos cautivará desde el primer al último segundo. La mezcla de fashback (entrevistando a los protagonistas que gestaron la proeza), retales de vídeos originales y la propia implicación del protagonista (Philippe Petit) nos dejarán perplejos como en el mismísimo circo de la vida. Philippe es un artista en el sentido amplio de la palabra, con "una altura de miras" difícil de igualar.

La música de Mikel Nyman es la única red que nos protegerá durante la película. Sus inconfundibles temas nos harán flotar, si cabe, un poco más.

Tras la tragedia de las torres gemelas, Philippe "el Grande" llegó a decir que las Torres se habían llegado a construir con el único objetivo de que él las cruzará sobre el alambre. Yo me lo creo.

esta película-documental es de visión ineludible, absolutamente !!

Pablo Trapero nos lleva a uno de los quirófanos de la Argentina actual. Sin guantes ni mascarilla, sin anestesia, usando su cámara sin esterilizar para RETRATAR uno de los (muchos) mercados negros y corruptos de nuestros días: el negocio de los accidentes de tráfico. En la camilla yacen polizas, seguros de vida, e intereses creados, desprendiendo un hedor irresistible que atrae a todo tipo de caranchos. Abogados carroñeros, policías corruptos, y hospitales usureros traficando con lo más sagrado.

El 'retrato', en carne viva, es un auténtico Caravaggio. Dominando con maestría el claroscuro en ambientes nocturno (que no llegan a cansar, más bien lo contrario), Pablo nos muestra en crudo cómo se ganan la vida los caranchos. Brocha gorda para el fondo oscuro de las mafias, pinceladas finas para perfilar las profundidades psicológicas de los personajes. El resultado, una magnífica composición de cine negro con sombras de thriller. Y es que la acción y el suspense se garantizan hasta el último momento.

Gran parte de la culpa la tiene el equipo de ayudantes del cirujano jefe. Ricardo Darín (en el papel de Sosa) y Martina Gusman (en el de Luján) están soberbios. Sobre todo Darín, que llena de matices y maestría una de sus mejores interpretaciones. Darín ilumina la pantalla incluso en la oscuridad y se confirma como un maestro en el papel de canalla con corazón cinematográfico.

Fuerza, escenas escalofriantes y una historia de amor bastante predecible (todo hay que decirlo) son combinadas y dosificadas con inteligencia. El cóctel resultante mantendrá en permanente estado de excitación a la mayoría de los mortales.

Tampoco es oro todo lo que reluce, las historias paralelas que convergen en el meollo de la cuestión a veces lo hacen a 'trompicones', quizá de forma algo precipitada. La relación tan estrecha entre los protagonistas también podía sacrificarse, ya que en realidad no aporta demasiado. Yo diría que incluso desvirtúa el retrato social. Pero claro está, no sucumbir al idilio entre un Darín inspirado y una atractiva Martina Gusman entre tanta sordidez y tanta crudeza es quizá demasiado pedir (nadie quiere renunciar al éxito de taquilla). Aún así, la credibilidad se mantiene a salvo en todo momento, y es que los actores no bajan la guardia en ningún momento.

Y si os gustan los finales "de película", estamos de enhorabuena ... el de Carancho es técnicamente perfecto.

no os la perdáis!

Arriesgada, incisiva, inteligente, imprevisible, por momentos inverosímil ... pero emocionante. Así es el BUEN CINE y "Todo lo que tú quieras" se le parece mucho.

Achero Mañas apuesta fuerte por una historia que retrata con descaro algunos de nuestros tics contemporáneos (padres que no ejercen su rol, la fingida incompatibilidad entre maternidad y paternidad, la intransigencia sexual entre iguales que son vistos como diferentes, el desacoplamiento feroz entre niños y adultos, etc.) Tics que son retratados sobre un lienzo tejido de emociones, metáforas y delirios y cubierto por una magnífica interpretación.

El reparto es realmente formidable. Juan Diego Boto se sale en el papel de padre-materno, Lucía Fernández (la niña) lo borda, José Luis Gómez también muy bien, y el resto francamente bien.

