Nacido en Ardennes, Francia, en el año 1923, Jacques Vaucherot, fue un profesor de letras clásicas que decidió convertirse en escritor cuando, las historias que él mismo vivió y conoció durante la II Guerra Mundial, le hicieron sentir que no podían entrar en el olvido y que tenía que hacerlas conocer con una gran esperanza: ¡Que no se repitan jamás! Vaucherot no tuvo demasiada suerte, ya que, muchas de las historias que escribió se quedaron guardadas en su escritorio, pero, por fortuna, los editores se sintieron conmovidos con su verídica historia de, “Les Patates”, y por fin pudo ver publicada esta obra suya, en 1962.

Seis años después, la novela cayó en manos de ese gran director que fuera, Claude Autant-Lara (¡cómo no recordar “Douce”, “Le Diable au Corps", “L’Auberge Rouge”…!), y tras ser adaptada por Jean Aurenche, decidió llevarla al cine convencido también de que era una historia que había que contar. Con cierto aire a, “La Traversée de París”, otra brillante película que, Autant-Lara, realizara en 1956, en la que dos tipos muy simpáticos tendrán que cargar unas maletas con piezas de cerdo, destinadas al mercado negro en tiempos de guerra, en <<LAS PATATAS>>, será Clovis Parizel, un empleado de fundición quien, abocado a conseguir alimento para su familia -ya que éste comienza a agotarse ante la amarga presencia del ejército nazi que ha ocupado una tercera parte del territorio francés-, también hace un largo y riesgoso viaje para obtener una patatas de siembra con las que planea hacer su propia huerta.

Son tiempos en los que, la gente del pueblo solo puede consumir patatas y más patatas para no morir de hambre… y, Parizel, está dispuesto a arriesgar su vida para sostener a la esposa y los dos hijos, a los que tanto ama. La historia tiene momentos muy divertidos y de gran calidez (la clase sobre el Honor; los encuentros de Parizel con el aduanero; las patatas encontradas por los dos gendarmes; la anécdota de guerra que el padre cuenta a su hijo…) pero, infortunadamente, no se mantiene en alto suficientemente, y por momentos, pierde fluidez y agarre.

Pierre Perret, consigue meterse en la piel del atribulado padre de familia y logra que nos encariñemos con su personaje; también, Pascale Roberts, luce muy agradable en su rol de Fifine, pero, el resto del reparto apenas cumple con su cometido y uno siente que, el director, hizo esta película sin contar con un holgado presupuesto, además de que, constantemente se veía abocado a suspender el rodaje por el invierno que azotó la zona.

Con todo, y con un espíritu conciliador y generoso, <<LAS PATATAS>>, deja sentado que siempre es el pueblo el que lleva la peor parte en el fragor de la guerra ¡y esto no puede volver a suceder!

El adquirir un carro último modelo, una casa más amplia y moderna, una lavadora-secadora automática o un celular de avanzada, puede llamarse Progreso, pero, EVOLUCIÓN, es el crecimiento del hombre como ser humano y como ser sociable, y esto significa incrementar la capacidad de amar y comprender, y prodigarse con bondad, solidaridad y ternura. Es velar por el bienestar de los que poco o nada tienen; incrementar las cosas bellas que enaltezcan el mundo y crear, distribuir o difundir todo aquello -arte, ciencia, artesanía, técnica…- que promueva la reflexión, escudriñe la verdad y enriquezca el conocimiento. Cuanto más avanza la Evolución, el hombre se aproxima a La Gran Meta que es la UNICIDAD (cuando todo hombre, mujer o animal, se sienta por fin seguro, respetado y valorado por todo aquel con quien se cruce en su camino)… y será, solo entonces, cuando la especie humana, sin excepción, recupere, por fin, el paraíso perdido.

Pero, cuando uno contempla objetivamente a la humanidad, comprende que, 20 siglos después de la venida del maestro Jesús -sin contar los muchos siglos que transcurrieron atrás-, hay un valioso, aunque selectivo avance en el Progreso… pero tan escaso logro en la Evolución que, la Unicidad, sigue a años luz de poder alcanzarla. Me pregunto entonces, ¿Qué es lo que nos hace ser la “raza superior”? Estoy por creer que este es un título que nosotros mismos nos atribuimos sin haber pasado por la valoración de alguien superior.

Con su película, <<LA NUBE>>, el director Fernando E. Solanas, vuelve a dar en el blanco con una creativa alegoría del atraso que significara para la nación Argentina el gobierno de Carlos Menem. La nube, es el sol oculto (progreso) de la nación, donde viene lloviendo 1600 días sin cesar (el tiempo que, a la fecha, llevaba Menem en el poder) y la sociedad comienza a caminar como el cangrejo (para atrás) por las privatizaciones, la represión, el saqueo… y el nivel de oscurantismo al que se ha llevado el arte.

