Cuando todo parecía indicar que el genio creador de Ingmar Bergman se extinguía definitivamente allá en la isla de Faro, Sarabanda se nos presenta como el último tren al que parece aferrarse esta figura señera de la cinematografía del siglo pasado, que lo es, guste o no guste.

Tampoco tengo el cuerpo últimamente para muchos excesos intelectuales pero hay cosas que obligan. Y bueno, en todo caso es cuestión de elegir el día bueno y prepararse como aquel que se prepara para una opípara comida, no vaya a ser que se te indigeste. Y digo esto porque el de la butaca de al lado me dio la película roncando como un auténtico bucanero. Así que por favor, aviso a navegantes, ésta no es película fácil, el que no conozca a Bergman por favor infórmese antes, que hay formas mucho más baratas y reconfortantes de disfrutar de un sueño placentero.

Entendiendo la edad de Bergman que a la sazón ronda los 90, el recurso fácil es decir que se trata de un testamento. Lo de menos es que lo sea, lo que es obvio es que Sarabanda recoge todo aquello que Bergman ha venido trabajando durante toda su vida creativa, y no sólo creativa ya que en múltiples aspectos no deja de ser un espejo de su propia vida personal. En definitiva, no sorprende, sigue en su línea, si cabe más crudo, más desnudo. Probablemente, nunca se ha preocupado de lo que el gran público dijera o dejase de decir, pero en esta ocasión más que nunca prescinde de cualquier ornamento para la galería y hace lo que siempre ha hecho. Puede no gustar, pero lo que hace lo hace de manera genial. Sigue indagando en la angustia existencial del ser humano, penetra en lo más profundo de los personajes de forma descarnada pero con una gran humanidad que le permite abordar cualquier tema con tanta crudeza como ternura.

En esta ocasión retomando una historia que ya presentó en Escenas de la vida conyugal, y rescatando a sus actores (Liv Ullman y Erland Josephson) estudia desde diferentes ángulos las múltiples perversiones del amor, en cuyo nombre tantas y tantas veces torturamos, esclavizamos y agredimos.

A un ritmo pausado y templado como el de la Sarabanda y en una estructura capitular, Bergman nos va desgranando los dilemas y las obsesiones que le han perseguido durante toda su existencia, y todo ello con la habitual maestría en el tratamiento de la luz, en la indagación sicológica, con el tratamiento teatral tan a su gusto y recreándose en unos primeros planos magníficos que dan a la obra una contundencia definitiva.

Este segundo largo del francés Stephane Brizé viene avalado por el Premio del Círculo de Escritores Cinematógráficos a la Mejor Película en el Festival de San Sebastián 2005. Sin embargo, más significativo que el premio otorgado me parecen las nominaciones a los premios Cesar en 2005, al mejor actor (Patrick Chesnais), mejor actriz (Anne Cosigny) y mejor actor secundario (Georges Wilsen). Y digo esto, porque las interpretaciones son piezas esenciales para el éxito de esta cinta.

Brizé nos cuenta de manera íntima y pausada una historia de carencias emocionales. Una incapacidad manifiesta de expresar los sentimientos que convierten la existencia en una prisión desolada donde los sentimientos y deseos reprimidos y la abierta imposibilidad de expresarlos luchan en una batalla sórdida, profunda y corrosiva. Una pulsión interior muy sentida pero que se corrompe en un ejercicio de onanismo emocional.

Como contrapunto a la frustración del personaje principal, Anne Cosigny en una interpretación sensacional en la que prácticamente no precisa de palabras para transmitir, nos presenta una mujer que no quiere encadenar sus sentimientos y se debate entre lo correcto socialmente y las exigencias de su corazón.

En el encuentro de estos dos perfiles tan diferentes surgirán silencios relevadores y turbadores enhebrados en una música tan sensual, tan intrigante, tan cómplice, tan arrebatadora como el tango.

Es difícil que alguien que es incapaz de quererse a sí mismo pueda ser querido por otro. Pero cuando esto sucede, un producto cataclismo se produce en el interior del ser amado y le conmina a replantearse su forma de mirar al mundo.

En esta parte de la historia, fuera el personaje de su medio natural, que no es otro que la sombra más oscura de la propia desesperanza, llegan a producirse situaciones tan chocantes que provocan si no la carcajada sí la sonrisa puntual, a semejanza de esos primeros tropezones del niño que abandona la presunta seguridad constrictiva de su taca-taca.

En definitiva, una película austera, melancólica, bien construida, en la línea del cine francés de los últimos tiempos, con muy buenas interpretaciones y que si bien no aborda temas nuevos, si lo hace de manera novedosa en el tratamiento por ejemplo de la banda sonora, donde lejos de los estereotipos que han marcado el tango, hace una utilización tan correcta como rentable.
Película que podría haberse aventurado sin mayor riesgo en la experimentación prescindiendo de los diálogos, ya que la recreación del ambiente y las situaciones, así como el diálogo de miradas y gestos se sobran y se bastan para tal menester.

En esta película se nos desvela una de esas "otras" realidades que permanecen ocultas a los ojos de lo que denominamos mundo desarrollado y que nos agita en nuestra butaca de la opulencia.

El contenido de la cinta es francamente duro, pero el tratamiento del tema está hecho con tanto tacto y poesía que sin perder ni un ápice de realismo, llegas a disfrutar de la proyección.
Insisto, a pesar de la dureza, es una película hermosa y ahí está el gran merito de su directora.

Sin querer hacer ningún panfleto reivindicativo, quizás precisamente por eso mismo, ha reflejado impecablemente el día a día de estas mujeres desgraciadas y las miserias y grandezas del ser humano.