Achero juega a confundir ficción y realidad, a veces incluso demasiado (confieso que en algún momento ese juego "levita" tanto, que resta algo de credibilidad a la historia). Pero es un juego limpio en el que mezcla, con elegancia y sutileza, sentimientos encontrados que sólo la mente de un espectador interesado acabará desatando. Y es que Achero reivindica el AMOR entre padres e hijos, por encima de cualquier prejuicio. Y la promiscuidad sexual, por encima de cualquier complejo. Y proclama su naturalidad y autenticidad desde un mundo sin contaminaciones ni dobleces: el mundo de Lucía, el de los niños. Para ello Juan Diego Botto se transforma (en sentido literal) y se sumerge en el mundo de Lucía, desde el cual vemos las cosas mucho más al natural, sin ninguna carga emocional "postiza" (como diría Lucía).

Toda buena película tiene un buen final, y ésta desde luego no es una excepción.

Resumiendo, una película que hace honor a su título ... que es "Todo lo que tú quieras

Intuyo que las críticas de esta película estarán muy polarizadas, porque pertenece a ese tipo de CINE (en mayúsculas) que sólo cala en un determinado estado de ánimo, y diría más, para un tipo de público particular (ni más particular ni menos particular que otros).

En mi caso, cuánto más pienso en Bright Star más convencido estoy que se trata de una película sublime y necesaria.

Sublime por su belleza (la auténtica bandera en la que se envuelve todo), por el gusto (con el que se teje puntada a puntada, y sin hilos, la historia), por el tacto (sutil y de una intensidad vaporosa como la de los protagonistas), por la vista (la dirección artística es sin duda de lo mejor, un fin en sí mismo, excepcional), por el oído (regalado por los numerosos pasajes de los poemas de Keats) y por el olfato (que recupera Jane Campion después de morir de éxito con su obra maestra 'El piano'). Sublime por el lirismo a ras de suelo de Fanny y de Keats, sublime por no caer en las tan habituales tentaciones melodramáticas, sublime por saber recrear ese mundo imaginario tan real, sublime por no magnificar gratuitamente la figura de Keats (y conseguir el efecto buscado).

Y necesaria porque de vez en cuando el CINE necesita dar a luz una estrella brillante, aunque sea un fugaz destello. Una Bright Star que inspire y provoque a los del séptimo arte.

Hay muchas lecturas de esta película. El gran poder de seducción y carisma de Fanny, por encima de el del propio Keats. Los valores y calamidades de aquella sociedad de principios del XIX. La fragilidad 'genuina' de algunos grandes genios ... pero por encima de todo destaca la belleza, "la belleza es la verdad, la verdad es belleza, esto es todo... lo que necesitas saber (John Keats)".

Para cerrar esta crítica no se me ocurre nada mejor que bautizarla con el epitafio de J.Keats: " «Aquí yace alguien cuyo nombre fue escrito en el agua»

descansemos en paz ... y satisfechos

Quien decida ir a ver LOPE no lo lamentará, es una película que se deja ver, con un nivel por encima de la media nacional. Pero que tampoco se haga muchas ilusiones.

Lo más conseguido de "Lope" es la ambientación, el vestuario, y la puesta en escena. El resultado es un viaje muy agradable por el Madrid del Siglo de Oro, en el que se cuidan todos los detalles. La música, de Jorge Drexler, también ayuda.

Otra cosa es la escenografía, que desentona un poco. Un filme de 'gran' presupuesto con formato de 'pequeña' pantalla. El reparto, aunque muy bueno, tampoco es lo que más destaca. Alberto Ammann está bien, pero no acaba de convencer (Lope le viene grande). Pilar López de Ayala un poco mejor, y Leonor Watling un poco peor. Luis Tosar y Juan Diego cubren con nota sus papeles más discretos. El resto, discretitos.

Mi impresión es que se trata de una película bien hecha y que se deja ver, pero que pudo haber sido mucho más tratándose de una personalidad tan rica y apasionante como la de Lope de Vega. Y es que a medida que transcurre la película más que sobrar alforjas ... falta viaje. No en vano LOPE de Vega era y es, sinónimo de calidad y excelencia. "Es de Lope" decía el público de aquellos tiempos para advertir que los versos o la obra tenían denominación de origen ... viendo la película se le echa un poco de menos, a Lope ... Quien lo probó lo sabe!!