Como consecuencia de la soga que se le viene poniendo en el cuello a la cultura, el Teatro Espejo, está a punto de ser vendido… y probablemente desalojado y demolido, como ya ha ocurrido con tantísimos espacios culturales. Para su director y sus actores, son 75 años de arte y patrimonio los que se tirarán por la borda, pero, el gobierno no es capaz de entender que, “el arte no es gasto ni ganancia sino inversión” -en el conocimiento, la ocupación sana, el redireccionamiento de inclinaciones, la estética y la ética…- y el proceso sigue adelante porque la cultura es siempre una de las grandes bajas en los gobiernos de ultraderecha.

La película la protagoniza, Eduardo Pavlovsky, médico psiquiatra que, influenciado por el teatro de vanguardia europeo, en 1960 fundó el grupo de teatro Yenesí, con el cual llevó a escena obras de Samuel Beckett, Bertolt Brecht, Eugene Ionesco, Harold Pinter y otros grandes cuyas imágenes podremos ver en el decorado del Teatro Espejo de la película.

Actor de teatro y cine, y también autor de obras como, El Señor Galíndez (1973), Telarañas (1976), El Cardenal (1991), y entre otras, Rojos Globos Rojos (1994), fue esta última la que sirvió de inspiración a Solanas, para sacar adelante este afinado y doloroso alegato contra el maltrato a las artes escénicas.

Con un guion escrito por el propio Solanas, con insertos de una puesta en escena de, “Rojos Globos Rojos”, que protagoniza el propio Pavlovsky, la película avanza con numerosas metáforas y críticas sociales que reclaman, como es habitual en su cine, nuestro sentido crítico y la más atenta observancia de todo lo que sucede. Mención para, Ángela Correa, por su sentido rol como la brasileña Fuló, y para, Franklin Caicedo, como el escritor Enrique.

Veremos al director en un breve cameo jugando billar y, <<LA NUBE>>, se propone dejar sentado que, el arte no puede morir porque eso significaría la muerte lenta de cualquier sociedad.

Novelista, dramaturgo y periodista sirio, Vahé-Karnik Khatchadourian -mejor conocido como Vahé Katcha (Վահե Քաչա) (1928-2003)-, consiguió publicar en su vida 25 novelas y dos obras de teatro, habiendo sido varias de ellas adaptadas, principalmente, en Francia, país a donde había emigrado en el año 1945. La primera obra teatral que escribió, “Le Repas des Fauves” (La Comida de las Fieras, 1960), se convirtió en un gran éxito que atrajo enseguida a numerosos grupos para llevarla a las tablas y el cine no fue la excepción, siendo el director, Christian-Jaque, quien decidió adaptarla en compañía de Claude Marcy y Henri Jeanson, y el resultado es un magnífico estudio de caracteres que saldrán a flote bajo presión.

Se trata aquí, de un grupo de amigos que, en 1942 (en el transcurso de la II Guerra Mundial), para celebrar los 22 años de la linda Sophie, asisten a su casa donde ella les recibe en compañía de Victor, su marido. Pero, cuando ya la amistad y el parentesco entre algunos los une satisfactoriamente, un incidente callejero hará que haga su entrada un grupo de militares alemanes, cuyo comandante -pretendiendo encontrar a los asesinos de dos de sus hombres-, dice que se llevará a dos testigos de cada piso del edificio para interrogarlos… pero, en plan de proporcionar un “juego diabólico”, pone a los asistentes a que ellos mismos decidan quiénes serán las dos personas a las que se llevará.

Lo que se deriva de aquí, sacará a flote las debilidades y las fortalezas humanas... y se iniciará un fluir de temperamentos y caracteres que van a dejar muy claro que, bajo presión, es cuando fácilmente se sabe quién es quién. Además de que ésta confrontación resulta bien aleccionadora, lo más interesante es que los espectadores no conseguiremos permanecer al margen… y poco a poco, vamos tomando partido hasta sentir quiénes nos repugnan y a quiénes consideramos sensatos y justos en su proceder.

Y cuando hemos definido esto, ¿Qué es lo que sentimos? ¿Qué ideas pasan por nuestra mente?, ¿Somos mejores que, el comandante Kaubach, al momento de tomar decisiones? ¿Compartiremos o nos molestaremos con lo que él decide? ¿Lo que sentimos nos hace verdaderos y generosos seres humanos… o acaso seremos uno más entre aquellos que piensan egoístamente?

