Realizada por Solveig Hoogesteijn, que escribe el guión con la ayuda de especialistas en lengua española y dialectología venezolana. Narra una historia de ficción inspirada en situaciones reales. Se rodó en Caracas y Madrid. Producida por Gerardo Herrero y la realizadora, se estrenó el 15-VII-2005 (España).

La acción tiene lugar en Caracas a lo largo de varios meses, en 1998/99, con un epílogo situado en Madrid años después (2004/05). Maroa es una niña de 11 años, huérfana, acogida por la abuela, Brígida (Elba Escobar), que la maltrata. Vive inmersa en un ambiente marginal, en el que abunda la criminalidad, la droga y la prostitución. No va a la escuela y gana el dinero que le pide la abuela, echadora de cartas y adivinadora, vendiendo estampas y colaborando en timos, hurtos y trapicheos. Detenida por la policía, es internada en un centro cerrado de menores, donde conoce a Joaquín (Tristán Ulloa), profesor de música y director de la orquesta infantil de la casa, a la que se incorpora como intérprete de oboe.

La película sitúa la acción en un marco de marginalidad y delincuenica, que describe con trazos firmes, elípticos y contenidos. Aúna pobreza, exclusión social, paro, ociosidad, desestructuración familiar y criminalidad infantil. Expone hechos en formato documentalista, sin juzgarlos. Denuncia la violencia policial, teñida de abusos de autoridad, incomprensión de la ralidad social y beneficiaria de impunidades reprobables. Contrapone dos formas de afrontar los problemas: el de la represión que practica la policía y el de los intentos de abrir caminos a la integración social mediante programas educativos de la UNESCO, de los que forman parte, entre otros, las orquestas infantiles y juveniles. El primero, aunque necesario, no soluciona los problemas y cuando se aplica de modo inconveniente genera efectos contraproducentes. El segundo tampoco resuelve los problemas colectivos, pero ofrece oportunidades individuales que en ocasiones dan buenos frutos. Entre profesor y alumna se establece una relación asimétrica: Joaquín profesa un afecto paternofilial a Maroa y ésta siente por él un enamoramiento inmaduro, imitativo, preadolescente y superficial. La trama dramática se apoya en las tensiones que surgen entre Joaquín y Maroa, por celos de ésta, y por la inviabilidad y riesgos que asume Joaquín al acceder a tenerla acogida en casa. A ello se añade una implacable persecución policial, que se asocia a la imagen fetichista de unas botas de goma embarradas e intimidatorias.

La música aporta una excelente banda original, alegre, colorista y a ritmo de rap. Se añaden canciones ajenas ("Tema de amor", "Danzón para Solveig", "Dímelo") y composiciones clásicas (Alleluya de Haendel, Sinfonía nº 40 de Mozart y otras). La fotografía acaricia la expresión fresca y vulnerable de Maroa. El guión evoca el mito de "Pigmalión" y el cuento de "La cenicienta". La película aborda una historia interesante, que sólo esboza y cierra de modo abrupto.

Dirigida por Myriam Mézières y Alain Tanner, fue filmada en video. Se rodó en estudio y en escenarios de París y España. Dispuso de un bajo presupuesto. Se estrenó el 1-V-2002.

La acción principal tiene lugar en París en un tiempo próximo al del rodaje (2000/01) y cinco años antes (1995/96). Narra la historia de Pam (Louise Szpindel), de 14 años, que ha escapado de una residencia tutelar de menores, para reunirse con su madre, Lily (Myriam Mézières), que encuentra hundida en la miseria, el paro y tendencias autodestructivas. En flashback, recuerda la vida junto a su madre cinco años antes.

La película narra con los ojos ingenuos y dulces de una niña, que no ha ido nunca a la escuela, las desventuras de la vida de la madre, explotada, utilizada y engañada reiteradamente, que lucha sola para salir adelante, sin encontrar ayuda, ni amistad, ni amor, ni trabajo estable. La obra traspira dolor humano, dolor de soledad y desamor, un dolor profundo, prolongado y desolador, del que Lily es presa en un mundo sórdido, egoista y cruel. La preocupación que comparten Tanner y Mézières, pareja en la vida real, por el sufrimiento humano encuentra en esta obra un vehículo privilegiado de expresión. El baile erótico, el streptease, los juegos de ficción con un cisne (evocación del mito de Júpiter y Lada), los desnudos para complacer al público, son para Lily motivo de humillación y amargura, tanto como las retribuciones que no cobra y ha de mendigar o las facturas que no puede pagar. A causa de su trabajo y de la presunta desatención que presta a la hija de 9 años (Tess Barthes), el Tribunal de Menores le retira su custodia, condenándola sin contrapartidas a una mayor soledad y a una vida humanamente insoportable.

La música, que ocupa una posición destacada, se basa en una partitura muy atractiva y versátil en la que predomina el violín, en solos magníficos o acompañado de acordeón y de otros instrumentos. La música añadida incluye piezas de baile, de percusión y canciones como "Flores de sangre", compuesta e interpretada por Mézières. La fotografía, brillante y hermosa, muestra con convicción los ambientes lúgubres del trabajo de Lily, que constrasta con exteriores coloristas. El movimiento de cámara es ágil y acertado. El guión desgrana con fluidez una historia trágica de soledad, dolor y desarraigo, que se explica con riqueza de detalles, matices y recursos. La interpretación de los dos papeles de Pam es acertada. Tess Barthes, muy natural, se gana la simpatía del espectador. Mézières realiza una intervención expresiva y emocionante. La dirección construye una obra singular, atípica y desesperanzada, sobre el sufrimiento humano, sus causas y sus secuelas.

Película con un doblaje al español del todo censurable, a evitar sin salvedades. Hermoso, interesante y dramático relato de dos vidas abocadas a la marginación, la exclusión social y la locura.

