Ténicamente es una obra de arte pero desde el sitio de algo bello por lo bello para contemplar. Es un deleite visual del tipo de una foto de un modelo resaltando sus atributos mas agraciados: es completamente superficial.

1917 se hace cada vez mas grande audiovisualmente cuando mas chico se vuelve narrativa y dramáticamente. El plano secuencia que sugiere un estado de realidad "en vivo" y de urgencia, de que no hay cortes que ayuden al espectador a creer que puede saltearse cierto tiempo y que las cosas se acomoden, funciona. De hecho solo existe una elipsis cuando el protagonista queda inconsciente en un momento. Luego existe la sensación de que cada segundo que pasa de visionado, es un segundo menos para los protagonistas en su desesperada búsqueda por llegar al objetivo. Objetivo que se sostiene en una idea basiquisima, casi de misión secundaria de un videojuego: ir del punto A al punto B, para en este caso, dar un aviso antes que sea tarde. No mucho mas. El viaje exterior no se traslada a un viaje interior, por mas que la película por momentos nos quiera hacer creer que un reencuentro entre hermanos, una visión pesimista sobre la guerra y toda su parafernalia, completar un mensaje de un amigo, un vínculo de esos que da la guerra, sean lo suficiente como para conmovernos. No me pasó. Me siento muy ajeno a los protagonistas en todo momento. No me estremece el riesgo al que se someten, solo en momentos donde la construcción visual y sonora me lo provocan pero ahí tengo que agradecer el gesto técnico de generar esos actos casi reflejos en mi cuerpo. No me emociona nada de lo que cuentan. Me costó entrar en su historia, porque me cuentan muy poco. No sé bien que buscan, que tienen para perder y que piensan sobre su estado actual. Capaz no era el fin y lo respeto pero eso al menos a mi, me hizo desencantarme de ciertas escenas "emotivas".

Otro escenario que casi no se me presentó y que vi desaprovechado en ocasiones es el de la administración de la información y a que tiempo la iban descubriendo los protagonistas en relación al espectador. Casi siempre nos enterábamos de las cosas al mismo tiempo. La aparición de un lugar, de unas avionetas e incluso de un enemigo. Si existen y es por instantes casi imperceptibles, los momentos donde los personajes descubren antes que nosotros o a la inversa, escasean. No hay posibilidad de que en un escenario tan hostil podamos advertir una amenaza lo suficientemente antes que los protagonistas como para generar alguna emoción de desesperación o temor o inquietud. Lo mismo al revés, nunca nos ocurre que el personaje sabe algo antes que nosotros y solo contemos con su reacción como para cargarnos de incertidumbre, miedo o sorpresa que pudiese construir cosas interesantes. Desde ese lugar, en lo personal siento que se desaprovecha el contexto.

La historia tiene un desarrollo muy básico, por momentos oportunista. El personaje si bien acciona, se ve envuelto en situaciones donde roza lo suertudo como para traccionar momentos que por su cuenta no hubiese podido llevar a cabo: por ejemplo cuando después de la situación de las avionetas tiene que retomar un camino completamente abierto e incierto en distancia y justo aparece un pelotón que lo acerca con una camioneta. Viendo lo ocurrido después en la película tomamos noción de que sin esa ayuda su tarea era casi imposible. Ojo, capaz me podrán refutar diciendo que se tiempo ganado ahí lo pierde en aquel momento que queda inconsciente por unas horas, pero está raro como se presenta. Pero bueno. La historia con la francesa escondida, los alemanes rezagados en las ruinas, como que no me dicen nada aunque lo intenten. Después uno parece creer, al menos a mi me pasa, que terminan siendo excusas para hacer gala de un virtuosismo y una espectacularidad de los movimientos de cámara, los encuadres y el trabajo de luces y sombras. Uno suspende su mente y solo se deja maravillar por imágenes y sonidos pero que al volver sobre ellos con un ojo un poquito mas quisquilloso, como que no le encuentra mucho trasfondo.

Las historias mas pequeñas muchas veces son las que mejor hablan de los temas mas grandes.

Recién termino de ver el último episodio de la primera temporada de esta dichosa serie y su última imagen, sobre la que volveré al final de esta review, se va a quedar conmigo varios días.

