Explicar sobre los buenos detalles que tiene el guión de esta película, estropearía la experiencia de ver este film, pero lo que si puedo comentar, es que en el debut cinematográfico de Blair, demuestra tener un gran talento para crear buenas historias, adentrándonos en una trama significativa con la que muchos nos podemos representar y con algunos momentos de tensión sería y con una buena comedia negra. El guión tiene una narrativa muy creativa, la estructuración de la historia nos permite reflexionar sobre cómo muchas personas, incluso yo, nos sentimos indignados con la brutalidad, insensibilidad, insolencia, la delincuencia y la antipatía de muchas personas que nos rodean, algunas veces esas pequeñas cosas de nuestra sociedad nos hace sentir insatisfechos, transmitiendo pena ajena o mal humor algunas veces, pero a veces, encontramos suficientes cosas buenas en nuestras vidas para seguir adelante, por esa razón, el título de " Ya no me Siento a Gusto con Este Mundo" le queda perfecto.

A medida que avanza la trama conoces más a nuestros principales protagonistas, Ruth y Tony, ambos viven en una comedia extraña, oscura y peculiar, donde la tranquila personalidad de la protagonista y las excentricidades de su vecino Tony, nos divierte en muchos instantes, pero en los momentos serios de la trama se logra sentir la preocupación por ellos dos al estar en peligro, debido a que los dos logran simpatizar a la audiencia con sus carismas. Las actuaciones de Melanie Lynskey y Elijah Wood son muy sólidas, sus personajes nunca se sienten falsos y artificiales, sino que se sienten reales y sus interpretaciones expresan muy bien sus emociones y su carácter en cada escena. Wood adquiere una identidad más extravagante y divertida, y nunca intenta robar el centro de atención, mientras que Lynskey es capaz de demostrar una tristeza y sus frustraciones, pero más adelante mejora al encariñarse con Tony, ambos mantienen un equilibrio para que la historia funcione a la perfección.

Esta película atrapa debido a que nunca tienes idea hacia donde se dirige la trama, porque a medida que avanza, sigue cruzando líneas que no me esperaba, pareciendo ser impredecible en cada escena, todo ese excelente trabajo para conseguir enganchar el interés de las personas es gracias a la buena capacidad de dirección de Macon Blair, por la increíble profundización del guión y el excelente desarrollo de personajes. En resolución, esta es una obra satisfactoria, donde dos personas descubren que la única forma de sobrevivir a las circunstancias que atraviesan es estar siempre a la defensiva y enojados; su historia es extrañamente interesante y posee un buen suspenso, es un placer ver a Lynskey y Wood trabajando juntos, así como el talento emergente de Blair detrás de las cámaras.

Esto no es una película de comedia cliché que suele hacer Adam Sandler comunmente, es una obra de Paul Thomas Anderson, uno de los cineastas que más elogios está ganando por su estilo único de dirección. Anderson toma un género tan simple y llano como la comedia romántica y lo convierte en algo surrealista, magnífico y conmovedor. Punch Drunk Love está genuinamente elaborado, tanto su bien estructurado guión y la construcción de un personaje protagónico muy bien desarrollado, alguien que al inicio de la película entendemos sus complicaciones y através de las escenas y los colores podemos entender sobre su triste vida. Anderson toma lo que regularmente es Adam Sandler en sus películas de comedia y lo transforma en alguien diferente, aquí ha moldeado un personaje solo para esta historia, Barry es un hombre con ansiedad y problemas de ira generado por la humillación, un tipo muy solitario en busca de alguien con quien poder hablar y siempre vestido de azul con un profundo significado. Esta película trata sobre cómo va a cambiar la vida de Barry radicalmente, mientras florece un romance con la mujer que está destinado a conocer.

