Parece casi imposible poder conectar el infinito con lo más íntimo. ¿Acaso es posible encontrarse a uno mismo dentro de la más vasta y absoluta soledad del espacio? Eso es exactamente lo que ha conseguido James Gray (La otra cara del crimen, La noche es nuestra, Two Lovers), realizador de esta maravillosa Ad Astra.

Gray es un director que podríamos decir se encuentra obsesionado por diseccionar las relaciones humanas y los sentimientos más profundos en cada uno de sus filmes. Sus personajes vagan de manera constante en busca de algo que les ofrezca sentido.

Y Ad Astra no es una excepción. Una producción que muestra dos búsquedas, diferentes entre sí, pero condenadas a encontrarse en medio de las estrellas. La de Roy McBride, interpretado por Brad Pitt, tras la figura de un padre ausente; y la de éste, Clifford McBride, encarnado por Tommy Lee Jones, que desea encontrar la eterna respuesta a si estamos solos en el universo.

La inmensidad inabarcable del espacio puede albergar respuestas a los grandes misterios de la humanidad sí, pero también ofrecer redención y liberación, para un personaje, el de Pitt, cargado de remordimientos, que debe enfrentarse a sus errores, a sus prioridades vitales y a la aceptación de unos sentimientos causados por una difícil relación con su padre. Aquí es donde chocan lo infinito y lo íntimo o quizás uno sea el desencadenante del otro.

Pero, además, hay que alabar la inteligencia y la maestría con la que James Gray teje semejante escenario. Porque no faltan dosificadas pero constantes pinceladas de acción y suspense, que consiguen construir una narración con un ritmo admirable, con dos horas de metraje que se pasan volando gracias a ese sentimiento de incertidumbre que te alberga durante toda la proyección.

Un discreta banda sonora juega también con el silencio total en momentos clave, así como la intensa gama cromática solo presente en ciertas escenas, la deshumanización de los escenarios según nos alejamos de la Tierra… No hay nada dejado al azar en esta inspirada producción, todo está calculado para producir el efecto deseado, acompañando al personaje de Pitt en su viaje hacia la liberación.

Pitt, productor de la cinta, es, desde luego, lo más flojo de una admirable película. Protagonista absoluto de Ad Astra, la cámara le sigue incansable, fijándose tercamente en su rostro, en su mirada, intentando desvelar cada uno de sus sentimientos. Pero, ¡ay!, mucho me temo que el señor Pitt no está a la altura de semejante proeza. Muy pocos actores pueden pasar tal examen con matrícula de honor, y claramente Brad Pitt no forma parte de ellos. No puedo dejar de pensar en lo que un intérprete de la talla de Joaquin Phoenix (actor fetiche de James Gray, por cierto) o Michael Fassbender, por citar un par de nombres, podrían haber construido. Como bien demuestran dos veteranos con muy buen hacer, Tommy Lee Jones y Donald Sutherland, que aprovechan sus escasos momentos de visibilidad para atrapar todas las miradas.

Afortunadamente, solo puedo celebrar todos y cada uno del resto de elementos que conforman esta Ad Astra, que está llamada a convertirse en otro clásico moderno de la ciencia ficción.

Lo mejor: el impresionante viaje hacia las entrañas de lo desconocido para encontrar lo más íntimo del alma humana

Lo peor: la interpretación de Pitt, no se encuentra a la altura, el veterano Donald Sutherland se lo come con patatas en los pocos minutos que se encuentra en pantalla. La voz en off, como en el caso de la versión original de Blade Runner, es totalmente prescindible.

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Si has visitado las redes sociales últimamente, verás el pequeño revuelo que ha suscitado el estreno de John Wick: capítulo 3 – Parabellum. Y verás que también muchos se extrañan del interés inusitado a una franquicia que se ha creado en torno a una primera parte considerada casi de culto. Sobre todo, en nuestro país, donde no se estrenó en cines.

Entonces, ¿está justificado ese revuelo? ¡Pues claro que sí! La trilogía del letal asesino John Wick es lo mejor que le ha pasado al cine de acción (aparte de la renacida saga de 007) de los últimos 20 años (o incluso más), no tengo ningún problema en defender esta opinión a muerte. Pero, ¿qué es lo que diferencia a John Wick del resto? Lo que ha deslumbrado a propios y a extraños ha sido la calidad, complejidad y veracidad de las escenas de lucha.

