La película Easy Rider entra en el caso de que muchas veces el legado que deja en la historia es muy superior a lo que tiene que contar y la calidad con que lo hace.
Sí, es cierto... la película no contiene un buen despliegue narrativo y su despliegue técnico no es muy alentador (en parte recordar el hecho de que la droga no se movía solo entre los personajes sino también entre el reparto y el equipo técnico) pero contiene algunos elementos que han roto con parte del cine de finales de los sesenta y que comenzara toda una forma de hacer cine.

La independencia y el bajo presupuesto le sientan bien. Filmada gran parte en exteriores muestra un modo de "vida alternativa", esto rompe con el cine de Hollywood de esos días. Se trata de tomar la cámara y apuntar hacia otro lado, de explorar los terrenos vírgenes que tenía aún el cine.

Con una banda de sonido por más que destacable con canciones representativas de la contracultura de la época de Jimi Hendrix, Steppenwolf, Hoyt Axton o el propio Bob Dylan. Me siento fascinado en la escena en la que comienza su periplo por las rutas norteamericanas bajo la canción "Born to be wild" de Steppenwolf, toca la poesía con las manos.

El periplo comienza cuando dos jóvenes (Peter Fonda y Dennis Hopper) apodados Capitán América y Billy ganan suficiente dinero con drogas que compran a un mexicano, con ese dinero deciden cumplir un sueño ir a Nueva Orleans durante el carnaval de Mardi Gras, compran dos motos y comienza la odisea.

Se ven restos de la sociedad alternativa, rasgos de la cultura hippie, el mundo de la droga. Según George (un joven Jack Nicholson en su primer papel importante) hijo de un hombre acaudalado, en una charla entre drogas, el país se ha ido al carajo, rechaza los cánones de la sociedad establecida y se convierte en el punto ideológico de la película. George afirma "cuesta mucho ser libre cuando te compran y venden todo el tiempo"

Easy Rider es un mito dentro del cine, por lo tanto tiene rasgos destacables que la convirtieron en mito y tiene otros muy exagerados como parte de él.

Al leer las más de cien críticas de los usuarios no puedo más que imaginarme una escena:

Un cuarto algo oscuro, en el centro un sofá de una pieza rojo, sentado sobre él un hombre riendo a carcajadas: ese hombre es David Lynch.

Precisamente se ríe de haber ganado su juego, de haber jugado con nuestras mentes por medio de una película, logró lo que quería: que se hablara de ella por mucho tiempo, pues de a poco se va a ir ganando su lugarcito en la historia del cine.

Hay tres tipos de espectadores para Mulholland Drive: está el espectador que no entendió nada y ni siquiera le interesa entender que critica la película solo por los últimos 30 minutos y la califica en lo más bajo, está aquel que no entendió nada pero cayó rendido ante el poder de las imágenes, las interpretaciones y la música y la califica de notable aunque no le haya tomado el hilo y por último el espectador que cayó ante el poder de las imágenes, las interpretaciones y la música pero ha llegado (con demasiado esfuerzo o no) a atar los hilos de la imaginación del genial Lynch y la califica en lo más alto.

La película nos plantea un reto y después lo demás depende de si el espectador lo acepta o no. La mitad abandona a medio camino, pero otros jamás pueden rendirse y la mirarán 10 veces si es necesario (aunque creo que con 2 basta).

Así que si estás decidido a jugar su juego es una película magistral sino el poder es tuyo y puedes dejar de verla cuando quieras. ¿Te animás?

Lynch tiene una forma única de rodar los sueños y en esta película raya la perfección, es claro que el sueño es casi la cuarta parte de nuestra vida... por lo tanto ¿no merece 2 horas en una película de 147 minutos?

-Ja! Yo creo que sí...

