La película de Pau Durà abre con una cita de Michel Onfray: “Uno mismo, ese es el gran asunto del viaje”. Ahí queda perfectamente sintetizada la esencia de "Pájaros", una road movie sobre reencuentros, con otros y con uno mismo.

Javier Gutiérrez y Luis Zahera interpretan a dos hombres perdidos, cuyas vidas dan un vuelco al cruzarse inesperadamente. Sin saberlo, inician un viaje (supuestamente en busca de un ave), que se acaba convirtiendo en un intento por reconducir sus vidas. A través del guion, ambos personajes se construyen con varias capas que les ofrecen mayor profundidad y permiten a los dos actores desenvolverse en distintos registros.

La historia gira en torno al drama central, pero recurre constantemente a un humor placentero que deja entrañables y memorables escenas. Asimismo, un telón de misterio se mantiene en el aire durante parte del trayecto, aunque no se llega a poner el foco en ello. Lo crucial son Colombo y Mario, sus interacciones y su evolución. Así pues, Pau Durà alterna una realización donde las imágenes de carretera se mezclan con elementales planos contraplano y encuadres donde se contempla el acercamiento entre los personajes.

A pesar de sus innecesariamente recurrentes escenas de excesos, "Pájaros" narra un optimista relato de redención y enfatiza la posibilidad de reparar las cosas y dar segundas oportunidades. El pájaro deviene un simbolismo para aquello que es inalcanzable hasta que uno consigue mirar a la cara a sus problemas, aprende a dejar ir y comienza a trabajar en una mejor versión de sí mismo.

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"La primera profecía" es una precuela de la historia que nos contó Richard Donner en 1976 (que tuvo un olvidable remake en 2006). Al año siguiente, este clásico protagonizado por Gregory Peck y Lee Remick ganó el Oscar a la Mejor banda sonora y, aún hoy, figura entre las mejores películas de terror (aunque en realidad el género que mejor la define es el suspense).

Ahora, con "La primera profecía" nos enfrentamos a la actualidad cinematográfica que confía más en los golpes de efecto que en la psicología de los personajes o en la historia misma. El título de Arkasha Stevenson no recoge ni la mitad del suspense de su predecesora, y su historia no consigue mantener nuestro interés. Posiblemente, por diversas razones: la cinta se entretiene mucho en planos que dicen lo mismo una y otra vez, los protagonistas carecen de atractivo psicológico (aunque no interpretativo), los malos parecen caducos y trasnochados religiosos (y aquí la consabida crítica a la Iglesia católica), y la oscuridad de la trama se traslada a una bestia cuya imagen diabólica no conquista .

A todo esto se suma una narración que se pierde entre demasiadas opciones: no se centra en Margaret (la protagonista), tampoco en Carlita (la supuesta hija del diablo), ni en los curas o monjas artífices del complot y, además, el demonio resulta ser un chacal versión XL. También se abusa de una banda sonora redundante y el exceso de susurros le resta impacto a este recurso sonoro. Así, la trama se vuelve repetitiva y no deja florecer el suspense y, con el clásico en mente, este título se vuelve irrelevante e innecesario.

En cualquier caso, si alguien busca un poco de oscuridad, maldad y crueldad en una sala de cine, con más de una escena algo desagradable, puede ir a ver La primera profecía pero que no espere demasiado.

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"Las cosas sencillas", como su propio nombre indica, es una de esas comedias ligeras para pasar el rato. No trasciende audiovisualmente hablando, pero deja un hilo de mensajes vitales mientras le saca al espectador alguna que otra sonrisa.

Éric Besnard ejecuta una realización somera y, por momentos, plana. Así pues, la historia encuentra su fuerte en la dulzura de sus personajes a medida que evolucionan y se reencuentran. Estos cambios individuales permiten hablar sobre el equilibrio entre el trabajo y la felicidad, la importancia de relativizar las cosas irrelevantes y la satisfacción de desconectar para volver a conectar con uno mismo.

Sin embargo, "Las cosas sencillas" es sobre todo una película que, aunque subrayada y previsible, ensalza el poder de la amistad y la posibilidad de que esta surja en los lugares más inesperados. Vincent y Pierre parten como dos completos extraños para, poco a poco, entre livianas conversaciones comenzar a entablar un afectuoso vínculo y salvar sus diferencias.

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"Milli Vanilli: girl you know it’s true" es un biopic que no solo hace un seguimiento de los sucesos en la vida de sus protagonistas sino que, desde el inicio, les entrega la voz narrativa. Ya en la primera escena, el espectador se adentra en una especie de habitación lujosa donde Rob y Fab, integrantes del dúo, rompen la cuarta pared y hablan directamente a cámara. Ellos cogen las riendas de su propia historia.

El guion de la película sigue una estructura muy sencilla de mera presentación de los hechos. El foco central reside en la configuración de este dúo musical como un producto destinado al éxito, manipulados para ser aquello que se esperaba de ellos y saciar aspiraciones individuales de productores y representantes a su alrededor. Así pues, se muestra la constante lucha de los protagonistas para “convertir el espejismo en realidad”, mientras que su entorno solo aboga por mantener “las ilusiones del negocio”, la imagen que vende.

Con ritmo ágil, el largometraje avanza gracias a varias elipsis que permiten exponer las distintas realidades de la polémica que rodeó a los Milli Vanilli. Esos saltos temporales, que llevan a momentos cruciales del sonado caso, permiten considerar otros temas que dimensionan a los personajes: las infancias difíciles, la necesidad de un reconocimiento familiar, la pobreza, la falta de oportunidades y, cómo no, el precio de la fama.

Por último, "Milli Vanilli: girl you know it’s true" acaba con un tercer acto ligeramente estirado. El cierre abandona el frenetismo precedente para caer en el puro drama. Se trata de un tiempo que incluye ideas interesantes sobre las que, desgraciadamente, tan solo se pasa de puntillas. Al final, en este film lo importante es lo que se cuenta y no cómo se cuenta. Y, sobre todo, está pensado para captar a quienes quizás no conozcan aún este escándalo musical de los ochenta.

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Recientemente, el relato de "La bestia en la jungla" de Henry James fue adaptado por otro francés, Patric Chiha, en un film homónimo. Ahora, Bertrand Bonello presenta su propio enfoque en "La bestia (The beast)". Si bien esta es igual de desconcertante, sí que propone cuestiones temáticas y formales mucho más interesantes.

Desde la primera escena, con Léa Seydoux actuando en una sala de croma, se plantea el contexto artificial, de vacuidad y falsedad que rodea al film. El enfrentamiento a la bestia propone una confrontación entre la propia alienación y la realidad.

El futuro próximo que recrea "La bestia (The beast)", donde los humanos se despojan de cualquier sentimiento o fragilidad, parece una atrocidad. No obstante, no se aleja mucho del camino que vamos trazando actualmente donde la productividad parece primar por encima de todo. Así pues, es curioso ver cómo el elemento de los muñecos, aparentemente circunstancial, cobra especial relevancia y significación. Los seres humanos convertidos en “juguetes" han perdido su humanidad.

Como una memoria en constante reseteo, el largometraje de Bonello se configura a modo de melodrama a través de distintas épocas y vivencias. En ellas el sentimiento se mantiene a flor de piel y la conexión entre los dos protagonistas, Gabrielle y Louis, parece construida para perdurar en cualquier vida.

A pesar de su confusión, la crítica que subyace en la amenaza de una sociedad deshumanizada y fundada en el fingimiento es más actual e importante que nunca. Esa amenaza es la bestia que da título a la película y contra la que surge una pregunta: ¿puede el sentimiento sincero ser un arma de combate contra ella?

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