En el año 2012, en plena fiebre adolescente generada por el fenómeno de los vampiros 'estilizados' de la saga de "Crepúsculo", y demás imitaciones que, salvando las distancias, fueron apareciendo, tales como: "Soy el número cuatro" (D.J. Caruso, 2011) o "The Host" (Andrew Niccol, 2012); apareció la primera entrega de "Los juegos del hambre", sin hacer demasiado ruido, y bajo la falsa apariencia de ser una película más para jovencitos, se fue desmarcando a raíz de una segunda parte notable, que dejaba entrever que su premisa tenía una historia con más enjundia de la que habitualmente suelen tener este tipo de propuestas.

Los paralelismos con la clásica novela de George Orwell, "1984", son más que evidentes, como ese afán del estado de someter a un control asfixiante y a una propaganda alienante a la gente pobre (que vive en los distintos distritos que conforman la 'Panem'), suprimiendo todo derecho, condenándolos a una existencia poco más que miserable, y usando todos los medios disponibles para imponer su autoritaria ley.

A pesar de que en un principio pueda parecer innecesario el hecho de haber dividido este último capítulo en dos (claramente por exigencias de la productora, con el fin de doblar beneficios), a diferencia de, por ejemplo la saga de "El Hobbit" de Peter Jackson, en el que se ha estirado tanto las tramas que incluso llega a límites tediosos, aburriendo al más curtido, y dando la sensación de que te están sacando los 'cuartos' del bolsillo de forma descarada. Esta primera entrega del "Sinsajo" demuestra ser una parte esencial en la historia, profundizando bastante en las inquietudes y motivaciones de los personajes, y erigiéndose como una transición necesaria a su apoteósico broche final.

La estructura argumental cambia de forma evidente, tras el final de la segunda entrega cuando nuestra protagonista, Katniss Everdeen, acabó definitivamente con 'los juegos del hambre', marcando las directrices a seguir en la inminente guerra, preparando a su estandarte Katniss, y dándole los motivos necesarios para que lidere la revolución de los distritos. La actriz Jennifer Lawrence ofrece una interpretación convincente, demostrando su gran estado de forma y como una de las sensaciones del Hollywood actual; además, el elenco de secundarios es muy bueno que le dan empaque al filme, compuesto por actores del talante de Julianne Moore, Stanley Tucci, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Donald Sutherland, Jeffrey Wright, o el malogrado Phillip Seymour Hoffman, siendo ésta posiblemente su última película.

En resumidas cuentas, esta primera parte del "Sinsajo" es una película muy interesante, realizada de forma inteligente por su director Francis Lawrence (responsable de "Soy Leyenda"), con una factura técnica notable, y con una premisa que sirve de enlace perfecto a su esperado capítulo final.

Cuando uno se para a pensar en la saga Torrente y "arrejuntar" unas palabras sobre ella, lo primero que viene a la mente es que posiblemente sea el personaje más guarro del cine español; sin embargo, también se puede decir que es una de las sagas más rentables de nuestro cine, ya que guste o no, su creador Santiago Segura ha sido capaz de encontrar la "tecla" para que un personaje de esta índole tenga tanto éxito. Puede que toda esa popularidad se deba a que Segura, bajo toda la parafernalia típica que arrastra el personaje, realice una crítica a la sociedad española, de hecho, el personaje de José Luis Torrente está inspirado en una persona real que surgió durante un almuerzo del propio Segura en un restaurante chino, donde vio a un cliente que se mostró de forma grosera con la camarera, haciendo que los familiares que almorzaban con él se sintieran avergonzados.

Esta quinta entrega, subtitulada "Operación Eurovegas", se sitúa en el año 2018, en la cual Torrente sale de la cárcel, y se encuentra aturdido ante una España convulsa y dividida. Intentando encontrar respuestas en su interior para despejar su confusión, decide convertirse en un "fuera de la ley", y se propone atracar un casino con una banda de incompetentes, junto con John Marshall, la persona que se ocupó de supervisar la seguridad cuando se planificó el principal casino-hotel de Eurovegas.