No solo porque el director, Chad Stahelski, haya sido doble del mismísimo Keanu Reeves en Matrix y coordinador de todas las escenas de lucha de sus secuelas, sino que, si has buceado un poco en este universo, habrás descubierto la increíble preparación de su protagonista. Porque sí, Keanu Reeves se ha encargado de realizar la casi totalidad de las escenas de acción, sin dobles. Y el resultado se nota, mucho, muchísimo. Si unimos las perfectas coreografías con la eficacia de este asesino a sueldo, ya tienes gran parte del éxito de la saga.

La anterior entrega, la mejor de toda la saga, John Wick 2: Pacto de sangre, dejó uno de los mejores “cliffhangers” (final inesperado a falta de resolución) que se han visto últimamente. Wick era declarado excomunicado, con la prohibición a todo el universo criminal de prestarle ayuda. Pero no solo eso, sino que se anunció un contrato por su vida por valor de 14 millones de dólares.

Por eso, el hilo conductor de esta tercera entrega no es otra que la supervivencia de Wick ante la persecución a la que se verá sometido. Lo siguiente son dos horas de escenas de lucha encadenadas unas tras otras sin descanso, ni para el protagonista ni para el respetable. Como novedad, se incluye el personaje de la estupenda Halle Berry y sus temibles perros, que se convierten en una nueva arma letal; y la de un enemigo, Mark Dacascos, tan mortífero como fan de la leyenda de Baba Yaga.

Y ahora viene lo importante, esta tercera parte ¿entrega lo que se prometía? Sí, dos horas repletas de acción y peleas, con la introducción de nuevas armas (imposible seguir viendo los libros de la misma manera) y la inmersión un poco más en detalle en este peculiar mundo de criminales. Y, ¿supera a las anteriores entregas? Ahí lamento decir que no. Esta saga nunca se ha distinguido por la complejidad de su argumento, pero es que aquí directamente se prescinde de tener una mínima historia. Incluso sorprende lo poco que sabemos de un personaje tan interesante como el interpretado por Halle Berry; o todo lo que implica lo que vemos en conexión con el de Anjelica Huston. También, en esta última entrega, las coreografías no son tan brillantes como en las anteriores, y eso se nota, ya que es el pilar fundamental de cualquiera de estos filmes.

Aún así, pese a no superar a sus antecesoras, especialmente a la fantástica segunda parte, sigue mereciendo deleitarnos con todo de lo que es capaz nuestro Baba Yaga.

Lo mejor: Keanu Reeves y su personaje se han convertido en un referente cinematográfico, y eso no es fácil.

Lo peor: la falta total de argumento o hilo conductor.

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Han sido en total 11 años y 22 películas. Todo formando parte del universo de los Vengadores. Todo hasta llegar a esta Vengadores: Endgame. Con altibajos, con títulos mejores, peores, olvidables y alguno, casi memorable.

Tras el sorprendente (aunque claramente tramposo) final de Vengadores: Infinity War, la expectación entre los fans era tal que el filme está pulverizando récords de taquilla, incluso amenazando al (hasta ahora) inalcanzable número de Avatar (aunque debido al precio excesivo del 3D).

Pero, ¿realmente merece la pena? Disfrutar de la película: sí. Situarse como el filme más taquillero de la historia: aquí solo recordar que cantidad no es igual a calidad. Pero claramente los directores Anthony y Joe Russo han sabido crear un final a la altura de las expectativas y de un fenómeno fan y comercial sin precedentes.

Me gusta especialmente que los Russo se hayan tomado su tiempo en seguir construyendo a los personajes, en reforzar la trama, antes de centrarse de pleno en el impactante espectáculo de acción.

Quizás haya fans que no hayan disfrutado tanto de esa primera parte, pero creo que se trata de un acierto. Y que nadie tema, porque la acción es apabullante, como debe ser en un producto de este tipo.

Por supuesto, no vamos a desvelar nada de lo que ocurre, basta saber que, como se esperaba, se trata de llegar a una épica batalla entre el bien y el mal, entre los Vengadores y ese Thanos tan lógico como implacable.