La pluralidad de caracteres que se encuentran en aquella casa, hará inevitable que sintamos conexión con alguno (o algunos) de aquellos personajes… y también sabremos que hemos sido parte de un juego que, con gran eficacia, desnuda nuestras almas.

Considero que con, <<LA CENA DE LOS COBARDES>>, estamos ante una obra y una película de la más alta trascendencia, pues, además de que, el director, ha logrado un set muy relevante, la trama nos envuelve por completo porque hay mucha amenidad en las acciones; se mantiene todo el tiempo la eficacia de los diálogos; y las interpretaciones resultan envolventes y con suficientes matices como para que seamos debidamente benévolos. Bajo presión, lo que se esconde en el alma sale a flote… y ya las apariencias no logran engañarnos.

El reparto es estupendo y lo encabezan, Francis Blanche (el tío Francis), Boy Gobert (el comandante, Kaubach), Antonella Lualdi (Françoise), Claude Rich (Claude, el filósofo), y France Anglade como Sophie.

Con, <<LA CENA DE LOS COBARDES>>, Christian-Jaque se abona otro importante título en su filmografía.

Ciudad de Ushuaia (Bahía profunda, en yagán), es la capital del departamento del mismo nombre, ubicado en la provincia de Tierra del fuego. Centro industrial, portuario y turístico, Ushuaia (pron. Usuáia) es considerado uno de los territorios más australes del mundo. En el Colegio Nacional Modelo (¡otra vez el nombre no dará cuenta de la realidad!), estudia un joven llamado, Martín Nunca, quien convive al lado de su madre y su padrastro, con quien no consigue sostener una relación cordial. El chico añora a su padre, Nicolás Nunca (vale la pena tratar de discernir que puede significar este apellido), un geólogo ausente que le ha legado una historieta que escribiera sobre un personaje ubicado en tiempos de la “conquista” al que llamó, Tito el Esperanzador.

En busca de su padre, de sí mismo y de la realidad latinoamericana, en una bicicleta Martín decide emprender el viaje hacia el norte hasta llegar a México, pero, primero tendrá que recorrer a Argentina, donde se encontrará con un país anegado real y metafóricamente (¿en llanto?), ante la gravosa labor del presidente de turno al que llaman, el Dr. Rana (los gestos y la oratoria mucho que ver con el denostado presidente de entonces, Carlos Menem). Aquí, el diseño de producción y la fotografía, comenzarán a dar cuenta de un realismo mágico y onírico y, por otra parte, en franca decadencia, y el director Fernando E. Solanas, descollará con una narración sorprendente y admirable, que le merecería, Mención Especial del Jurado en el Festival de Cannes y el premio a Mejor Fotografía en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

Siendo el tercer largometraje de ficción de este gran director argentino, siento que es el más elaborado desde cualquier punto de vista (técnico, argumental, ideológico…) que hiciera hasta el momento, y de no ser por ciertas falencias en la vocalización de algunos personajes -sobre todo en la primera parte de la historia-, ésta pudo ser su obra maestra porque, en todo lo demás, el filme es impecable.

Solanas, se muestra recursivo, inventivo y encantadoramente mordaz; juega al surrealismo y a las metáforas dándole punzadas a la clase política con un estilo que nos recuerda al gran Buñuel; y mientras recrea la situación de abandono, explotación y miseria que, por inconsciencia e incompetencia de los “poderosos” se preserva en nuestro continente, va también dando cuenta de la solidaridad y la afectividad que preserva el aliento en los pueblos latinoamericanos.

El joven, Walter Quiroz, logra una carismática y emotiva interpretación como el aventurero Martín (cualquier alusión a, Martín Fierro, puede ser intencional); y a su lado, surgen personajes encantadores como, Américo Inconcluso (muy gratamente interpretado por Kiko Mendive), o la enigmática Chica de Rojo que alentará la esperanza del joven viajero, entre otros; y también estará la contraparte representada por el rector Garrido o el Dr. Rana, con muy precisas caracterizaciones de Eduardo Rojo y Atilio Veronelli, respectivamente… y en el pequeño rol de Helena Nunca, tendremos nada menos que a, Dominique Sanda, la recordada actriz francesa de, “Une Femme Douce”, “Il Conformista” y “Al di là del Bene e del Male”, entre sus muchos títulos importantes.

Por su estructura argumental, y su singular puesta en escena, <<EL VIAJE>> no es del tipo de película a la que se le hace fácil digestión, pero, masticándola sin prisa y con la mente bien abierta, no solo ofrecerá un alto placer estético sino que nos aproximará al continente americano con un buen número de elementos históricos, críticos y muy significativos.