Por encargo de Dreamworks, Michael Bay asumió la dirección de la obra, que dispuso de un presupuesto estimado de 122 M $. Se rodó en los desiertos de California y Nevada, en Detroit (que hizo las veces de LA), en otras localizaciones de California y en los Downey Studios. El rodaje comenzó en otoño de 2004.

La acción tiene lugar a lo largo de varios días, a partir del 16-VII-2019, en una residencia/prisión que alberga centenares de personas, bajo severos controles médicos, al objeto de preservarlas de la contaminación letal que sufre la Tierra. Cuentan con un único aliciente: la esperanza de ser favorecidos en los sorteos periódicos con una plaza para ir a una isla remota, libre de contaminación. Otra parte de la acción tiene lugar en el exterior, camino de LA. Narra la historia de Lincoln Eco Seis (Ewan McGregor) y de su amiga Jordan Delta Dos (Scarlett Johansson). Lincoln, dotado de curiosidad, capacidad crítica y sueños premonitorios, advierte que son víctimas de un engaño, por lo que decide huir con Jordan.

La película plantea la problemática que se puede dar asociada al avance de la clonación y la ingeniería genética, si su uso cae en manos de científicos soberbios que se creen dioses (idea de "Blade Runner") y de personas desaprensivas con ambiciones económicas sin límite. La decisión de Lincoln, secundada por Jordan, simboliza la lucha desesperada contra la opresión organizada de la soberbia y la codicia, en defensa de los compañeros/víctimas y de la propia vida. Son escenas destacables la muerte de Lima tras el parto, la llegada de Lincoln y Jordan al exterior, la constatación de que los "agnates" de la serie eco han resultado por error mejores de lo previsto, la visita de los clientes potenciales a la residencia.

La música combina melodía, percusión, coros y abundantes efectos digitales. La música añadida, de gran calidad, incluye fragmentos clásicos, como el "Kyrie" de Palestrina, "Nessun dorma" de Puccini, una cantata de Bach y otra de Mozart, y algunas canciones ligeras, como "Siboney". La banda, efectista y envolvente, evita estridencias sonoras. La fotografía incluye efectos digitales, flashes de luz intensos, secuencias de estética de videoclip y una cámara volátil, rápida y espectacular. Predominan los azules en interiores y los dorados en el exterior. Muy de agradecer la inclusión de un cuadro de Picasso ("La mujer sentada. Jacqueline", 1962) y un cartel de Franz Kline. Habitualmente la pintura que se exhibe en el cine es execrable. El guión narra, en clave de thriller, una historia de amor y lucha por la vida, atractiva y grata. Construye un crescendo, acertado y bien dosificado, de suspense. La interpretación de los protagonistas y las de Buscemi (McCord) y Sean Bean (Maverick) son muy meritorias. La dirección construye una obra absorbente de entretenimiento y acción.

Película de evasión que, más allá del efectismo prevalente, apela a la reflexión y muestra la imperiosa necesidad del espíritu crítico.

La película se basa en la novela homónima del japonés Yukio Mishima, un hombre controvertido y malogrado, que en 1970 se suicidó ante el Jefe del Estado Mayor del Ejército en protesta por la reducción de las inversiones en armamento.

La narración traslada la acción del Japón de Postguerra al París actual. Explica la relación entre una mujer de poco más de 40 años, instruída, madura, equilibrada, bien situada profesionalmente y socialmente, y un joven de 25 años, de origen marroquí, que trabaja como camarero en un bar de ambiente y complementa sus ingresos prostituyéndose con clientes de ambos sexos. El interés de Dominique por Quentin se apoya en la atracción física, en el deseo carnal, en el apetito sexual, sin dejar espacio al afecto y al cariño. El interés de Quentin en la nueva relación (acaba de salir de un romance con un abogado entrado en años) se basa en la curiosidad que despierta en él una mujer atractiva, solvente y económicamente generosa. Sin embargo, entre ellos hay más silencios que explicaciones y más disimulos que sinceridad.

De acuerdo con la novela, la mujer asume en la película un papel más activo que el del hombre. Dominique es quien lleva la iniciativa, ofrece protección, domina y manipula, mientras el muchacho asume un papel más bien pasivo: ser un objeto de uso, un instrumento de placer. Cuando ella se convence de que la relación es inviable, decide romperla. Más adelante volverán a encontrarse, pero será tarde para muchas cosas.

La dirección concentra la atención del film en el personaje interpretado por Isabelle Huppert, que aparece radiante, serena, segura, dotada de una belleza poco común: es pelirroja, de piel blanca y pecosa y de ojos verdes, de un verde tierno, joven y admirable. En su interior hay un capital enorme de independencia, de autosuficiencia, de conciencia de la igualdad de géneros y de cultura puesta al día. Es por ello por lo que en su interior se desarrolla un drama que enfrenta deseos e ideales, voluntad y apetitos, fuerza moral y debilidad emocional, necesidad de amor e imposibilidad de romance.

La interpretación de la protagonista, convincente, verosímil y desenvuelta, es lo más sobresaliente de la película.

Marco Ferreri convocó para la realización de la película a un extraordinario elenco de actores franceses e italianos y a un número elevado de figurantes. La obra parodia desde una perspectiva satírica e irónica las batallas del general Custer contra los indios y las andanzas de Búfalo Bill. Los personajes son caricaturescos, la acción contiene episodios excesivos y el lenguaje emplea expresiones desmesuradas. La ironía y la sátira habitualmente se combinan mejor con la moderación que con el exceso. El resultado es una extraña comedia del oeste, ubicada en exteriores del París de los años 70, inverosímil y surrealista. Forma parte de una trilogía junto con "La gran comilona" y "La otra mujer".