La premisa es concisa, contundente e interesante desde el vamos: Un cocinero de primerísimo nivel se ve obligado a ocuparse de una sandwichería que pertenecía a su hermano recientemente fallecido para tratar de salvar el negocio. Un regreso a las bases de un tipo que estaba en la cima de su carrera. Esa vuelta, ese "retroceso" profesional y en el tiempo no son gratuitos: su vida profesional y personal se ven obligadas a convivir en la cotidianeidad de un trabajo que se le presenta mas desafiante de lo que parece. Lo curioso acá es que esta mezcla de mundos que aparentemente transcurrían separados, en su génesis guardan una unión muy fuerte y es lo que le da corazón a la serie y un motor impresionante al andar del protagonista.

Argumentalmente si bien reúne las condiciones de un dramedy casi a lo Atlanta, por citar un caso reciente que guarde cierta relación esquemática: Un hilo principal que se diversifica sin perder esa línea. Comedia y drama jugando al ping pong con la narración y volviendo todo lo que sucede demasiado realista: porque a la vida se llega mezclando esas cosas. Carmen es un protagonista muy interesante y reúne una característica principal que se le parece a la de muchos pero tiene un sabor especial: es un tipo con un temple notable, alguien experto en lo que hace pero mas aún, alguien que utiliza métodos particulares para transmitir su conocimiento e ideas. Su firmeza sin dejar de ser sensible consigue algo muy interesante tanto en los demás personajes como en el espectador: rabia y admiración. Tampoco es de esos tipos de "lo amás o lo odias" creo que es un poco mas profundo que eso. Son de esos tipos que al final del día admirás profundamente y a pesar de sus defectos (como todos), es con quien elegís seguir caminando. Todo a su alrededor se potencia, aunque Carmen pase toda la serie lidiando con una inseguridad e insatisfacción que no solo se traduce en un estrés postraumático a causa de lo ocurrido con su hermano, sino que apunta a algo mas.

Los personajes que lo rodean, por favor.

Sydney es esa mujer desesperada por un sueño e incansable para conseguirlo pero su ansiedad muchas veces la apresuran a tener que obtener resultados y en su frustración no les da tiempo a que ocurran, como cuando no admite que su propuesta de plato aún no está lista. Y no por qué este mal, sino porque no es el momento. A su vez, es quizás el personaje que mejor se complementa con Carmen y el que quizás mejor lo entienda. Al igual que él, ella ve en "Beef" la oportunidad de éxito que tanto desea en su vida.

Richie es la antítesis necesaria a estos 2 personajes. Un tipo que aunque el negocio se venga a pique, nunca va a admitir que el problema son las formas de encararlo. Un tipo terco y que muere con la suya. Lo interesante del personaje es que uno cree mal que en los primeros 2 episodios se ve todo el diamante y hasta puede, si no es paciente, correr a encasillarlo. El llamado de su hija nos abre la persiana de un tipo que también está transitando un duelo y que lo agarra, a diferencia de Carmen y con mas urgencias que Sydney, en un muy mal momento. Un tipo enojado con la vida, al mismo tiempo que cansado de ella. No sabe como decir las cosas y siempre elige el peor camino. Tiende a equivocarse y su sentimiento de inutilidad lo acecha tanto que es suficiente con que alguien se lo diga (como sucede) para hacerlo explotar. Un personaje que crece en las sombras de los 2 anteriores pero que en el final de la serie entendemos que se parece mas de lo que uno cree a Carmen. A ambos les duele lo que pasó con Michael, a ambos les duele que el restaurant, último vestigio que lo mantiene vivo, se vaya también. Solo que la historia no la contamos desde su enfoque pero créanme que si así fuera, la serie no sería tan diferente a la que termino siendo.

Marcus es quizás uno de mis personajes preferidos. Un tipo que se presenta como un secundario obsecuente en la cocina, va ganando terreno gracias a un elemento precioso y poco trabajado en series que es el del personaje que no sabe pero quiere saber. En su humildad y en silencio admira a Carmen y lo usa como modelo. Él también se potencia a niveles que quizás el nunca imaginó.

El resto de los personajes en mayor o menor medida corren una suerte parecida. Tina, al igual que Richie es reacia a estos nuevos cambios pero ciertas demostraciones la hacen cambiar lentamente opinión.

The Bear es una serie que habla poco y hace mucho, ahí es donde dice lo que quiere decir. La conexión con la cocina es emocional. Muchas de las tramas avanzan literalmente, gracias a un plato. Una receta que es escuchada, un plato que es probado, una recomendación e incluso un recuerdo. Las emociones viajan con la comida y si prestamos atención es donde los personajes realmente sufren, lloran, respetan y en algún punto, aman. Los personajes rara vez lloran, rara vez se demuestran de manera directa afecto o admiración. Lo hacen cocinando. Lo único que expresan es enojo, emoción con la cual es imposible lograr esos platos brillantes que consiguen. Emoción que genera el cortocircuito que Carmen intenta solucionar.

