No creo que fuese un asombro que Lars von Trier quisiese hacer una película porno, y mucho menos raro es que esa película se centra en una ninfómana autodiagnosticada. El director danés desde siempre ha llenado de sexo sus películas, uno de los últimos ejemplos “Anticristo” (2009) en la que ya quiso mostrar sexo explícito, pero que al final acabó rodando con dobles para las escenas más crudas. Pero esta vez ha hecho su proyecto más libre, el que de alguna u otra manera ha querido hacer durante todo el tiempo y del que, seguro, se sentirá orgulloso.

Esta versión que hemos visto constituye su versión más “soft”, pero sabemos que todavía hay escenas más crudas. Por lo tanto, ¿Es “Nympomaniac. Volumen 1” una obra que sólo busca la provocación? En absoluto, no es una película comercial, que busque entretener y excitar con escenas eróticas, sino es una historia humana, sobre una mujer que está destrozada por dentro y que se odia a sí misma, y la única forma que tiene de liberarse de ese dolor es contando su historia, esa que le ha dejado como está y que, como ella misma dice, “no todos entenderían”. Desde ese momento, el espectador observa la autodestrucción de un alma, que al principio era feliz en su ingenuidad pero que se empieza a hacer daño a conciencia, teniendo mucha idea de a dónde puede llegar y queriendo llegar allí. Si los análisis de la película se basan en pararse en el porno y en el erotismo, se tapará la profunda y desgarradora historia de una ninfómana que no entiende su propia existencia. Por lo tanto, “Nymphomaniac. Volumen 1” no es una provocación, pues el director no intenta llegar a todo el público. Prosigue con su estilo, ese del Dogma 95 que él mismo creó, por lo que la película no será plato de buen gusto para los paladares más comerciales, a los que se les hará pesada y aburrida. Sin embargo, para los seguidores de este tipo de cine, será entretenida, disfrutable y preciosista.


Stellan Skarsgard puede considerarse un personaje poco importante para la historia, pero no lo es. El sueco representa ni más ni menos que al espectador, que al principio mira con recelo a la historia que le están contando, pero que más tarde se mete de lleno en ella. En el resto del reparto destacan un sorprendente Shia LaBeouf que no quiso tener doble para sus escenas de sexo, y Uma Thurman, que interpreta un papel pequeño pero muy importante para la película, además de ser uno de los mejores de su carrera. Su momento es uno de los más memorables de la cinta al ser duro y desgarrador.



Este Volumen 1, sólo es la mitad de una película recortada de un total de 5 horas de duración. Esta versión ha sido “autorizada pero no vista por el director” como avisan al principio de la proyección. Se notan las escenas censuradas, hay mucho que no hemos visto, y lo malo no es eso, lo malo es las ganas que te dejan de verlo, de ver qué más hay dentro de la cabeza de Von Trier. Hay que reconocer, que aunque no nos mueva el morbo del porno, nos incita a la curiosidad. Si a muchos nos parece mucho esperar un mes para ver la segunda parte, esperar a ver la versión más explícita se nos hará eterno. Además, media película se pasa volando, cuando aparecen los créditos piensas “¿¡Ya?!” y maldices al que se le ocurrió la idea de partir la película a la mitad y dejarte ahí en ese “coitus interruptus”. Y por si eso era poco, el avance de la segunda parte tras los créditos te abre mucho más el apetito.

Lars von Trier es un director capaz de hacer una película porno de autor, donde se mezclan personajes desamparados, rotos, indefensos y mucho sexo para darnos un resultado inmenso. Eso sí, todavía queda la segunda mitad, lo que muchos vemos como algo grandioso puede quedarse en nada si el final no está a la altura, aun así, el 24 de enero saldremos de dudas con el estreno de “Nymphomaniac. Volumen 2”.

Con el Premio Nobel de Literatura hace dos años, España descubrió a una periodista que llevaba toda su vida en busca de la verdad escondida de la Unión Soviética, Svetlana Alexiévich. En 1997 la autora publicó Voces de Chernóbyl, una obra en la que daba voz a víctimas de la catástrofe nuclear. Ahora, en forma de documental ficcionado, desde Luxemburgo se realiza una reconstrucción audiovisual de los cientos de desgarradores testimonios de la obra de Alexiévich.

Mediante una fotografía muy colorida, con tonos que emulan la radioactividad de la zona, y unos actores que no pronuncian palabra en ningún momento, salvo mediante la voz en off, el director de esta película consigue estremecer al espectador. Si ya por sí sola la obra original conseguía poner la piel de gallina a los lectores, ahora, con todos los recursos audiovisuales a su favor, la experiencia se multiplica.