Esa ambientación en un futuro alternativo no muy lejano, sirve como pretexto para que Santiago Segura atice tanto a la situación política como social española actual, tales como: la independencia de Cataluña, la investidura del rey Felipe VI, la crisis del euro, la candidatura olímpica de Madrid 2016 o el aeropuerto de Castellón, entre otros muchos; que a pesar de la naturaleza propia del personaje de Torrente, de alguna manera le aporta credibilidad a la historia; es decir, que el mundo distópico planteado por Segura no se aleja en demasía de la realidad.

Como viene siendo habitual en la saga, el desfile de famosos cameos es bastante amplio, empezando con el propio equipo que contrata José Luís Torrente para llevar a cabo su plan; como el torero Jesulín de Ubrique que sorprende (para bien) con su personaje; el rescate del popular humorista Fernando Esteso, que se hizo famoso con las películas de corte erótico-humorístico junto a Andrés Pajares; Julián López y Carlos Areces (con un personaje desternillante), ambos conocidos por formar parte del programa televisivo de humor surrealista "Muchachada Nui"; o algunos como la cantante Angy Fernández, la presentadora de televisión Anna Simón o el humorista Josema Yuste (Martes y 13) que fueron "compañeros" de Segura en el programa televisivo de Antena 3 "Tu cara me suena", incrementando la cota de "amiguetes" del director.

Los sendos homenajes y guiños que realiza a "Ocean's Eleven" (Steven Soderbergh, 2001) como a "La cuadrilla de los once" (Lewis Milestone, 1960) son más que evidentes, debido a que su premisa argumental es prácticamente la misma; y a pesar del humor escatológico que conlleva un personaje tan soez como Torrente, gran parte de los gags del filme están relacionados con el propio desarrollo del atraco, siendo bastante divertidos e ingeniosos, conteniendo reminiscencias también a las comedias realizadas en la década de 1960 de José María Forqué, Pedro Masó y Luís García Berlanga.

En definitiva, esta quinta parte de Torrente revitaliza con creces una saga que estaba prácticamente agotada, ofreciendo la mejor entrega de todas junto con la primera, siendo muy divertida y chispeante, con una factura técnica notable, y además con su toque glamuroso aportado por el galán estadounidense Alec Baldwin, capaz de trabajar a las órdenes de grandes directores como Woody Allen, Martin Scorsese o Tim Burton, como de embarcarse en un proyecto como éste, más distendido y extravagante.

En primer lugar, antes de entrar a valorar debidamente la película que nos concierne, me gustaría comentar que a título personal aplaudo que los cineastas españoles trabajen, cada vez más, en el extranjero; y además cosechen el éxito. Este hecho demuestra que en nuestro país hay mucho talento, gente que tiene buenas ideas, con conocimientos a lo que a técnica cinematográfica se refiere, y con una seriedad y profesionalidad fuera de toda duda. Dentro de esa hornada de nuevos cineastas podríamos citar, entre otros muchos, a Jaume Collet-Serra, que ha desarrollado toda su trayectoria profesional en tierras norteamericanas (fundando incluso su propia productora, Ombra Films); a Miguel Ángel Vivas, que recientemente ha estrenado su segunda película hollywoodiense "Inside", remake de la fantástica cinta de terror francesa "À l'intérieur" (Alexandre Bustillo y Julien Maury, 2007); a J.A. Bayona, que en estos últimos años nos ha brindado grandes obras como "Lo imposible" o "Un monstruo viene a verme", y que en la actualidad está perfilando la secuela de "Jurassic World", toda una gran superproducción estadounidense; y también podríamos nombrar a Nacho Vigalondo, que tras llamar la atención con su cortometraje nominado a los premios Oscar "7:35 de la mañana", ha realizado ya un par de films al otro lado del Atlántico, como "Open Windows" y la película que nos abarca, "Colossal".