The Bear es un dramedia de personajes conflictuados con una realidad que los hace sentir estancados y esta nueva posibilidad del restaurant es la que los invita a creer que se puede aspirar a algo mas que lo que creían cotidiano, casi sentenciado.

La banda sonora es notable. Se respira y se oye Chicago. En los temas elegidos también vibran lo que los personajes no se animan a decir. En lo visual, salvo algunos primerísimos planos impresionantes, no hay grandes hallazgos. Sigo en spoiler.

“La Cordillera” es un Thriller político contundente pero a la vez poco complaciente con el espectador, al que le exige de principio a fin y un poco más alla, el ejercicio mental de unir el rompecabezas que se construye a lo largo de esta película.

Una historia sencilla que con el correr de los minutos y la aparición de diversas tramas asume una complejidad que enriquece de sobremanera el relato. Por un lado, la principal que se rige por una cumbre internacional en Chile para discutir un nuevo plan energético en la región. Por el otro, la que involucra a la hija del protagonista (Ricardo Darín encarnando a Hernán Blanco, como el presidente argentino) y un pasado que vino a ajustar cuentas con el presente.

Ricardo Darín está muy bien, pero brilla aún más cuando se mezcla con los demás personajes que se complementan a la perfección y a la vez tienen luz propia. La escena inicial utilizando la “pluma” y la “voz” de los medios para definir al personaje y su situación actual, nos da un panorama clave para el entendimiento de lo que está en juego en esta cumbre y las motivaciones que tienen los distintos personajes. Hernán Blanco parece ser un personaje tan puro como su apellido, pero a medida que transcurren los minutos se nos vuelve lo suficientemente enigmático como para darnos cuenta que no es lo que aparenta ser, no solamente frente a la exposición pública sino también entre sus colegas.

Esto lo podemos ver a través del personaje que encarna Erica Rivas, su mano derecha, quién al principio parece conocerlo más de lo que se conoce él mismo y hacia el final padece el mismo desconcierto que el espectador. Se complementa muy bien esta transformación con su forma de vestir: al principio viste sumamente formal y estructurada, como quién tiene hasta el mínimo detalle bajo control. Al final lo hace de una forma más casual y ligeramente desarreglada, otorgándole esa perdida del orden que tenía en relación a su labor como la “secretaria” del presidente.
Otro personaje que lo acompaña es el de Gerardo Romano, quién responde a las expectativas que uno puede llegar a tener acerca de un Jefe de Gabinete. Al igual que Erica Rivas, le está encima al presidente pero de una forma distinta: no está ahí para recordarle lo que se le olvida sino para aconsejarlo en la toma de decisiones. Consigue manipularlo a su manera en gran parte la película, e incluso llegamos a pensar que es él quien va a tomar las determinaciones que no se atreve el protagonista, pero no es así. A partir del encuentro de Darín con el representante Estadounidense, magistralmente interpretado por Christian Slater, se nos muestra como su poder sobre él se desvanece completamente. Esto nos lleva a preguntar si alguna vez lo tuvo o simplemente el presidente se lo hizo creer mientras le fuera funcional.

En otro lugar también está su hija Marina (interpretada por Dolores Fonzi), con quién se desarrolla un vínculo algo perverso, donde no sabemos con certeza si las consecuencias del desorden psicológico que ella tiene son ciertas, o él lo utiliza para manejar la verdad a su gusto. Verdad, mentira y especulación son las armas que ejecutan el destino de nuestros personajes. Un juego sumamente estrategico no solo en el ámbito público y político, sino en el privado y familiar. Entre él y su equipo, los demás representantes y su propia familia. Esta división que busca establecer, lo convierte en su propia cordillera. Esa que separa su intimidad y sus secretos de los demás.

La intervención por partida doble de una periodista española, le saca aún más jugo al personaje de Darín. Durante la segunda parte de la entrevista en donde le pregunta acerca del bien y el mal, da lugar a una anécdota por parte del presidente argentino altamente metafórica, a diferencia de su par brasileño, que dice odiarlas en una entrevista con la misma periodista. Esta diferencia que trazan desde algo tan simple, de alguna forma sirve para entender lo distintos que son estos 2 personajes, a pesar de que en gran parte de la película se insinua ubicarlos del mismo lado.