Una película a descubrir. Sin duda, un acercamiento a todas esas almas perdidas desde la catástrofe nuclear de hace 20 años. Un grito ahogado que busca recuperar la vida que “el átomo” y la Unión Soviética les quitaron y no les van a devolver jamás.

A decir verdad, pocas expectativas llevaba al ver la película, sí, es el director de la genial "Un Profeta", sí, actúa Marion Cotillard, pero mis expectativas eran bajas.
Una de las razones por las que no tenía muchas ganas, es el aparente 'buenrollismo' y el cliché sobre la fuerza de voluntad que de la que está impregnado el trailer, pero, éstos se esfuman al empezar la película.
La primera hora del filme es perfecta, en ella Audiard enseña todas sus cartas, dirige terreno del que es maestro, donde se mueve con total libertad. Su capacidad para crear grandes momentos donde la pobreza acompañada de tristeza existencial llenan el metraje, donde somos conscientes del estado anímico de los personajes y nos compadecemos de ellos.
La segunda hora de la película es mas floja, pero realmente es de aplaudir el manejo de la técnica del realizador francés a la hora de llevar el tema (como he dicho antes) de la fuerza de voluntad. "De rouille et d'os" se podría haber convertido en la secuela de la (muy) mediocre "Soul Sourfer", pero ya sea por los golpes cómicos o por Cotillard, eso no pasa.
La película ganó en el festival de Valladolid el premio a mejor guión, mejor actor Matthias Schoenaerts (grandísima interpretación aunque Cotillard es mi favorita de la cinta), y mejor director, creo que sobran razones. Y seguramente que estuvo a punto de ganar el Premio del Público y, me atrevería a decir, la Espiga de Oro.
No es la historia carcelera de "Un profeta", pero Audiard vuelve a bordar otra historia humana.

Al cine y el teatro, pese a ser muy parecidos, las diferencian un sinfín de cosas que hacen de cada uno un mundo. Este es el mayor problema de este film de época protagonizado por Jessica Chastain y Colin Farrell: la directora, Liv Ullmann, ha conseguido meter la esencia de una obra de teatro en una película y, durante casi 2 horas de metraje, asistimos a una historia de progresión muy, muy lenta y dirección irregular. La ya mencionada directora quiere conseguir el equilibrio armónico entre la forma y el fondo, pero no se da cuenta de que presta demasiada importancia a la primera. Gracias a esto ha conseguido sacar imágenes de cierta belleza, sí, pero el conjunto se ve resentido por tanto formalismo y falta de acción. La búsqueda de la poesía de la Sueca, se convierte en el encuentro con la indiferencia del espectador.

Pero no todo es malo, Jessica Chastain consigue realizar una de las mejores actuaciones de su carrera. La estadounidense es sin duda lo mejor del film y no sería de locos pensar que se llevara el Premio a Mejor Actriz el sábado. Ahí lo dejo. Colin Farrell, su compañero en el reparto, consigue sacar una buena interpretación, pero Chastain lo eclipsa y, al final, se debilita su trabajo.

El sopor de algunas de sus escenas y la falta de interés en muchas otras convierten a "Miss Julie" en una película para olvidar. Eso sí, si algo merece la pena en la cinta, esa es la grandísima Jessica Chastain, que eso no se nos olvide.

El drama de la inmigración europea servirá como inspiración para cientos de películas en el futuro. The last of us, no confundir con el célebre videojuego, parte de esta realidad actual para narrar una historia sutilmente sobrenatural. Lo que en un principio podría parecer una película Ken Loach, se convirtió en El Renacido, dirigido por Apichatpong Weerasethakul (Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas).

Esta película sin diálogos cuenta la historia de un joven subsahariano que es timado por las mafias de la inmigración y tiene que robar una barca para huir del continente africano. Tras un largo viaje por mar, llega a una isla habitada por un enorme bosque y un hombre que parece llevar ahí perdido mucho tiempo.

Cada giro en la historia de The last of us asusta y sorprende a partes iguales. Lo que podría haber sido una historia de superación personal al uso se ha convertido en una historia de superación personal sin parangón en el mundo del cine. Lejos del drama social, el film trata temas como la unión del hombre con la naturaleza, los instintos más primarios o la voluntad individual. Sin necesitar ni una línea de diálogo, el director y guionista es capaz de progresar una historia de una manera original y refrescante en el cine mundial.

Quizá no sea la película que el drama de la inmigración necesita. Pero sí de la que el cine del mañana precisa. El León del Futuro del último Festival de Venecia lo acredita.