Mientras avanzaba en el rodaje de esta película, en su labor como diputado, Solanas fue siempre una de las voces más fuertes contra el deplorable y saqueador gobierno de Menem. Después de que, a comienzos de 1991, se reafirmara en sus denuncias ante un juez federal, "al día siguiente, un comando ligado a las fuerzas del Estado, lo baleó 6 veces en las piernas dejándolo en silla de ruedas" (1)… y el rodaje tuvo que ser postergado hasta que, Solanas, pudo regresar a los sets, en 1992, tras recibir un alto respaldo internacional.

Fernando E. Solanas, es ya un director de mis mayores afectos.

(1) https://web.archive.org/web/20110605001338/http://www.pinosolanas.com/vida.htm

Nacida en Budapest, Hungría, el 27 de abril de 1885, Margit Vészi, tuvo desde muy pequeña una gran vena artística, y tras su primera inclinación por el piano y el canto, pronto se enroló en la pintura, y habiendo estudiado con Sándor Bihari, consiguió hacer algunas exposiciones tanto en su tierra como en otros países. Sin embargo, decidió un día pasarse al periodismo y escribiendo para The Evening, se dedicó a hacer informes de viajes, y basada en la obra de Lajos Biró, escribió también el guion para la película, “Hotel Imperial” (Jenö Janovics, 1918). Seguidamente, pasó a ser una valiente corresponsal de guerra que escribía sus artículos en las trincheras durante la I Guerra Mundial. Casada, entonces, con el célebre dramaturgo y también corresponsal de guerra, Ferenc Molnár (solo que él escribía desde una cómoda oficina), cuando decidió separarse marchó a Roma, donde tuvo como pretendiente nada menos que al compositor, Giacomo Puccini… y a continuación partió para los Estados Unidos de Norteamérica, donde consiguió un contrato en Hollywood… pero cuando se convirtió en una adulta mayor, la señora Vészi optó por irse a vivir a un hotel en Alicante, España, donde pretendió alejarse del mundo… y como nunca soportó la vejez, optó por suicidarse allí, el 11 de julio de 1961.

Entre las obras que publicó, Margit Vészi, podemos citar: “Az Égö Európa” (Europa Ardiente, 1915), “Útközben” (En Camino, 1918) y “Éjféeli Mese” (Cuento de Medianoche, 1923). De esta última obra, que es una recopilación de sus cuentos cortos, hace parte, “All in a Night’s Work”, que, Owen Elford, transformara en la obra teatral que, luego, Edmund Beloin, Maurice Richlin y Sidney Sheldon, convirtieron en una regocijante comedia con pícaros y muy frescos diálogos, guion que sería encargado al director, Joseph Anthony, para llevarlo al cine.

La historia nos habla de la investigación que comienza a adelantarse cuando el coronel Ryder, dueño de una gran empresa de publicaciones, es encontrado muerto en la habitación de un hotel donde pasaba sus vacaciones. La primera sospechosa, es una chica a la que se le perdió un pendiente y a la que, Lasker, el investigador privado, vio salir de la habitación y correr semidesnuda hasta conseguir escaparse.

Cuando, Tony Ryder, una suerte de vividor (“¡Quizás no valga mucho, pero es todo lo que tenemos!”), entra en funciones como heredero de la gran empresa, conocerá a Katie Robbins y, así comenzará esta divertida comedia de enredos, donde pasará de todo (bueno, de casi todo) para asegurar un rato bastante entretenido.

Otra vez, se intentará demostrar que algunos adagios populares como aquellos que rezan: “Las apariencias engañan” o “Mala suerte, puede ser buena suerte” o “Parece que vale poco, pero en realidad vale un montón”… se cumplen a cabalidad. También, la manera como el amor suele posicionarse donde menos se espera, queda muy gratamente ilustrado… y para gusto de muchos, vamos a ver como la mala fortuna puede cambiar de la noche a la mañana.

Joseph Anthony, director que nos sorprendiera con su debut como director en, “The Rainmaker” (1956), y quien luego hiciera la divertida, “The Matchmaker”, se encuentra por tercera vez con la fabulosa, Shirley MacLaine (la segunda fue, “Career”, un vacío que desearíamos llenar), actriz que, como suele suceder, desborda gracia y encanto a borbotones… ¡y va a dar mucho que hacer a sus perseguidores! Dean Martin, vuelve a ser esa suerte de tipo picarón con corazón de mantequilla; y, Jack Weston, resulta inolvidable como el desventurado sabueso.
En fin que, <<TODO EN UNA NOCHE>>, tiene ese gusto a comedia bien hecha y creo que resultará perfecta para cualquiera que desee sacudirse el estrés que produce esta temporada.

Título para Latinoamérica: LA DAMA DE LA MADRUGADA