'Valle de sombras' nos adentra en la cordillera del Himalaya perteneciente a la región india y, más específicamente como el nombre indica, en el valle de Kullu, una zona marcada a lo largo de los años por extrañas muertes y desapariciones. En ese contexto la película va al grano y arranca con un joven Quique llegando a una comisaría para denunciar un crimen. El misterio queda sembrado y viajamos con él, cuatro meses antes, para ver lo sucedido.

Tal vez ahí surge el problema principal del film: las expectativas que crea. Si bien se plantea como un thriller, lo cierto es que acaba siendo puro drama. Así pues, uno espera un cierto dinamismo e intriga, pero se encuentra en la mitad del film estancado como el propio protagonista, incapaz de salir del valle hasta la llegada del invierno.

El guion irregular va dosificando a cuentagotas las acciones que permiten avances argumentales y roza el tedio por momentos, mientras que en otros avanza a trompicones y, al final, cierra con una no-resolución insatisfactoria. Además, la explicitud de una determinada secuencia de extrema dureza genera una innecesaria incomodidad y, al posicionar la cámara en determinados ángulos, una extrema frivolidad.

Pese a ello, el diseño de producción está tremendamente cuidado y Miguel Herrán carga sobre su actuación todo el peso de la cinta y facilita la conexión con el espectador –a pesar de que el guion le obligue a constantes escenas de lamentaciones y lloros–. Él permite reenfocar el peso de la historia en aquello latente: un relato de superación, una lucha por volver a casa y un diálogo entre el duelo y la culpa. Y, entre todo ello, 'Valle de sombras' deja espacio para enfatizar el valor de la hospitalidad, la escucha atenta, la sanación personal o el respeto intercultural.

www.contraste.info

Los dramáticos acontecimientos que narra Queridos camaradas sucedieron realmente y son conocidos como “la masacre de Novocherkassk”. Con ellos como eje central del guion, el veterano director Andrei Konchalovsky elabora una ardua, intensa y extraordinaria película.

Durante todo el metraje, seguimos a Lyuda: una mujer inquieta y acelerada, en constante conflicto con ella misma y con la gente que le rodea, magníficamente interpretada por Yuliya Vysotskaya. Su fe en el partido y en el socialismo choca con la realidad de la pobreza y la falta de libertades. Sin embargo, la necesidad de estabilidad y de anclaje mental y emocional le llevan a intentar no dialogar con ella misma ni con sus dudas. El resultado es de una complejidad humanamente asombrosa y magistralmente reflejada por Konchalovsky.

Los demás personajes, su hija, su amante o los distintos jerarcas del partido, tienen también una riqueza muy atrayente a pesar de que puedan aparecer tan solo unos minutos en la proyección, como es el caso de la peluquera o de la joven que llevan detenida por su propia incontinencia verbal. En especial, aunque sea personalmente, el papel del padre de Lyuda me parece fascinante. Representa el pasado y el presente, la pasividad del final de la existencia y la preocupación por el futuro de su familia, el desencanto del ateísmo y de la fe en el comunismo con el tacto solemne con el que desenvuelve un viejo icono; una variedad de ideas y sensaciones con el pasmoso realismo de una camiseta, la cojera y el cigarrillo colgando de los labios.

Konchalovsky despliega su maestría en todos los aspectos del film. El uso del blanco y negro acompaña el drama y centra la atención en las actitudes de los protagonistas. No obstante, donde creo que realiza su mejor apuesta es en una planificación cerrada que utiliza tabiques, puertas y escaleras para mostrar la división, interior y exterior, que sufren los personajes. Tomas cortadas y desequilibradas al lado de otras abiertas y limpias son una curiosa metáfora de la grandeza de un país en la que creen firme y entregadamente sus habitantes, aunque en el día a día solo noten cómo se desmoronan sus vidas.

En definitiva, un buen relato de un hecho histórico no tan lejano como puede parecer y un gran drama humano difícil, pero impactante.

www.contraste.info

El título del debut de Toño López da pie a pensar en una parodia de ese término tan español que es el “cuñadismo” y esperar roles cliché, personalidades con mucha fachada, que opinan de todo sin saber de nada y chistes típicos en torno al grado de parentesco. Sin embargo, el director se aleja del producto fácil e hila una comedia encantadora alrededor de personajes bienintencionados, que poco o nada tienen que ver con la concepción de cuñado que existe hoy en día.

