El maestro de la tensión. Una tensión que en el mismo momento en el que hace su presencia, no abandona la película hasta que no finalizan los títulos de crédito. Porque la tensión en el cine de Polanski debería considerarse un género aparte. Se te mete en las venas. Alejado del terror, los sustos y giros inesperados que tanto abundan actualmente, Polanski va directo y sin trampas. En esta película la gran mayoría hubiera utilizado el flash back como forma de narración para volver al pasado de la protagonista. Polanski no. Huye de artificios.

Sigourney Weaver nos relata lo ocurrido para conocer su pasado. El cine es lo que no se ve, y Polanski lo sabe. Como el mecanismo de un reloj, el tempo está perfectamente medido. Las pausas causan desasosiego y los silencios se convierten en un imán hacia la pantalla.

Venganza, justicia…si es que existe la justicia y la venganza sirve realmente de algo.
Devastador retrato del ser humano, aquel que tiene todo el poder y abusa de el.

Una historia llena de contenido y reflexión contada de la manera más sencilla y cerrada con el broche perfecto donde hasta Schubert resulta asfixiante.

A estas alturas no nos sorprende que Woody Allen maneje el drama con la misma soltura que la comedia. Porque Woody es, por encima de un maestro del humor, un excelente creador de personajes que hablan sobre la misma condición humana.

Sin embargo, Allen nos sorprende enfrentándose por primera vez a la realidad. Woody mira a la cara a la vida y nos la presenta tal cual. Sin viajes mágicos en el tiempo, sin la sala del cine como escape o la risa como evasión. Y donde, a diferencia con 'Delitos y faltas' o 'Match Point', los delitos son condenados.

Es imposible no pensar en Blanche DuBois viendo la magnífica interpretación de Cate Blanchett. En los cientos de registros que nos ofrece Cate a lo largo de toda la película, reconocemos la mirada de Vivien Leigh en cada uno de ellos.

Woody nos presenta la película como un viaje de ida y vuelta entre el pasado y el presente. Utiliza el flash back para conseguir el equilibrio de una balanza que se mueve entre dos mundos que esconden misterios. Porque en Blue Jasmine el presente no tiene sentido sin los secretos del pasado.

Allen consigue que terminemos del lado de esa mujer de falsa moral y falsas ilusiones, que vive en el autoengaño constante ahogada en vodka y pastillas. Pero terminamos entendiendo a esa mujer victima de la crisis del siglo XXI... porque recordamos que "Somos la suma de las decisiones que tomamos" (Delitos y faltas), y que, al fin y al cabo, "La vida está llena de soledad, miseria, sufrimiento, tristeza y, sin embargo, se acaba demasiado deprisa. (Annie Hall).

Incluso si tienes el peor día de tu vida, esta devastadora historia, es capaz de hacerte gozar. El cine de Bergman, despierta a las personas, es un enfrentamiento con uno mismo y un aprendizaje continuo. Y eso, jamás puede ser malo.

El encuentro de dos hermanas (Ingrid Thulin y Liv Ullmann) que acuden a cuidar a su enferma hermana (Harriet Andersson) sirve de pretexto para hablar de la envidia, el miedo, la soledad, el cinismo... De lo egoístas que somos los seres humanos. Es una historia demoledora. Verdaderamente demoledora.

Con una banda sonora prácticamente inexistente, como si la presencia constante de la muerte enmudeciera las notas de Bach y Chopin. El silencio, los gritos y susurros y el tic, tac del reloj marcan el ritmo de la película, junto al color Rojo y las velas...

Se podría hablar de tantas cosas que no acabaría nunca. A modo de apunte solo comentaré una cosa: la duda, tema eterno en la filmografía de Bergman, en el personaje del cura: "Su fe era mucho más firme que la mía".

Una extraordinaria película, con una magnífica fotografía de Nykvist, donde la muerte está más presente que nunca, con unas interpretaciones sublimes que aguantan los primeros planos con maestría y veracidad.

Un verdadero placer, como siempre.

El día que dejé de creer en los superhéroes fue el día que comencé a creer en los genios. Seguramente a la salida del cine...

Genios que llevan la adrenalina en la sangre y se la inyectan a las palabras, dotandolas así de una honestidad que emociona hasta los huesos.

Esa es la sensación de puro gozo que te deja esta película. Con un reparto en estado de gracia y con Javier Cámara (un actor para dar de comer aparte). Domina la comedia y la tragedia como nadie. Básicamente porque consigue hacer creíble todo lo que sale por su boca. Todo en él es creíble. Pasa de 'Los amantes pasajeros' a 'Ayer no termina nunca' como si tal cosa. Y ahora vuelve a cambiar de registro mantenindo el nivel y la credibilidad de siempre. Un actor descomunal.

Genios como David Trueba, quien otorga el protagonismo total a la palabra y a los actores. Historias aparentemente sencillas formadas con personajes de carne y hueso.

Un cine que, afortunadamente sigue existiendo... Aquel que va de frente, sin trucos ni pretensiones. Un cine que habla desde la honestidad. Una honestidad que emociona. Una película para seguir creyendo en los genios.

¿Por qué tenemos en este país un rechazo hacia nuestro cine tan grande? Las películas españolas son criticadas antes de ser estrenadas. Se les acusa de ser españolas. Resulta curioso que apliquemos el termino español como algo descalificativo. Y en estos momentos en el que la cultura está siendo maltratada por este país, el cine se encuentra con un obstáculo de nuevo en su propia casa, el del rechazo del espéctador.

15 años y un día está dedicada a su padre, al inolvidable Elías Querejeta. Gracia ha tenido a uno de los mejores maestros. Su sello es inconfundible. En sus guiones no hay trampas. Tiene un sabor humano, cercano, honesto... Gracia siempre antepone la palabra a la imagen. Sus películas se sustentan sobre un guión sólido. Ahonda en la psicología de cada uno de sus personajes hasta darles forma humana. Domina los silencios como nadie. Sus personajes hablan mientras permanecen callados. Lo no dicho, lo que se callan... Y es que Gracia piensa que lo más importante es el guión. Se nota y yo se lo agradezco profundamente.

Dirige con una sencillez asombrosa. Huye de artificios y trucos de magia. No pretende reinventar el cine. Lo conoce a la perfección y consigue hacer sencillo lo dificil.

No es una película sobre adolescentes, si no sobre el mundo que rodea a los adolescentes. Una película llena de veracidad y de excelentes interpretaciones. La secuencia de 6 minutos de Maribel Verdú es sensacional. Esta actriz hace creíble cualquier papel. Y mantener este nivel año tras año es para quitarse el sombrero ante ella. Tito Valverde realiza uno de los mejores papeles de su carrera y el joven Arón Piper rebosa naturalidad.

Y con ese sabor Querejeta el miedo vuelve a ejercer de protagonista. Y recuerdas aquella canción "Tiene miedo del amor y no saber amar, tiene miedo de la sombra y miedo de la luz, tiene miedo de pedir y miedo de callar. Miedo... que da miedo del miedo que da"