Es un gran mérito para un director lograr que su película produzca más de lo que buscaba, que consiguiera más que para lo que fue creada. Pues en principio la película deseaba solo estremecer al espectador, indignarlo y asquearlo hasta el hartazgo pero resultó ser culpable de mover algunas estructuras, de despertar, aunque mas no sea un poco, al espectador de los 70 y es más mérito aún seguir lográndolo casi 25 años después.
Pink Flamingos profundiza en escenas donde el asco es el principal protagonista y Divine su coprotagonista, es cierto que no hay nada inteligente en mostrar una mujeroide obsesiva comiendo excremento de un perro, profundiza en la perversión, en lo escatológico y lo repulsivo. Es todo esto que muestra que espectador no puede quedarse inmuto, Pink Flamingos te hace responder quieras o no, ya sea detestándola o amándola.
Es cierto también que el guión, la fotografía, la dirección, las actuaciones dejan mucho que desear, pero esto es lo que le da ese agridulce sabor a obra independiente, su bajo presupuesto brota en cada escena, pero es así como la comedia trash se nutre y cobra vida.
Tiene una estructura muy fácil de construir, una sucesión de escenas de situaciones de comedia con perversión y asquerosidad sin aparente desemboque, es así que cualquiera podría construir una obra igual o incluso más detestable (a cualquiera se le podría ocurrir una escena aún más asquerosa que la de sexo entre una pareja y un pollo), pero es sabido que solo John Waters la llevó a cabo. Es este el mérito a destacar por sobretodo, animarse a rodarla y llevarla al gran público.

Oriente es la cuna del renacimiento del cine. Y Ki-Duk Kim uno de su más fiel representante, es así que Bin-jip (Hierro 3), una de sus obras más importantes signifique tanto para algunos.
Es una original historia, de la cual algunos critican su alejamiento de la realidad... ¿pero todas las grandes obras de arte tienen que estar totalmente emparentadas con la realidad? Yo creo que no, es así que hay que disfrutar la película por lo que es.
La película hace un excelente tratamiento del silencio (desde "Érase una vez en el oeste" de Sergio Leone que no sentía el silencio ser tan buen protagonista). El personaje Tae-suk no necesita articular palabra para que uno entienda sus deseos y su coprotagonista dice las justas (en el momento justo).
Demás se suceden una tras otra imágenes con alto contenido poético. Un hombre construye su vida con trozos de las vidas vacias de los demás, ocupa sus espacios privados y paga una suerte de alquiler arreglándoles algunos problemitas.
Algunos critican el uso de la violencia innecesaria, pero la usa para mostrar que la vida es violenta, que vivimos en un mundo violento (en nada comparable a la violencia que muestra Chan-wook Park) además es una suerte de sutil venganza por tener que llevar la vida que lleva, él no pidió nacer, por eso le pide al mundo que lo trajo aunque sea un lugar por pocas horas aunque tenga que pagar el precio.
El mundo va haciendo que este hombre sin nada se vuelva poco a poco en un fantasma, y es en la carcel aprende los trucos para desaparecer.
Ki-Duk Kim nos cuenta una inteligente historia de amor, donde los gestos son la única expresión de este amor, paro ya uno sabe cuanto se necesitan uno al otro y cuan grande es este amor. Esto es un gran mérito del guión y sobre todo de la sutil pero firme dirección de su creador.

Luego de haber entrado a los diferentes mundos de Cronenberg uno sale diferente. Cuando uno termina de ver una de sus películas se siente asqueado y maravillado al mismo tiempo. Me es imposible calificar una película suya inmediatamente de verla. Las ideas y las imágenes se encuentran demasiado frescas. Cronenberg pinta realidades con demasiada sangre, por lo tanto hasta que no se seque uno no puede descubrir el crimen oculto.
Ya ha pasado tiempo que he visto Videodrome y es ahora cuando encuentro el valor de este nuevo crimen del canadiense. Una obra exquisita que muestra en múltiples delirios la política de la televisión de mostrar lo que sea por mayor audiencia, la violencia explícita, conceptos encontrados sobre la realidad junto con las deformaciones del cuerpo y en ésta particularmente de la mente.
Lástima la censura que tuvo que sufrir esta obra, la cual vió cortada escenas que hubiesen sido la delicia de sus seguidores