Esta historia comprende las grandezas del romance y se dedica ha mostrar como el amor es el gran emparejador de dos almas destinadas a encontrarse, que viven sus días malos cotidianos y al momento de juntarse los dos, sus alegrías renacen y las inseguridades de Barry poco a poco van desapareciendo. Adam Sandler como Barry, demuestra que puede dar excelentes interpretaciones y en esta película fue la primera vez que demuestra su talento como actor, su actuación es extraordinaria, como alguien con problemas emocionales, inseguro, aveces divertido y con una capacidad actoral muy humana, sin ningún momento de exagerar o sobreactuar. Emily Watson también se destaca acá, por su personaje Lena, ella logra lo que comúnmente logran las personajes de buenas historias románticas; hace que te enamores de ella, su interpretación es dulce, tranquila y es gloriosa. Los colores también representes las vidas o algo más profundo en los dos personajes principales, como el azul que representa la soledad de Barry y el rojo el amor.

Esta película es una obra abstracta, varias escenas y el transfondo de las decisiones de los personajes tiene un significado, desde su apertura que muestra en su primer plano secuencia lo triste que es la vida cotidiana de Barry, después de eso, el se adentrará en una fábula romántica, con momentos de enfrentamiento a amenazas internas y externas, enfrentándose a sus enemigos y sus propias inseguridades, para poder seguir con su maravillosa historia de amor con Lena, que hará renacer su felicidad. En conclusión, esta es una película espectacular, un poco graciosa en varios momentos y emotiva, no es una obra compleja, tampoco simple y mucho menos pretenciosa, solo es una historia diferente a lo usual, sale de los clichés de los cuentos de comedia romántica, Anderson agrega su propio estilo fílmico y nos presenta uno de sus mejores films de toda su filmografía, muy recomendable para los fanáticos del cine de autor y el genero romántico, también aunque adores u odies las películas de Adam Sandler, lo más probable es que les guste o les parezca interesante a ambos grupos.

Una de las mejores películas del 2020 es el increíble debut cinematográfico de Darius Marder, con su impactante historia sobre un baterista de metal que pasa por un cambio físico que dificulta su vida. El director nos narra esta obra de una manera más emocional y realista, sin llegar a ser melodramática, algo que funciono excelentemente para poder simpatizar con el guión y el personaje principal. Marder rechaza la suposición de la discapacidad de la sordera y opta por mostrarnos una trama sobre cómo lidiar con los cambios y una mirada más profunda hacía la vida.

Sound of Metal es la primera película que he visto que nos muestra los subtítulos de una manera más artística, para ponerte en la mentalidad de Ruben (el personaje principal). Hasta el momento que el comienza a entender el lenguaje de señas es que empieza haber subtítulos, así vemos los sucesos desde la perspectiva de Ruben. Otra cosa, es que la película en ocasiones te adentra a como la vería una persona sorda, con distorsiones en el sonido y con momentos de muy bajo volumen, cortando el sonido en forma en que Ruben experimenta su perdida auditiva. Usar este estilo para representar a sordera dentro de esta narrativa me pareció algo impresionante por parte del director, haciendo que se destaque aún más su película por su manera de dirección audiovisual.

Riz Ahmed Demuestra una increíble actuación, como Ruben una figura vulnerable y con mucha rabia por su conflicto, su ira no es violenta, es realista y muy humana, nos deja adentrar a su personalidad por perseguir un sueño que solo desaparece por sus problemas auditivos; Ahmed es un actor que sabe manejar la intensidad y el efecto de las emociones melancólicas. La personaje Lou (la pareja del protagonista) es otra con la que también se puede simpatizar, por la excelente actuación de Olivia Cooke.

La realización de esta obra se muestra de una manera muy creativa, por la habilidad de dirección de Marder, un brillante guión, la capacidad artística de la edición de sonido y la magnifica interpretación de Ahmed. Sound of Metal se interpreta como una aceptación hacia los cambios y la adicción de una vida de éxito que ya se ha perdido y termina con una conclusión muy notable, si bien podemos tener planes en nuestra vida, aveces esos planes suelen cambiar. Se trata sobre adaptarse a los cambios y por eso me parece una gran película.