Tras este pequeño inciso, ha llegado el momento de reseñar "Colossal", la última película de Nacho Vigalondo, un cineasta bastante peculiar y simpático que ha sabido conectar con la gente, debido a su desparpajo y el talento que derrochan sus trabajos. Concretamente, en "Colossal" nos presenta una cinta que le da una vuelta de tuerca al género de monstruos gigantes, a través de una historia cargada de un particular sentido del humor sobre una chica en plena encrucijada vital que, tras volver a su pueblo natal, se dará cuenta de que tiene una conexión directa con una criatura de gran envergadura que está atacando la ciudad de Seúl .

A priori, la idea de partida es bastante singular, hecho que ha propiciado que coseche muy buenas críticas a ambos lados del Atlántico; sin embargo, personalmente no he llegado a conectar con ella. Me explico. El cruce de géneros que propone el filme le otorga un cierto grado de originalidad a la propuesta, pero a la hora de desarrollar (o dicho de otro modo, de concretar) su historia, ésta naufraga irremediablemente. La línea entre la genialidad y el ridículo es muy fina, y por desgracia, el presente filme deambula demasiado por ella... ya que ni acaba desembrollando debidamente la trama del Kaiju surcoreano, ni aquella protagonizada por una mujer en crisis existencial. La trama transita sin rumbo y a la deriva, dedicándose por completo a colocar a los personajes delante de la pantalla interactuando entre ellos, pero sin llegar a profundizar; es decir, sin que sus arcos dramáticos evolucionen más allá de sus diálogos y acciones triviales. Los traumas infantiles de los personajes importan más bien poco, ya que acaban diluidos en una trama farragosa que va dando tumbos hacia ninguna parte; y que además, se muestra totalmente incoherente por el hecho de la mezcla de géneros, los cuales no quedan justificados con ningún giro en su premisa. De hecho, el cambio de personalidad hacia el final de la cinta que acontece al personaje de Jason Sudeikis puede resultar chirriante y hasta esperpéntico.

En resumidas cuentas, "Colossal" es una película que no funciona ni como película de fantasía ni como tragicomedia. Una lástima. Tal y como dicen, para gustos... disgustos. A título personal prefiero otras propuestas similares que argumentan y profundizan de forma concisa y mucho mejor que el filme en cuestión, como por ejemplo el clásico de culto "Beautiful Girls" (Ted Demme, 1996) protagonizado, entre otros, por unos maravillosos Timothy Hutton y una jovenzuela Natalie Portman; así como la película del siempre interesante Jason Reitman "Young Adult" (Id., 2011), que cuenta con una descomunal y ácida interpretación de Charlize Theron.

De bien es sabido, que tras el término de la Segunda Guerra Mundial, las tensiones internacionales entre la Unión Soviética y Estados Unidos crecieron exponencialmente hasta el punto de dar paso a lo que se conoce como la Guerra Fría. Dentro de aquel conflicto, la carrera espacial se puede definir como una subdivisión dedicada exclusivamente al ámbito espacial. En ella, ambos países centraron sus esfuerzos en explorar el espacio exterior con satélites artificiales, de enviar humanos al espacio y de colocar a un ser humano en la Luna. Los soviéticos fueron los que se adelantaron finalmente, tras el lanzamiento del Sputnik 1, el cohete que pusieron en órbita a finales de 1957, convirtiéndose en el primer satélite artificial en alcanzarla; y más tarde, concretamente en abril de 1961, el cosmonauta ruso Yuri Gagarin, a bordo de la nave Vostok 1, se convirtió en el primer ser humano en alcanzar orbitar en el espacio exterior. Sin embargo, ¿fue realmente Gagarin el primer cosmonauta en realizar tal hazaña? Desde que el ser humano lograra salir al espacio exterior, circulan numerosas teorías que aseguran que otros con anterioridad fueron lanzados al espacio pero nunca regresaron.

Esta es el más que interesante punto de partida de "Sputnik", cortometraje de Vicente Bonet, director entre otros de los cortometrajes "Love Wars", "Jornada de puertas abiertas" o "Miniaturas", que se centra en una misión secreta, la del Sputnik 4, comandada por Kinolay Novikov. Mientras se encuentra orbitando en el espacio exterior, un fallo técnico hace que la misión fracase, impidiéndole volver con vida. Así que se verá abocado a vivir desterrado en la soledad espacial hasta que un encuentro fortuito cambie su suerte.