Esta anécdota en cuestión, habla acerca de su primer encuentro con los conceptos del diablo y el infierno a partir de un sueño que tuvo, que se conecta magistralmente con el momento previo a su encuentro con el representante Estadounidense que fue enviado hasta Chile para interceder en este plan que se está desarrollando. “Nadie llega hasta acá sin haber visto el mal un par de veces al menos” y “Me lo he vuelto a encontrar algunas veces” referido a ese diablo con el que soñó, recita Darín interpelando directamente al espectador, anticipandole lo que se avecina y dotando de un nuevo significado al encuentro clandestino que va a realizar. Pero no solo a partir de lo que dice y simboliza se hace alusión a su encuentro con el “diablo”, sino también a partir del espacio, otro personaje fundamental de la historia. Toda esta cumbre transcurre literalmente entre las que conforman la cordillera y los 4000 mts no son más que una alegoría del poder de quienes asisten a esta cumbre, a los cuales su condición de clase los ubica “más cerca del cielo”, sumado a los asuntos de “alta” importancia que ponen en discusión.

Sigo en la zona spoiler que llegué al límite de caracteres.

Prisoners (Llamarla por su traducción "La Sospecha" le quita el verdadero peso a lo que su título quiere transmitir) es una de las joyitas que nos regaló uno de los directores más relevantes de la década pasada: Denis Villeneuve (Arrival, Blade Runner 2049, Sicario, Incendies, Enemy).

Con toques que recuerdan mucho a David Fincher, vuelve interesante una premisa simple y repetida en donde se disparan un montón de temas: la religión, la moral, la familia, la ausencia y la libertad. Insisto con llamar a esta película por su verdadero nombre, ya que ahí está el silbato rojo que nos activa las ideas que pone en juego el film: todos somos prisioneros de alguna manera. En algunos casos ese carácter es literal (las niñas desaparecidas, el principal sospechoso por partida doble, el hombre que captura el cura) o en otros se vuelve más simbólico y/o espiritual: una mujer prisionera de una pérdida que le hará cuestionarse hasta su propia fe, un policía como prisionero de sus actos impulsivos, que muchas veces lo llevan a cometer errores irreversibles. Un padre de familia preso de su desesperación, llegando a cruzar límites morales en sus acciones. Hasta me puedo permitir jugar con la idea planteada desde la definición: algo que coarta tu libertad. Padres que no te dejan salir sin supervisión, familias que no pueden seguir adelante por el dolor, religiones que te delimitan el camino. También esta idea de prisión como laberinto: un espacio que posee una salida pero uno tiene que ganársela para no permanecer en el encierro.

Cada pieza juega un papel en su debido momento: una nota, una media, un objeto, historias alternativas que luego cobran importancia (la mujer que solo conservaba un video de su hijo desaparecido hace más de 20 años, que resulta ser Alex. El cura que conserva un cadáver en su sótano, que resulta ser el marido y cómplice de la señora que secuestraba niños.) hasta incluso planos en donde nosotros sabemos algo que los demás no y en un principio parecen complementar una idea luego reforzada, pero resultan ser elementos que posibilitan un giro. Me refiero a las 2 escenas del joven que se inmiscuye en las casas de las familias, en la que quizás, uno piensa que va en busca de algo más para sus prisioneras (suponiendo que pudiera ser el secuestrador) y termina siendo la llave para reflotar el caso en un momento donde se daba por muertas a las niñas, a partir de una nota que había hecho el policía cuando fue avisado de esa intromisión en una de las casas.

La película sorprende pero no lo hace por novedosa o dando algún giro inesperado, sino por el impacto emocional que genera en muchas de las escenas que construye. En términos narrativos y dramáticos, uno espera lo mejor y al mismo tiempo lo peor. Uno esta preparado, al igual que el protagonista, ante estas eventualidades. Pero hay cosas que inevitablemente uno no puede prever por más que te abastezcas con todo lo necesario o compres un silbato de alarma o reces 20 padres nuestros.

Continúo en spoiler.

Voy a ser directo con quien me lee este momento: A esta rareza llegué por Jenna Fischer. De otra manera creo que nunca lo hubiese hecho, mucho menos molestado en buscarla por aguas pantanosas donde existen los torrents y demás criaturas que habitan en el vasto océano de internet.

