Empire Records contiene bastantes ingredientes que la podrían haber convertido en una película de culto, de referencia para una generación, la de los 90's. Su ejecución no obstante, la convierte en una película del montón. Pero a pesar de ello, funciona.

¿Cómo puede ser eso? En primer lugar por la banda sonora, potentísima, repleta de conocidos y pegadizos temas que se van sucediendo sin descanso y que en lugar de importunar, ayudan al avance de la trama. Aportan ligereza en el desarrollo de los acontecimientos.

En segundo lugar, unos personajes que, a pesar de comportarse en la mayor parte de los casos como auténticos imbéciles, tienen carisma. Un don que viene dado por unos jóvenes intérpretes que empezaban a despuntar y a dar muestra del éxito que les acompañaría en posteriores trabajos. Como es el caso de Liv Tyler o Renée Zellweger

Y por último, un final que logra encauzar con habilidad los disparatados acontecimientos que se han ido sucediendo en la frenética jornada de trabajo y que dejan un buen sabor de boca en el espectador. Una sensación de haberse evadido y disfrutado durante hora y media.

¿Es recomendable Empire Records? Para aquellos que se atrevan con cualquier tipo de película, para paladares poco exigentes o para amantes de la música sí. Sin duda. Si buscas un cine más trascendental, reflexivo y que te deje pensando una vez has terminado de ver la obra, la obra de Allan Moyle no es para ti. Pero ya sabéis, no suelo recomendar ninguna de los títulos que aparecen en la cara B de mis películas favoritas, así que avisados estáis.

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l debut de dos directores nóveles como eran Chad Stahelski y David Leitch es de esos que marcan. Partiendo de una idea mil veces expuesta en el cine -un hombre herido psicologicamente que regresa a la actividad delictiva acabando con todo aquel que se pone delante- adquiere en esta película un nivel superior a lo visto anteriormente. El guión, que no es nada del otro mundo, se sostiene por dos grandes pilares: las escenas de acción, sobresalientes con unas coreografías que hacen las delicias de los amantes del género, y el protagonista del filme.

Keanu Reeves, que vivió su apogeo en la década de los 90 con títulos como Le llamaban Bodhi o la saga Matrix, hacía años que deambulaba por películas mediocres. No creo que sea recordado por ser un gran actor. Sus trabajos no pasaran a la historia, pero es un interprete solvente y taquillero. Acusado de ser bastante inexpresivo en sus papeles frente a las cámaras, quizá es hieratismo sea en esta ocasión un punto a su favor en esta película.

Su trabajo como un frío y calculador asesino es impecable. Pero sería injusto olvidar la labor de los realizadores a la hora de elaborar las escenas de acción. Es difícil destacar un solo momento en el filme, pero creo que la secuencia en el club de noche Red Circle es antológica. John Wick despacha a todo aquel que le va saliendo al paso al ritmo de una canción tan pausada como es Think de Kaleida. La combinación visual y musical es perfecta.

Con una nutrida galería de secundarios en la que destacan Willem Dafoe como amigo y antiguo compañero del protagonista; y el recientemente fallecido Michael Nyqvist como el mafioso ruso, antiguo jefe de Wick y padre del joven que robó el coche y mató al perro del protagonista; la película funciona y hace el trabajo de Reeves más atractivo aún.

Asimismo, también hay que destacar la ambientación de la historia, con esa estética y transfondo de comic o novela pulp Con ese Hotel Continental dirigido por Ian McShane, lugar donde conviven numerosos asesinos a sueldo/ mercenarios y en el que tienen prohibido trabajar, como si de una zona neutral y segura se tratase. O los pagos, que se realizan en una especie de monedas de oro, como si de la Edad Media se tratase.

Toda una sorpresa supuso en el momento de su estreno, allá por el año 2014. En España no llegó a exhibirse en las grandes salas y no está editada en DVD. Una de las muchas cagadas que tienen las distribuidoras en nuestro país. Afortunadamente su segunda parte si se estrenó el pasado mes de abril y ya esta disponible en formato DVD y Blu Ray. Un buen momento para verla, después de haber disfrutado de esta maravilla del cine de acción reciente.

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El último trabajo de David Lowery tiene grandes momentos. La parte inicial, con la entrada del caballero verde en la sala donde el Rey Arturo se encuentra con sus caballeros alrededor de la mesa redonda, el planteamiento del desafío y la resolución del mismo son un inicio muy notable. En el desarrollo del resto de la obra ya es donde se atisban las primeras dificultades. Un ritmo un tanto lento, pausado, en el que Lowery juega a ser Terrence Malick, con todo lo que eso conlleva, para bien o para mal -belleza visual, que se merecería una gran pantalla de cine en lugar de la que tienes en el salón de tu hogar por muy buena que sea-.

Los episodios en los que está dividida la obra, con algunos personajes que no aportan gran cosa a la trama y que hacen que desconectes en ciertos momentos, son aspectos muy negativos en el filme. Por ejemplo, el capítulo en el que aparece Joel Edgerton me parece que podría haber sido eliminado y nadie lo habría echado en falta.

No obstante, el buen hacer de Dev Patel como Sir Gawain -probablemente lo mejor de la película- en cuyo comportamiento podemos observar las ansias de gloria, de poder contar una historia propia en la que él sea el héroe, como así queda demostrado en la primera parte de la historia y que chocan constantemente con su dudosa valentía.

