Adam es un film indie que formó parte de la sección oficial de Sundance de 2019 y que supone la ópera prima cinematográfica de Rhys Ernst, productor y director de la serie Transparent. La película es la adaptación del libro de 2014 escrito por Ariel Schrag (quien ejerce de guionista en el film) en la que se narra las vivencias de Adam, un adolescente introvertido y vergonzoso que no ha mantenido relaciones sexuales con ninguna mujer y que pasará el verano de su vida en Nueva York. Adam tiene una mente abierta, aunque es terriblemente despistado e introspectivo, así que en muchos momentos se verá superado por situaciones en que surgirán lecciones espontaneas sobre sexualidad. El extremo se alcanzará en el momento en que conozca a Gillian, una mujer lesbiana que se siente atraída por él al pensar que se trata de un chico trans. Toda la película se basa en el choque inicial que sufre Adam al adentrarse en el mundo LGTBI para ver como poco a poco recibe un curso avanzado sobre identidad y género, inicialmente para prepara su coartada, y a la larga, para aumentar su comprensión y educación hacia esa realidad. Pese a lo arquetípico de sus personajes en el que destaca un entrañable Nicholas Alexander que hace totalmente creíble al personaje protagonista, el film es una didáctica y accesible obra indie que funciona mejor en su primera parte, más desenfadada, que conforme avanza el metraje y se toma más en serio a sí misma. Una temporada clave en la vida de un adolescente, cargada de experiencias y aprendizajes, la mayoría mostradas con brocha gorda y algunas de ellas (pocas) con algo más de sutilidad.

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“El ángel exterminador” fue realizada en México tras el éxito internacional de “Viridiana”, siendo producida de nuevo por Gustavo Alatriste y contando también de nuevo en el reparto con Silvia Pinal. Buñuel quería profundizar a través del surrealismo en dos temáticas de su interés: en la degradación del comportamiento de una refinada aristocracia en una situación de catástrofe y en lo inexplicable de la propia desgracia vivida, provocando la lucha del ser humano frente a un suceso desconocido y aleatorio. Buñuel utiliza el surrealismo, los momentos oníricos, la repetición y el sentido del humor para hacer mofa de la degradación del comportamiento humano en situaciones extremas, poniendo especial foco en una clase social que se cree superior por el mero hecho de ser privilegiada económicamente. El film resulta críptico y la cantidad de bromas privadas y recuerdos de juventud que contiene lo convierten en una obra de autor con múltiples interpretaciones que generan controversia aún hoy en día. Una crítica a la burguesía, a una clase social encerrada en si misma que pese a su aparentemente refinado comportamiento está cargada de falsas apariencias, traiciones e infidelidades. En definitiva, un nuevo retrato de la mezquindad de la naturaleza humana con todos los elementos comunes del cine de Buñuel, quien tuvo el control creativo total en una obra que le dejó un sabor amargo por no poder contar con todos los medios que necesitaba. El propio Luis Buñuel realizó diez años después una reinterpreación del “Ángel exterminador”, dirigiendo y escribiendo la película francesa “El discreto encanto de la burguesía”.

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“Viridiana” es la única película española que ha ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes (premio ex-aequo junto a “Una larga ausencia” de Henri Colpi). El film, como el resto de películas del maestro Buñuel, contiene los elementos tan representativos de su cine: escenas surrealistas cargadas de simbolismo, momentos oníricos, personajes con comportamientos extremos y crítica a la religión y a las clases sociales más pudientes. Basada en la novela “Halma” de Benito Pérez Galdós, la obra supone un mazazo a la caridad, a la beneficencia, al idealismo cristiano (en contraste con la realidad) y en cierto modo, a la naturaleza humana, mostrando una visión destructiva y egoísta de ésta, incluso en los momentos en que la bondad abraza a los más desfavorecidos. En el reparto destacan tres nombres: Silvia Pinal como la bondadosa Viridiana, Fernando Rey como el sufrido señor de la Hacienda y Francisco Rabal como el egoísta hijo del adinerado señor, sin desmerecer a todo el reparto que encarna a los vagabundos. La cantidad de escenas cargadas de simbolismos son apabullantes: la novicia agarrando las ubres de una vaca, el crucifijo que se convierte en navaja, el perro arrastrado por una carreta, la corona de espinas en el equipaje… pero por encima de todas brilla la recreación de La última cena de Leonardo Da Vinci. En un momento de pecaminosa liberación, los vagabundos acogidos por Viridiana aprovechan la ausencia de los dueños de la casa para organizar una gran comilona, y al tomarse una, posan exactamente como Jesús y los doce apóstoles. Una escena grabada a fuego en la historia del cine. Tras la guerra civil española, Luis Buñuel vivía exiliado en México, pero decidió volver a España para rodar la película, provocando duras críticas de los republicanos españoles en el exilio. El film fue duramente atacado por el periódico de la Ciudad del Vaticano, provocando su prohibición en España e Italia, de hecho, no se estrenó en España hasta 1977, tras la muerte del dictador.

