Película angustiosa y maravillosa, un auténtico descenso al valle de las sombras. Realizada en 1947, pero, como se ha dicho aquí, dotada de una ambientación más propia del cine mudo. La música, en algunos momentos, parece comerse los diálogos. El "Adiós, mariquita linda", que se deja escuchar en algunos momentos de la película, es el toque dulce y triste que suaviza la tensión del filme.
Dijo John Ford que “el cine es Henry Fonda andando”. En esta película se demuestra. Fonda llena la pantalla, absorbe toda la atención sin sobreactuar, sólo andando y reflejando en su rostro la imagen perfecta de la soledad y la angustia.
El personaje interpretado por Pedro Armendáriz es siniestro y fantasmal, directamente salido de las sombras; acecha en cada esquina, irrumpe en escena con la sorpresa de los espectros, y hace crecer el nivel de angustia con cada plano de su sucio y sudoroso rostro. Armendáriz está francamente magnífico, en lo mejor de su carrera.
¿Por qué dejo la nota en un 7, después de estas consideraciones? Porque la película ha envejecido mucho. La temática y la ambientación se ven ahora muy muy lejanas. A esta película le falta el toque de intemporalidad de otras cintas de los años 40, que han resistido mucho mejor el paso del tiempo. Pero, aparte de eso, es una obra maravillosa.

Cuando apenas llevas quince minutos del película, te encuentras con una escena de ésas que te cortan el aliento: el instante en que las tres hermanas, ya subidas al vagón de tren, invitan a la pequeña a ir a vivir con ellas es sobrecogedor. La niña da un paso adelante, parece que fuera a subir al tren en ese mismo momento, mientras dice: «iré». A partir de entonces, sabes que estás ante una gran película de un gran director.

La personalidad de la hermana mayor es tan marcada, tan madura y tan hermosa a la vez, que lo llena todo. Tiene rostro de joven y ojos de anciana, es impresionante. Ha hecho de madre antes de tiempo, ha criado a sus hermanas y se ha convertido en el alma de esa casa vieja, que sin ella –sus hermanas, en el fondo, lo presienten– sería un ataúd. El drama de su vida es que también ella ama a un hombre casado, como lo amó la mujer que rompió su familia. Pero, paradójicamente, esa debilidad la salva, porque la vuelve comprensiva. Sin esa flaqueza, habríamos tenido a una mujer intransigente e incapaz de perdonar. Toda una lección de humanidad.

La impronta de las estaciones en la película, marcada por los cerezos en flor, es la forma en que el inexorable paso del tiempo se vuelve hermoso. Y es que, en «Nuestra hermana pequeña», la fealdad es un tabú. Por el mismo motivo por el que las hermanas se niegan a ver los pies sin dedos del alpinista, hasta la muerte se vuelve hermosa en unos funerales que son pura armonía. Cuando uno de los personajes enferma gravemente, se omite pudorosamente tanto su estancia en el hospital como su fallecimiento. Pasamos al funeral y a los comentarios sobre una fotografía hermosa.

Un dato más respecto al paso de las estaciones: esa mañana invernal en que las hermanas comentan el frío que hace, sin necesidad de escenas con nieve o hielo, te hace sentir el frío como si estuvieras allí. Impresionante.

La música es una maravilla. No vas a tararearla al terminar la película; es imposible. Pero se queda dentro.

«No es fácil hablar con mis hermanas… sobre mi padre». Es el motivo que mueve toda la película. Estás esperando a que esa conversación, que una y otra vez se elude, tenga lugar por fin. Y, cuando eso sucede, no sucede de forma abrupta, sino, como todo lo que sucede en la película, de forma suave y natural.

Los retratos de las calles son maravillosos. Alguien ha comentado aquí, con razón, que acabarás deseando visitar Kamakura.

Por último, las demostraciones de afecto entre las hermanas se transmiten constantemente a través de los ojos. Prácticamente, no se tocan. Cuando, finalmente, tiene lugar un abrazo, estás en el clímax de la película. Y todo sucede con una suavidad y una finura magistrales.

Resumen, en una palabra, de «Nuestra hermana pequeña»: belleza. Nos hace falta.

Kris Kristofferson había hecho películas mejores, aún sin cantar, como "Lone Star". "Lazos de sangre" es una película triste, deprimida y deprimente, sin más sustancia que la frase evangélica que se recita en los últimos quince minutos de la cinta: "No puede un árbol malo dar frutos buenos", y la esperanza de un retoño que quema sus raíces para empezar de nuevo.

La voz del Kristofferson está apagada, desvaída y mortecina, muy a tono con el clima de la película. Ya no es gran Kris del álbum "Repossesed".

Como dato curioso, el personaje interpretado por Dwight Yoakham, que parece dar vida a su canción "She wore red dresses". Lástima que no estuviera Flaco Jiménez para sazonar la escena con unos toques de acordeón.

No la recomiendo a nadie que no sea mínimamente aficionado a la música Country. Y, aún a ésos, se la recomendaría como mera curiosidad a olvidar después de haberla visto. Es lo que pienso hacer yo.

Podría haber sido, a mi entender, una pelicula "de culto", junto con "El golpe", a la hora de hablar de películas de juego... Pero desluce la historia que transcurre en el plano secundario: el chantaje, la clásica "mujer fatal" de los 60 (prefería las de los 40, francamente) que es más fulana que otra cosa, toda esa disquisición sobre el honor y la vida, la repetición hasta el cansancio de la misma canción (no muy buena)... Bajo mi punto de vista, todo eso se ha quedado "viejo", y permanecen, sin embargo, la intepretación del trío de protagonistas y la tensión de la partida como los grandes valores de esta película. Una lástima, repito, que no haya resultado bien aderezada.

En "Humillados y ofendidos", Dostoievsky trata esa extraña costumbre que tenemos los humanos de hurgar en nuestras llagas hasta que las convertimos en úlceras para, seguidamente -esto ya es cosecha mía, porque hace mucho tiempo que leí "Humillados y ofendidos"- hacer de ellas pozos en los que nos encerramos y nos aislamos del mundo, sin querer mirar más que nuestro propio dolor. Es cierto, el sufrimiento, como no vayamos con cuidado, nos vuelve terriblemente egoístas.

La película narra la historia de un perfecto egoísta; un hombre que sufre, y que es incapaz de mirar el dolor ajeno; que puede llegar hasta el límite de utilizar a los seres que lo aman para lograr el propósito de autodestruirse, y que no quiere entender - varias veces se lo dicen durante la película - que nuestras vidas no son nuestras, sino de aquellos a quienes le importamos. No somos islas; nuestra existencia transcurre entre vínculos valiosos que nos unen a los seres queridos, y nadie atenta contra la propia vida sin atentar contra la de los demás. El cariño hace que no nos pertenezcamos a nosotros mismos, y que nos convirtamos -aunque a veces cueste entenderlo- en un regalo para quienes nos aman. Visto así, disponer de la propia vida prescindiendo de esas personas no deja de constituir un robo bastante cruel. Y es que el protagonista de "Against the current" es un ser cruel, capaz de entablar incluso una relación amorosa sabiendo que va a truncarla poco después y a provocar una sangría en corazón ajeno, sin que parezca importarle lo más mínimo.

Vale. Ya sé que esto no es una crítica de la película, sino de su contenido… Pero me apetecía decirlo.