El guion acierta haciendo humor de las desventuras de los hombres y creando situaciones hilarantes. De esta manera, evita abandonarse en bromas repetitivas o de mal gusto, que podrían exasperar al espectador en vez de hacerle reír. En lugar de ello, la audiencia se encuentra sonriendo ante las peripecias de unos sujetos que quieren salvar la empresa familiar de modo descabellado.

Ni la trama ni la técnica aportan nada que no se haya visto antes, pero aun así la coyuntura tiene algún toque creativo y los protagonistas desprenden una peculiar bondad que los hace atractivos. Además, la interpretación de Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira y Federico Pérez Rey no es demasiado exagerada, lo que otorga un tinte realista al disparatado relato.

Hay momentos que no tienen desperdicio y abocan a la carcajada y, en general, el film es vitalista y alegre. Por eso, el público se queda con una sensación agradable más allá de los instantes graciosos. Asimismo, las relaciones personales que se muestran son en su mayoría optimistas y tiernas –sin querer ocultar los problemas cotidianos­– contribuyendo también a mantener la atmósfera positiva que se respira en todo el metraje.

Sin ser nada único o memorable, Cuñados es una película ligera y familiar para pasar un rato agradable disfrutando de las ideas peregrinas de unos individuos que, en el fondo, solo quieren lo mejor para su familia y amigos.

www.contraste.info

En 1997, Men in Black (Hombres de Negro) descubría a una de las parejas con más química de las producciones de cienca ficción –salvando el idilio de la Sargento Ripley con Alien– al juntar Will Smith y Tomy Lee Curtis tratando de descubrir los planes alienígenas para acabar con el planeta. La película se convirtió en un éxito de taquilla y trajo dos secuelas que no llegaron al nivel de la primera.

Esta nueva versión nos trae un cambio de parejas y por primera vez tenemos una Woman in Black. Se trata de Tessa Thompson conocida por su rol de guerrera Valkiria en Los Vengadores. Molly es una joven obsesionada por descrubir el origen del Universo desde que se topara con un extraterrestre en su habitación. Los Men in Black de entonces usaron el mítico borrado de memoria con sus padres, pero no repararon que ella lo observaba desde la ventana. El proceso de Molly para unirse a esa secreta división del FBI es ingenioso y la presencia de Emma Thomson es suficiente para justificar cualquier escena.

La novata se une en su primera misión con el Agente H, el más apuesto y exitoso agente galático; una especie de 007 interplanetario. Y es que Chris Hemsworth ha ido ganando enteros desde que los guionistas de Marvel decidieron caricaturizar el personaje de Thor, papel que borda el actor australiano. Poco a poco se puede ir convirtiendo en el nuevo Harrison Ford. Tiempo al tiempo.

Por lo demás, el guión es previsible, lleno de apaños y remiendos. Los efectos especiales se repiten una y otra vez: el tren, el coche, los extraterrestres, etc. Pero lo cierto, es que el film es muy entretenido y el buen hacer de los protagonistas y unos secundarios de lujo (Nesson, Thomson, Fergusson) consiguen un buen producto para pasar un rato divertido.

www.contraste.info

Entre el Gordo y el Flaco hay algo más que peso; juntos hicieron más de 30 cortometrajes mudos, 40 cortos sonoros, 20 largometrajes y 10 cameos. Y es que, entre muchas de las parejas cómicas de la historia del cine, Stan Laurel y Oliver Hardy están considerados como unos de los mejores humoristas del séptimo arte.

La propuesta era arriesgada. Sin embargo, Jon S. Baird y su equipo la han sabido ejecutar sin escatimar en detalles ni añadir florituras innecesarias. Jon, que después de Filth, el sucio (con James McAvoy) se había estado dedicando a las series de televisión, ahora vuelve con fuerza a la gran pantalla. Pero es Jeff Pope, un gran admirador del dúo cómico y conocido productor y guionista, quien se encarga de sacar a relucir la gira teatral que realizó la pareja por el Reino Unido a principios de los 50.

Pope y Baird cuentan con dos excelentes actuaciones. Por un lado Steve Coogan, que ya había colaborado con Pope en el guion nominado al Óscar de Philomena y, por otro, el cómico John C. Reilly (Chicago, Guardianes de la galaxia). Ambos se han llevado nominaciones por estas interpretaciones en los Globos de Oro y los BAFTA.

El film sabe arrojar luz sobre un periodo concreto de este dúo y descubre mucho más que una mera biografía. El tesoro se encuentra en dos personas muy distintas a las que les une algo más que sus personajes. Así que, entre payasadas y lagrimillas, no solamente celebran la grandeza del Gordo y el Flaco sino que retratan una alabanza a la amistad.

Contraste.info