Anteriormente ya he recomendado una película del premiado director surcoreano, Bong Joon-ho, con su película Madeo (Madre), está vez quiero recomendar otro de sus más grandes éxitos, una película que alguna vez fue el film más taquillero de Corea del Sur, The Host, es una obra impactante, entretenida, emocionante y con un narrativa que no solo abarca el concepto sobre las amenazas de monstruos, también te enseña sobre las uniones familiares que luchan contra un conflicto que los perjudican y sobre la incompetencia de los gobiernos ante los desastres naturales y los encubrimientos que le siguen. La película juega con otros elementos que reservará para la sorpresa de la audiencia y no solo busca ser del género de terror de monstruos o acción, el film también busca ser dramático y una comedia satírica, llevando al espectador a ver una obra divertida y ansiosa, todo bien logrado gracias a la genialidad del directo, que demostró ser un experto.

Las actuaciones están muy bien logradas por parte de todo el elenco, están muy bien dirigidos, la banda sonora es impresionante, está excelentemente compuesta por Lee Byung-woo siendo una de las mejores cosas del film. En toda la parte técnica está bien hecha, aunque sea una película disfrutable, no la considero superior o mejor que Madeo (Madre) o las otras películas de Bong Joon-ho que ya he visto.

Al querer combinar muchos elementos en está historia, permite al espectador disfrutar de varias formas la película, independiente del cual sea el interés primordial de la persona, la obra tiene momentos divertidos, con una sátira política, escenas de pánico y suspenso, momentos de terror, persecuciones y un clímax que hace recuperar a la película, con un ritmo emocionante que rebota a lo trágico, aunque su ejecución final de la película puede ser un problema para los que lo vean, por sus escenas apresuradas.

Está obra es una exploración asombrosa de la posguerra surgida después de la rendición de Alemania en mayo de 1945, en aquellos tiempos lo británicos trasladaron a grupos de prisioneros alemanes a Dinamarca para desactivar miles de minas en las costas danesas. El rango de edad de la mayoría de esos prisioneros eran de los 16 a 24 años y puede ser que muchos de ellos hallan terminado la guerra sin matar a ningún enemigo. En esta historia es una experiencia muy bien realizada de lo que vivieron muchos de esos jóvenes alemanes, en está ocasión nos mostrarán a un grupo de poco más de 10 prisioneros torturados y trágicamente obligados a hacer un trabajo que en cualquier momento podrían morir.

El director y escritor Martin Zandvliet, en esta película demuestra una habilidad muy eficaz de mostrar una historia con elementos psicológicos sobre las tragedias de las posguerra. En las escenas fuertes y emocionales de los personajes, como los jóvenes prisioneros o el sargento danés que comanda el grupo, pueden llegar a transmitir al espectador suspenso, melancolías y preocupaciones, con momentos que se hace difícil de ver la película sin sentirte triste o nervioso por lo dura que es su narración. Esta obra obtuvo nominación al Oscar a mejor película internacional, a pesar de que no ganó, en mi opinión se convirtió en una de las películas más emocionales que he visto y de las mejores sobre el genero bélico dramático.

La fotografía de la película por Camilla Knudsen (la esposa del director) es hermosa, ayudando apreciar las franjas blancas de las playas danesas, con alto contraste y marcos anchos en su lenguaje visual con imágenes crudas realizadas por Zandvliet, la música esta excelentemente realizada para las escenas y todos los elementos técnicos están bien hechos, pero las actuaciones son muy significativas, naturales y bien realizadas, aún más por la interpretación de Roland Moller como el sargento danés, un tipo rudo pero que al transcurrir su desarrollo demuestra ser alguien con buena conciencia y también está Louis Hofmann, como un prisionero que lidera al grupo y que logra simpatizar más con la audiencia, un personaje muy bien ejecutado al igual que los hermanos gemelos de la historia.

En conclusión, esta es una experiencia muy tensa, las intensas escenas de desactivar minas comparte un estrés al espectador y el guión expone una metáfora sobre que el verdadero enemigo en las guerras no son las personas, sino la guerra misma; debo mencionar que por la dureza y melancólica historia, puede ser una película que les manifieste tristezas y enseñanzas a cualquiera que la vea, por esas razones es una obra que verdaderamente recomiendo a todos.