Y acá estoy, frente a un ejercicio que desenmascara una de las hipocresías más morbosas: la de la caridad y sus delicados límites que separan la autentica filantropía y el ser un benefactor como imagen para las cámaras, haciendo un negocio con ello. Para ser más preciso voy a citar a la película misma: Una pareja de personas ricas (Jenna y James) no sabe en que ocupar su tiempo y deciden realizar una causa para ayudar a los homeless regalandole chupetines con envoltorios especiales en los cuales van a tener el motivo de trabajos artísticos de James. El chiste se cuenta solo. Como para añadirle actos a la broma, buscan una inversión millonaria que podría funcionar con algo más productivo e incluso es desproporcionada para la diminutez de su propuesta. Otra instantánea: Cuando venden la idea usando todos los estereotipos y prejuicios habidos y por haber, que ellos refuerzan en su intento de abolirlos. La frutilla del postre es cuando al momento de la verdad, cuando se va a realizar el acto que vienen prometiendo toda la película, es cuando realmente los vemos actuar genuinamente de una manera completamente esperada pero que los personajes nos venían escondiendo durante toda la película. Si por momentos alguno de los personajes (en especial James) te hizo acordar a Michael Scott, es porque vas entendiendo por donde van los tiros.

Pero bien, que hasta acá parecen todas buenas y la realidad es que la peli es bastante equilibrada en sus aciertos y errores.

No comenté que esto es un Mockumentary (Falso documental), al mejor estilo The Office. Aunque por momentos se use más por lo técnico que por lo narrativo. Escenas donde la cámara se mete tan adentro de sus vidas que hay situaciones que rozan lo inversomil. ¿En serio no se dan cuenta o no reaccionan que la cámara está ahí? ¿O en que momento se da a entender que lo permitieron? No es un espacio público como puede ser una oficina, es la privacidad de su casa. Planos extraños desde el suelo (si hay parte del metraje que supuestamente grabaron ellos mismos, no se especifica. Como la cámara en el piso cuando James va a recibir una pizzas) o momentos que no son del todo claros, como cuando los filman durmiendo o en la reunión con el empresario, o cuando se reunen con otra pareja famosa o cuando aparece esa Michelle o en un altercado que tienen con un homeless que parece padecer ezquizofrenia, de los que recuerdo en este momento. La cámara parece invisible, personajes que ni se inmutan ante su presencia y espacios donde parece estar ubicada la cámara que es raro que pueda moverse con la libertad como para conseguir los planos que le sean funcionales para la escena. Lo curioso es que al principio hay como un respeto por esa cámara que se inmiscuye en momentos que no debería estar grabando, pero después parece que se lo olvidan. Incluso cuando las situaciones dan pie a jugar con quien sostiene la cámara, como por ejemplo cuando Jenna lo deja a pata a James luego de una discusión y el no tiene dinero para volverse. ¿No le podía pedir al cameraman que supuestamente estaba ahí? Hasta pudieron haber metido un divertido gag en ese momento. A medida que se aparecían estos casos se me caía la magia que envuelve a los falsos documentales y empecé a ser más incisivo y menos tolerante a los detalles de como lo utilizaban narrativamente, lo cual hizo que se me terminara cayendo media película.

Más allá de eso, la película propone un mensaje interesante con un humor que gravita por los terrenos de las 2 grandes versiones de una de los mejores series jamas creadas, pero falla mucho en el tipo de película que quiere ser. Los personajes están muy bien construidos al punto de que si me dicen que a James Gunn lo concibieron partiendo desde una de las últimas frases que tira (El Holocausto existió para que Spielberg ganara un Oscar), compro totalmente. Es interesante ver todo el recorrido que hacen y llegar al punto final con 2 personajes que parecen estar en el mismo lugar que al inicio. En de definitiva, todo esto resultó ser un capricho más que un emprendimiento como lo quisieron hacer creer y eso habla muchísimo de los personajes.

En conclusión, se nota que es un primer trabajo y se ve reflejada la dificultad de dirigir y actuar en la misma película, que la propia Jenna expresó alguna vez. Interesante para ver una de las influencias directas de The Office UK y uno de los germenes del tono que hicieron posible The Office US. Fuera de eso, es una película de la que podés prescindir completamente, que no te vas a quedar afuera de ninguna conversación. A lo sumo funciona como dato de color llegado el caso.

Jenna, te perdono por esta peli. Porque sos vos y por haber creado a uno de los personajes que más me enamoraron frente a la pantalla, Pam Beesley. Creo si me lo pedías, yo hubiese invertido en Lollilove.