El mérito de esta obra no radica en su argumento, bastante manido por otra parte, en la línea de Léolo, donde se nos cuentan las aventuras y desventuras de una familia corriente de un barrio periférico de Québec en la década de los 60 y los 70, y en particular el periplo personal de uno de los hijos.

Hasta aquí nada llama a la sorpresa, menos aún en unos tiempos en que la temática homosexual parece que se ha convertido en buen reclamo comercial. La sorpresa estriba en el tratamiento tan particular que se hace de dicha cuestión. Y es que el uso de las formas de una manera determinada puede hacer que un contenido insulso se convierta en algo apetecible. O a lo mejor es que la época evocada en la cinta me transporta a esa patria siempre añorada que es la niñez y perturba mi sentido crítico, pero el caso es que me parece que la historia se cuenta con una frescura, una ternura, un realismo y una humanidad dignas de mención, incluso, por momentos, con humor.

Para contarnos esta historia Jean-Marc Vallée, tomando como base su propia experiencia vital y en particular la de su coguionista François Boulay, materializa una dirección de actores notable, manejando escenas donde llegan aparecer hasta 50 extras en una reducida estancia, escenas que siempre quedarán retenidas en mi retina, por ejemplo las fascinantes escenas de las fiestas de Navidad. Momentos álgidos de la película. Es cierto que en algún momento la película da la sensación de enfoscarse y perderse en senderos sinuosos, haciendo requiebros entre imágenes psicodélicas y retazos oníricos, pero rápidamente vuelve a envolverte y te obsequia de rato en rato con fotogramas deliciosos.

Los actores están en sobresaliente y su implicación dota a la cinta de una veracidad inusitada. Destacan a mi parecer Marc-André Grondin que borda el papel del padre y Michel Côté en el rol protagonista con unas transformaciones camaleónicas espectaculares que destacan la magnífica labor de caracterización. Aunque haya pasado más desapercibido para la crítica me parece reseñable la actuación de Danielle Proulx en el papel de la madre. Verdaderamente auténtica. Y tampoco me olvidaría aunque en un segundo plano al hermano mayor interpretado por Máxime Tremblay. Y todo ello con una banda sonora de lujo, ahí están Patsy Cline con el tema que da título e hilaridad a la película, la interpretación por parte del protagonista de Space Oddity de David Bowie, Pink Floyd, los Rolling Stones. Charles Aznavour…

Y algunos se quejan que para contar eso no hacen falta 2 horas. ¡Ni que fuera el cine una contrarreloj! Pues yo he disfrutado las 2 horas y una vez de pagar mientras sean capaces de retener mi atención me pueden tener la velada entera. ¡Faltaría más!

Lamentablemente, el homenaje que Spacey quiere hacer a este reconocido y versátil cantante estadounidense de los años cincuenta se queda a medio camino.

La propia egolatría y celo desmedido de Spacey hacen que este homenaje quede eclipsado por la vanidad del director-actor-guionista-productor. Y es que todo el metraje esté hecho por y para su propio ensalzamiento.

Esto no quita para reconocer que el esmero con que ha cuidado todos los aspectos de la producción sea verdaderamente excepcional. Desde la elección de reparto, pasando por la fotografía, coreografía, producción musical, montaje, todo ha sido cuidado con una exquisitez inusitada, por no mencionar el ímprobo trabajo que el propio Kevin ha desarrollado durante años para poder materializar la aspiración de poner su propia voz al interpretar al gran Bobby Darin. Y todo ello, sin entrar en el calvario que tuvo que pasar para obtener los derechos de las canciones o la financiación.

En cualquier caso el resultado es una cinta ciertamente apetecible, donde se reinterpreta el clasicismo de los musicales al uso, con un ritmo por momentos vertiginoso por momentos pausado en lo dinámico, y con unos secundarios que bordan su interpretación, desde Kate Bosworth, a quien aún recuerdo sobre el Filo de las Olas, pasando por John Goodman , Bob Hoskins, Brenda Blethyn, o Greta Scacchi. Incluso, William Ullrich, joven actor de 11 años que interpreta a Bobby niño, me sorprendió sobremanera en los últimos fotogramas donde baila con un desparpajo impresionante.

No es casual que el propio Dodd Darin, hijo del cantante, e incluso la que fuera su mujer, Sandra Dee, ídolo de adolescentes de los años cincuenta, refugiada tras el divorcio al abrigo del alcohol y víctima de éste como tantas otras, reconocieran estar encantados con la película. Aunque precisamente esta misma circunstancia me haga pensar que haya habido una excesiva indulgencia con los entresijos de la biografía.

Pero bueno, al fin y al cabo se trataba de un homenaje a Bobby y tampoco era cuestión de meter el dedo en detalles escabrosos que quizá tampoco hubieran aportado nada sustancial a la razón de ser de nuestro protagonista, que no fue otra que la de vivir con toda la intensidad posible la que sabía iba a ser una corta vida. Para mejor ocasión quedarán los pormenores sobre su progenitor, su relación matrimonial, la presunta desatención de su hijo, la explotación de Sandra por parte de su madre, o supuestas violaciones en el hogar durante la infancia de ésta.

En definitiva, hubiera preferido la voz original y elegante de Bobby Darin con ese swing del que carece la cinta, hubiera preferido otro actor que encarnara los años más jóvenes, pero Stacey lo quería todo para él, así que conformémonos con su voz más que correcta. Y sabiendo que entre los actores que se barajaron andaban Di Caprio, Johnny Depp, Tom Cruise o Bruce Willis, casi que me quedo con lo puesto.