"Hayyy Clint que vamos a hacer naciste en 1930 y creo que no te queda demasiado tiempo junto a nosotros, esa mirada tuya y ese semi guiño del ojo izquierdo que asustaba a cualquiera no los tendrá nadie; cuando todos decían que no podías hacer nada fuera del western y el papel de duro, hiciste Los puentes de Madison y les diste a tus detractores una lección de cómo se hace, se cuenta y se interpreta una historia de AMOR. Todos los actores que han trabajado para ti coinciden en que eres el mejor director actoral de nuestros tiempos aunque en realidad no eres de nuestros tiempos eres de otro tiempo pero estás aquí con la intención de que los demás directores aprendan algunas cosas antes de que te vayas, ojala aún haya tiempo para eso pues lo amantes del 7° arte quedaremos desprotegidos ante tu inminente partida pero yo creo que hay por ahí unos 3 directores que podrían encargase de nosotros.
En fin tal vez Dios de apiade de nosotros y te mantenga por aquí otros 10 años más, de por sí tu lugar junto a los dioses del cine está asegurado y esperándote hasta que sea tiempo".



Cuando en 1985 se anunció que el siguiente proyecto de Clint Eastwood iba a ser un western, toda la industria cinematográfica quedó sorprendida: creían que el western había pasado a mejor vida. Sin embargo obtuvo gran éxito de recaudación y los críticos coincidieron en que era magnífico ver a Eastwood cabalgando de nuevo. De todas las películas de Eastwood como director. El Jinete Pálido es la mejor en cuanto a interpretaciones de todo el reparto se refiere y su propia interpretación del misterioso es inolvidable. Un grupo de buscadores de oro y sus familias se encuentran aterrorizados por una poderosa compañía minera que utiliza la violencia para echarles de sus tierras. Es cuando aparece en sus vidas un misterioso hombre sólo conocido como "el predicador" (Clint Eastwood). A pesar de vestir hábito es muy ducho en el manejo de armas y está dispuesto a defenderles.

Scott Hicks tiene un gran mérito en esta película, y es haber caminado sobre la delgada línea imaginaria que divide los mundos del sentimentalismo barato de hollywood y el de las historias dramáticas correctamente contadas. Si bien es cierto no es una obra maestra, ni está cerca de serlo y tampoco lo pretende; sí cumple el cometido de que tanto el espectador común, el espectador crítico, como el crítico académico entiendan el mensaje que el film pretende.

La política del sí, esa es la que sigue y promulga un padre viudo que intenta conciliar su agitada vida profesional (es periodista deportivo) con su desordenada vida doméstica (dos hijos en casa) a base de saltarse las normas del buen gobierno de las familias monoparentales. Se trata de adaptar los hábitos de la «women’s picture» al ritmo de los nuevos tiempos, en los que el hombre tiene que dar el do de pecho asumiendo roles que pertenecían al ámbito de lo femenino-casero en la era dorada del cine clásico de Hollywood. Hay un lugar para las lágrimas, pero el caos impuesto por un hombre que no acaba de entender los biorritmos de su prole –compuesta por un niño que tarda en aceptar la muerte de su madre y por un adolescente, hijo de un primer matrimonio, que, sin apenas conocer a su padre, tiene que adaptarse a un nuevo entorno familiar, es el que domina la trama. Hay un lugar, también, para el control de lo sentimental: Scott Hicks, que tuvo su momento Oscar con «Shine», procura tratar de modo breve y discreto la enfermedad terminal de la madre en cuestión, ofreciendo algún atisbo de astuta credibilidad (la primera reacción del niño, indiferente a la muerte).
Clive Owen, que también figura como productor ejecutivo, aporta un cierto encanto a su personaje, aunque el arquetipo masculino que encarna parece salido de un artículo seudo sociológico de un suplemento dominical. El arco dramático que recorre es más que previsible: la disfuncionalidad del modelo familiar que propone la película –sólo con y para hombres, la falta de disciplina como estrategia de cohesión de una familia desestructurada en forma de patriarcado, no esconde sus ansias de convertir en héroe a este padre en apuros, aunque sea a costa de su profesionalidad periodística (es curioso que el relato nunca sancione que cubra eventos deportivos a través de Internet) y de su credibilidad ante una sección femenina que contempla sus métodos primero con escepticismo, luego con moderada admiración.
Recomendable...

