La figura de Trenker es más valorada desde el punto de vista deportivo que cinematográfico, pese a haber desarrollada en esta última faceta múltiples y longevas facetas, que van desde compositor musical hasta productor, guionista, director y actor, desde 1921 en que se produjo su encuentro con Arnold Frank hasta principios de los 70 donde en alguna serie de televisión aun se le puede ver como actor. Sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial, como soldado destinado en los Alpes dolomitas, línea de frente en la confrontación entre austriacos e italianos, así como las de escalador avezado y campeón de esquí, se plasmaron primero en una novela, y después en esta producción que recoge precisamente el conflicto bélico vivido en esa zona, entonces austriaca, luego italiana. Dada la bisoñez de Trenker en aquél momento en la dirección de ficciones, se buscó un aliado en el entonces también casi debutante, Karl Hartl (autor de la posterior y muy reivindicable Oro) para que la ayudare en las soluciones dramáticas vividas por los soldados desplazados en aquélla fortaleza natural . Conjuntamente logran un film que todavía sorprende por la ferocidad de algunas escenas, que recuerda a la previa Sin novedad en el frente, pero sobre todo por las espectaculares tomas en exteriores de los paisajes en que transcurre una acción, en ocasiones trepidante.

Cuando Suzuki abordaba el rodaje de esta película llevaba ocho años de carrera y ya había dirigido 30 films, algunos de ellos de los más notables dentro del género negro, cualquiera de las variantes niponas que elijamos. Ese mismo año realizaría otros dos films. Sirva solo ello para demostrar tanto la agilidad como la versatilidad del cineasta japonés, pues no le hizo ascos a ningún genero. Ninguna de las tres películas que rodó este año puede adscribirse al mismo. Hana To Dato, es un filme de aventuras, en cierto modo un chambara, aunque no uno convencional. Suzuki y convencional no son términos que corran parejos, por más que en alguna ocasión el director se dejare vencer por argumentos manidos. Encontramos todos los elementos de un film de aventuras tradicionales: luchas, traiciones, romance, poder... pero nos movemos en un terreno resbaladizo pues los personajes principales no se van a comportar del modo que esperamos. Un chambara que deleitará a los amantes del género por lo que de peculiar tiene, al que hay que añadir el buen uso del color como recurso dramático que Suzuki utiliza

La obra fílmica de Nick Parsons se circunscribe a este solitario largo dentro de un conjunto de trabajos para televisión y algún que otro cortometraje en un lapso de tiempo de treinta años, donde principalmente se dedicó a la escritura. Precisamente no es el desarrollo de la narración, por más que sea más que correcta, lo que llama la atención en esta sensual y telúrica película, sino como su puesta en imágenes la potencia. Lo cual hace aun más sorprendente que su autor no repitiera, al margen de un episodio para televisión en la serie de 2006 Two twisted. Buena parte del film se desarrolla en la mixtura entre la tradición y la modernidad, lo fantástico y la realidad social, entre lo que vemos y lo que percibimos. La convivencia que se desarrolla en esa apartada aldea no deja de ser un microcosmos de difícil equilibrio que pese a su apariencia no encubre sino una nueva forma de colonización. De la resistencia a esa injerencia de la que emanaran todos los conflictos (religiosos, sociales, sentimentales, políticos, informativos) se escapan los dos personajes principales, en lo que no es sino un espejismo o autoengaño, que intentan como pueden poner orden en el caos. Película de singular belleza con un magnífico uso de los elementos naturales como el agua, o el viento, la película alcanza su climax en un paradisiaco paisaje donde premonición y realidad se conjugan. Quienes disfrutaron de los primeros trabajos de Peter Weir como Picnic en Hanging Rock o La última ola, en esta película podrán encontrar otro jalón imprescindible para conocer la influencia del fantástico en el cine australiano y degustar uno de los films más sugerentes de los años 90

Actualmente el nombre de Henri Fescourt poco dirá incluso a los cinéfilos más impenitentes. Tampoco ayudará su relativo pronto abandono de la creación cinematográfica, producida durante la ocupación alemana de Francia. Sin embargo este antiguo colaborador de Louis Feuillade, nacido en Beziers allá por 1880, es el responsable de dos de los mejores films rodadas en el periodo mudo en el país vecino. El que ahora nos ocupa es uno de ellos. El otro, igualmente dividido en dos partes es Monte Cristo (1929).
La adaptación de la obra de Hugo es prolija en aciertos visuales que ayudan a la asimilación del continuo devenir de acontecimientos que transcurren en pantalla. Bien interpretada por Gabriel Gabrio (el futuro Cesar Borgia del film de Abel Gance sobre la meritada familia) la película sorprende por la fuerza de sus imágenes y la integración del paisaje, sea rural o urbano con los personajes, resultando un magnífico antecedente de la que para mí es la mejor adaptación de la obra de Hugo, la hecha por Raymond Bernard en 1934. Una buena oportunidad para conocer los orígenes del cine galo, a través de la adaptación de una de las novelas más veces llevadas a la pantalla, que sorprenderá a más de uno.

Debería hacer un estudio realmente concienzudo de porqué todas las películas que me gustan de Christian-JAque, algunas de ellas que incluso puedo catalogar de excelentes como la que nos ocupa, están datadas en el periodo comprendido entre los años 1938 y 1949, cuando ello sólo supone un tercio de su carrera. Nada de su cine me interesa posteriormente a esta fecha, si bien cabe exponer a su favor que en ocasiones al menos le acompañó el éxito comercial de la propuesta.
Un revenant se ve favorecida inicialmente de la participación de para mí, uno de los mejores interpretes del cine francés de todos los tiempos, Louis Jouvet, y de uno de sus mejores guionistas, Jacques Prevert. Ambos perfilan uno de los personajes más complejos del cine de Christian Jaque. Un hombre que vuelve tras veinte años a su ciudad natal y que el destino le da la oportunidad de realizar una venganza folletinesca a un previo episodio de su vida no menos folletinesco.
Christian-Jaque se deja seducir por el texto, por la magia de la representación, tanto dentro del escenario del teatro como fuera de él, por la seducción que ejerce el personaje principal, por la pobreza espiritual de los burgueses de provincias rivales, y nos regala su mejor obra, conjuntamente con El prisionero de Parma. Juego de apariencias y manipulación de acontecimientos, la trama avanza con inusitada fluidez acompañando unos diálogos maestros, a veces hirientes otras veces surrealistas, pero siempre dotados de un profundo humanismo. Poco importa el resultado final vindicado, y más allá del juego de piezas dispuesto, es el tiempo y la imposibilidad de su recuperación, lo que de verdad acongoja a los personajes que transitan en esta historia.
Película a disfrutar como otras del periodo reseñado de su autor, tales como Bola de sebo, Los desaparecidos de Saint Agil, Sortilegios o El prisionero de Parma.