A la interpretación del actor británico le acompañan una gran ambientación, con una oscuridad casi permanente en las escenas del castillo y una gran fotografía por parte de Andrew Droz Palermo, que capta de manera notable tanto esos interiores como los escenarios que el protagonista va recorriendo en su larga travesía -la parte de los gigantes me parece sobresaliente-.

A todo ello hay que sumarle, por último, un final que consigue afianzar parte de esos puntos positivos señalados anteriormente, y que dan forma a un filme que no pasará a la historia como uno de los mejores respecto a la Edad Media.

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Inquietante. Este podría ser el mejor adjetivo para El contador de cartas, la última película de Paul Schrader. Probablemente sea un apelativo que se haya repetido en el noventa por ciento de los trabajos que ha realizado durante toda su carrera, tanto en aquellos casos en los que se encargaba únicamente del guion, como en aquellos en los que se ha puesto tras las cámaras.

Gran parte de los ingredientes de su cine aparecen reflejados en su última obra. Pecado, violencia y redención se posan en el personaje de Oscar Isaac, que como un ángel vengador, debe llevar a cabo una misión que le ha sido concedida por obra y gracia de un ser superior a él y por supuesto, sin contar con él.

El planteamiento del filme es bastante austero. Sin grandes alardes, Schrader nos presenta a Tell, un tipo frío, que posee un don para el juego y el manejo de cartas y que huye de cualquier contacto social o humano. A través de una serie de flashbacks, nos deja ver algo de su pasado, tormentoso, en el ejército, que pueden justificar esa huida hacia adelante pasando de puntillas por su actual vida.

A medida que avanza la obra, la aparición de dos personajes va a trastocar el modus operandi del protagonista, provocando así, un cambio en su personalidad. Por un lado, el joven Cirk, un chico que perdió a su padre y al que Tell acoge como si fuera su mentor, para poder ayudarle a encauzar su vida. Por otro, La Linda -Tiffany Haddish, una mujer que viendo el potencial del protagonista como jugador de cartas, contrata sus servicios para ir de casino en casino buscando rédito económico.Estas dos nuevas presencias borran de un plumazo la soledad del personaje principal y esa sobriedad en el planteamiento inicial que, salvando las distancias, pueden recordar a filmes como El Silencio de un hombre de Melville o El Profesional de Besson, se va transformando.

La segunda parte de la obra es más agitada, mucho más potente si atendemos al aspecto visual. Hay que destacar, en este sentido, el paseo nocturno en el jardín de luces, con la canción Arise Sun de fondo, como punto de inflexión en la historia. Además, se trata de una experiencia sensorial para el espectador, puro espectáculo óptico.

Y, finalmente, la redención, esa que persigue a Schrader desde su niñez, debido a su educación calvinista. Esa que le marcó desde sus orígenes debido a la educación calvinista que recibió y que enfatiza la depravación de la naturaleza moral humana hacia la necesidad de la gracia soberana de Dios en la salvación. Ambas, la depravación en la figura del coronel y la salvación en el acto final del filme, dejan al espectador con una sensación extraña, desasosegante y áspera.

Nadie podrá sorprenderse por ello, es puro cine de Schrader y sabían a lo que se exponían. Muy recomendable, tanto por la historia y su desarrollo, como por el gran papel de Oscar Isaac. Un actor que va camino de convertirse, si no lo es ya, en uno de los tres mejores de su generación.

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La película dirigida por Panos Cosmatos es un demencial, surrealista y alucinante viaje a los infiernos. Con escasos e irrelevantes diálogos, centra su fuerza en el poder visual y en la violencia de gran parte de sus escenas. Nos encontramos ante un filme de terror y venganza cargado de detalles y referencias.

Por un lado la referencia mitológica. La de ese caballero que ha visto como destrozan su vida, le arrebatan a su amada y se lanza a la persecución de sus enemigos fabricando sus propias armas -entre ellas un enorme hacha de acero que él mismo se encarga de fundir y dar forma-. Por otro lado, un enfoque sobrenatural, con esos motoristas que parecen demonios procedentes del averno o monstruos indestructibles, brutales, carentes de sentimientos.

Asimismo, el filme está dividido en dos partes. Una inicial, con la apacible vida de la pareja protagonista y en la que se empieza a percibir la amenaza del mal a través de los miembros de la secta que pululan por el bosque. Una primera parte mucho más colorida que la segunda; oscura, en la que se desata el caos convirtiendo la obra en un festival gore del que no puedes apartar la mirada, con escenas muy duras y en otros casos cómicas -memorable Nicolas Cage encendiendo un cigarrillo de una cabeza llameante que acaba de cercenar-.

Mandy es una película difícil de recomendar. Es de ese tipo de filmes que si entras en su juego y te dejas llevar por su estética renunciando a encontrarle sentido a la trama, la puedes disfrutar. En caso contrario, la aborrecerás al no encontrarle lógica o al incomodarte tanta violencia. En mi caso, me ha envuelto su colorido, su estilo psicodélico y la historia de venganza que encierra disfrutando del tour de force visceral de un Nicolas Cage que se resiste a caer en el olvido y nos ofrece, otra vez más, una gran interpretación. Con el tiempo, Mandy se convertirá en una cinta de culto. Peleas con motosierra mediante.

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