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“El vacío” es una película de terror canadiense dirigida por Jeremy Gillespie y Steven Kostanski que consiguió parte de su financiación a través de crowdfunding. Mientras está patrullando por la carretera que cruza el bosque, el policía Daniel Carter se topa con un joven malherido. El hospital general se encuentra a demasiada distancia, y el temor de que el joven pueda fallecer hace que decida llevarlo a un centro más pequeño que está siendo trasladado por culpa de los incendios. El centro solo cuenta con un médico, dos enfermeras y una practicante. Este pequeño equipo tendrá que lidiar con un enfermo, una mujer embarazada y su abuelo. Pero ese no será el mayor de los males. Una agresiva criatura aparece dentro del hospital y en los alrededores del centro se congrega un grupo de hombres encapuchados armados con cuchillos. Es evidente que Gillespie y Kostanski rinden pleitesía a Cronenberg, Carpenter, Barker y Lovecraft, pero su homenaje se queda lejos en lo argumental y atmosférico para acercarse únicamente en las excelentes recreaciones de criaturas y aberraciones que plagan el metraje. Una delicatessen de monstruosidades que llega a su punto álgido en el momento en que los protagonistas acceden al sótano, un infierno cargado de criaturas malformadas y viscosas que hará las delicias de los aficionados al cine de terror de los años 80. Toda una declaración de intenciones en la que se apuesta por el látex y lo analógico, huyendo de la saturación de efectos digitales que inundan en la actualidad la mayoría de propuestas del género. Horror cósmico, sectas y criaturas infernales en una modesta propuesta que destaca por sus efectos tradicionales.

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“El hombre de mimbre” es considerada una obra de culto del cine británico de los años 70, dirigida por Robin Hardy, escrita por Anthony Shaffer (basada en parte en la novela “Ritual” de David Pinner) y protagonizada por Edward Woodward y el mítico Christopher Lee. El sargento Neil Howie de la policía de Scotland Yard ha recibido una carta que le hace sospechar sobre el secuestro de una joven en una remota isla al norte de Inglaterra. Vuela en hidroavión hasta la lejana isla de Summerisle y allí comienza su investigación. El puritanismo que muestra Howie choca de lleno con el culto pagano basado en la libertad sexual, la música y las creencias alejadas del cristianismo que rige la isla. Eso entorpece la investigación, ya que el sargento no solo tendrá que enfrentarse a los propios inconvenientes de la investigación, también tendrá que luchar contra unas costumbres que le son extrañas y hostiles. Esa dualidad alcanzará su momento álgido cuando conozca a Lord Summerisle, el líder religioso de la comunidad. Provocadora, cargada de imágenes llenas de erotismo y de canciones con doble sentido, “El hombre de mimbre” es una obra primigenia inspiradora de gran cantidad de films centrados en narrar las curiosas costumbres de una comunidad aislada (por poner dos ejemplos, “El bosque” o “Midsommar”). El totalitarismo de la religión cristiana frente otras opciones de culto. La abstinencia frente a la libertad sexual. La extrema corrección frente a la barbarie. Film primigenio de todo un subgénero que cuenta con el mítico actor Christopher Lee, quien reconoció públicamente que se trataba de la mejor interpretación de toda su carrera. Una advertencia: no confundir con el remake de 2006 protagonizado por Nicolas Cage, una auténtica aberración pagana.

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