Su director Vicente Bonet nos cuenta una entrañable historia con un claro corte humanista, sobre la amistad entre dos personas completamente distintas entre si, pero que comparten la misma esencia, los mismos sueños e inquietudes... y todo ello, relatado desde la nostalgia, sobre aquel cine que se hacía en los ochenta, al más puro estilo 'Spielbergiano', ofreciendo una preciosa visión sobre la infancia y la ingenua forma de ver la vida, que contrasta (siendo ésto lo más interesante del corto) con un mundo adulto regido por el absurdo conflicto entre soviéticos y estadounidenses. En resumidas cuentas, "Sputnik" es una maravillosa fábula que te atrapa y te conmueve; en el que además, está realizada con una factura técnica magistral y una banda sonora que evoca la magia de John Williams.

Woody Allen es posiblemente el director más disciplinado y prolífico de la industria cinematográfica estadounidense. Es impresionante ver como es capaz de realizar al menos una película al año, desde 1982; y eso que el maestro neoyorkino cuenta con 80 primaveras recién cumplidas (y por supuesto, bien llevadas). Tras la interesante "Irrational man" (Id, 2015) este año 2016 nos presenta "Café Society", protagonizada por unos jóvenes Jesse Eisenberg y Kristen Stewart, bien acompañados por Steve Carrell, Blake Lively y Corey Stoll.

En esta ocasión, Allen nos sumerge en plena década de los años treinta, con un star system hollywoodiense consolidado, tras la llegada del sonoro y la inauguración de los premios Oscar. El director de "Annie Hall" nos muestra un rutilante Sunset Bulevard repleto de ostentosas mansiones, productores, actores, prostitutas, clubes nocturnos, gánsters, cadáveres sepultados en cemento y cine... mucho cine. Porque "Café Society" es una sincera carta de amor hacia el séptimo arte... a como se hacían las cosas en la edad dorada de Hollywood. El retrato de la meca del cine es espectacular, siendo éste uno de los grandes logros de la película.

La premisa se centra en Bobby Dorfman (interpretado por un genial Jesse Eisenberg), sobrino de un poderoso agente y productor de Hollywood (encarnado de forma brillante por Steve Carrell), que se enamora de Vonnie, la guapa secretaria de su tío Phil (llevada a cabo por una Kristen Stewart que se ha despojado del sambenito de "Crepúsculo", estando realmente muy bien). Huelga decir que Woody Allen es un gran director de actores, capaz de sacar el máximo partido de cada uno de ellos. En "Café Society" están todos realmente notables, interactuando de maravilla entre ellos, siendo otro de los puntos fuertes del filme. Aunque lo que más me ha gustado es que, tras su periplo por algunas de las principales ciudades europeas (como París, Barcelona, Londres...) vuelve a su queridísimo Manhattan, ese mismo escenario en el que ha filmado verdaderas joyas cinematográficas... y es que parafraseando al mismísimo Allen en esta película... hay amores que son para siempre y la ciudad neoyorkina lo es para él; su gran y verdadero amor.

También es necesario reseñar que la película está muy bien rodada, con una preciosa fotografía que ensalza la belleza de todos los entornos por los que se mueven los personajes, sobretodo el de una Manhattan arrebatadoramente cautivadora. El guión es ligero y bastante ingenioso, mucho más que la floja "Magia a la luz de la Luna" (Magic in the Moonlight, 2014); no obstante, queda un escalón por debajo de obras como "Días de radio" (Radio days, 1987), "Balas sobre Broadway" (Bullets over Broadway, 1994) o "Medianoche en París" (Midnight in Paris, 2011) por citar algunas.

En síntesis, "Café Society" es una película maravillosa, que demuestra a un Woody Allen en plena forma, relatándonos una historia de amores imposibles con un trasfondo triste y melancólico; marcada por la división de clases y el poder adquisitivo; marcada también por el ritmo de jazz de la estupenda (como siempre) banda sonora; y con un precioso final que deja bien patente que los sueños, en esencia son solo eso, simplemente sueños.