Hoy en día los cineastas salvo contadas excepciones anteponen en sus filmes lo comercial a lo artístico, debido a esto los temas tocados en sus películas son casi siempre insípidos, banales, o lo que comúnmente se llama hoy en día cine de palomitas.
El honor, la dignidad y el orgullo, no son temas que vendan muchas entradas al cine, es por eso que no vemos muchos filmes sobre ello hoy en día, pero gracias al maestro Kobayashi esta obra maestra quedará para la posteridad.

"Harakiri (Seppuku)" es una lección de cine inigualable. En ella, Masaki Kobayashi nos deslumbra con una historia crítica y desmitificadora del estricto código ético al que los samuráis se entregaban en cuerpo y alma: el bushido. Este código, basado en virtudes tales como la rectitud y el coraje, y especialmente en el honor y la lealtad, debía ser acatado y respetado con un fervor casi religioso. La pérdida del honor sólo era compensable con la práctica del Harakiri (suicidio ritual por el cual el samurái se rajaba el vientre hasta el desentrañamiento)

El director del film pone en tela de juicio los valores sobre los que se sustenta esta inquebrantable moral. Nos habla de una sociedad feudal que se rige por el respeto ciego a preceptos que rozan, en ocasiones, lo absurdo y lo inhumano, y cuya premisa esencial antepone el honor a la vida. Un honor que no da de comer ni puede curar enfermedades, pero que está arraigado en lo más profundo de la cultura japonesa y que rinde culto al orgullo de todo aquel que lo alimenta.

De este modo, no es de extrañar que sea la adversidad la única circunstancia capaz de despertar el espíritu crítico de un samurái ya envejecido (inspirado y espléndido Tatsuya Nakadai en el papel de Hanshiro Tsugumo), y acaba comprendiendo que en la sociedad de la apariencia la imagen superficial prevalece sobre las emociones humanas.

Sorprendente cómo una película que se nutre en las raíces del diálogo puede tener un ritmo narrativo tan ágil. Por si fuera poco el aspecto visual (desde la austeridad, la elegancia y la sobriedad más absolutas) está cuidado con un esmero encomiable.

Se necesita calidad, para lograr que en nuestros días (léase, violentos, inhumanos, sangrientos) una escena como la de Motome Chijiiwa desentrañándose con una katana de bambú, tenga un efecto tan desgarrador como el que aún logra cuando alguien se digna a ver la película.
Lo dicho al inicio, esta película no vende ni vendería hoy en día, a no ser claro con 3D, de por medio y demás efectos especiales, pero "el honor no vende, por eso nadie lo compra".

En la parte objetiva de mi crítica diré que esta es una hermosa historia de amor, no de ese empalagoso, cursi, y molesto romanticismo entre dos personajes juveniles y atractivos a los que tan acostumbrados nos tiene hollywood. Esta es una magnífica obra maestra que dignifica la verdadera esencia de lo que es el cine y el cine amigos míos es arte, si el 7° arte, es la manera en que el artista nos transmite su forma de pensar de sentir y de actuar ante la vida. Basada en la novela de Robert James Waller este drama romántico viene a reivindicar un genero muy degradado por producciones banales y sin sentido, por el contrario y apoyado por el guión de Richard LaGravenese el magnifico Clint Eastwood nos presenta una propuesta inteligente llena de diálogos memorables que te mantienen con un nivel de expectación y atención increíbles. Espectaculares interpretaciones de Meryl Streep y Clint Eastwood en las que no faltan ni sobran: gestos, suspiros o llantos…

Made in, mi querida Costa Rica. Película del joven cineasta Esteban Ramírez que toca de manera Light un tema muy común en nuestra sociedad, el embarazo no deseado de una joven que vive con intensidad su primer amor.

En esta nueva cinta de Ramírez no se siente la tragedia interior en los personajes, porque nunca son observados a fondo. Como gancho, se nos dice que el filme se basa en una historia verdadera, cuando hay miles de historias como esa, con una moraleja eclesiástica para los jóvenes, algo así: de que no hagan el amor porque vean lo que les puede pasar. ¡Eso en pleno siglo XXI! Qué me dicen…

Hay alguna denuncia social con rutas alternas: mostrar los tugurios y al fondo el hábitat de los ricos, por ejemplo y así dejar en evidencia la abismal brecha entre ricos y pobres. Igual con lo ecológico (las aletas de los tiburones). También con una visión parcial de la religión (las monjas del colegio). Todo igualmente tratado de manera superficial, como oír risitas de ratones.

Si la pueden ver, háganlo pues no es mala película, pero tampoco una esperen una obra maestra.