La gran cantidad de estrellas que componen el reparto cumplen con creces en sus respectivos personajes, mientras los efectos especiales hacen lo propio para acompañar esta fantasía. Aunque me siguen sin gustar los personajes completamente digitales como el temido Thanos.

Resumiendo: sí, id a verla. Esta producción no sólo es tremendamente entretenida y por momentos divertida, sino que supone el broche de oro a toda una saga que, pese a este final, seguirá sacando provecho de sus personajes (con la próxima aventura de Spiderman o el proyectado estreno en solitario de la Viuda Negra). De hecho, este filme te hará pasar un rato tan bueno, que hasta te olvidas de ciertas imprecisiones o sinsentido narrativo.

Lo mejor: Thor. Siguiendo el tono de la maravillosa Thor: Ragnarok, esta versión paródica del Dios del trueno es lo más acertado de la película, con un Chris Hemsworth que destaca por su bis cómica y que nos ofrece otro tipo de superhéroe (muy de agradecer entre tanta perfección).

Lo peor: Hulk. El caso contrario es el de La Masa, como el personaje más absurdo y cargante de esta última entrega. Y, hablando de cosas absurdas, el recurso de contar con la Capitana Marvel solo y únicamente cuando lo necesito y me viene bien para solucionar situaciones complicadas, aunque no venga a cuento.

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Algún día deberíamos debatir sobre el papel de los trailers en la promoción de las producciones cinematográficas. Sin duda, si existieran galardones que reconocieran este modo de promoción, el de Nosotros ganaría el primer premio.

Porque esta Nosotros, dirigida por Jordan Peele (Déjame salir), se nos presentaba como una de las películas de terror del año. Y, sin embargo, deberíamos definirla mucho mejor como un thriller, más o menos psicológico, con algunas inspiradas escenas del cine de terror.

La sobrevalorada ópera prima, Déjame salir, ha colocado a su realizador el cartel no sólo de gran promesa del cine, sino de gran director, incluso con una sola cinta a sus espaldas. Y coincido en que Peele es un muy buen realizador. Aquí, la puesta en escena es brillante en muchas ocasiones, igual que la composición (perfecta, estética y bella). Sería absurdo negar el talento visual que tiene el director, y que en Nosotros vuelve a reafirmar. El conjunto total del filme es ya otra cosa.

Lo que anticipábamos como un ejercicio de cine de género, se diluye entre una larga presentación de personajes y un devenir hacia una mera cinta de persecuciones y de juego del ratón y el gato. Y es una auténtica pena, porque la idea de personificar las partes oscuras que residen en lo más profundo de cada uno de nosotros, de dotar de identidad a esas sombras, es casi una genialidad. Lo mismo ocurre con la presentación de esas sombras, enfrentándose de manera amenazante a sus privilegiados alter egos, que resulta maravillosamente aterradora. Lástima que el desarrollo de la producción abandone ese tratamiento para mostrar un más típico tema de supervivencia.

Encontramos lo mejor de este filme en las interpretaciones de sus actores. Lupita Nyong'o realiza un impresionante trabajo, desdoblándose en dos personajes antitéticos con una convicción aterradora. No me extrañaría que le llovieran (merecidas) nominaciones por este papel. Y se encuentra además muy bien arropada por los jóvenes Shahadi Wright Joseph y Evan Alex, como sus hijos, que realizan unas buenas interpretaciones.

Por último, sin desvelar nada del filme (nunca incluyo spoilers en mis críticas), la propuesta carece además de lógica. Dentro del género, y sea terror o aquí el más apropiador thriller, se permiten ciertos componentes paranormales o fantasiosos, pero creo que las "explicaciones" deben tener algo de sentido, cosa que aquí no ocurre.

Lo mejor: la impresionante interpretación de Lupita Nyong'o, y la presentación de la familia de sombras, aterradora.

Lo peor: el filme no cumple las expectativas creadas.

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Esta Dolor y gloria, último trabajo del director Pedro Almodóvar, podría considerarse casi como una redención pública, una confesión cinematográfica. Tremendamente íntima y personal, supone el exorcismo de los fantasmas del pasado del realizador manchego, pareciera un modo de disculparse por sus errores. Aunque también me produce la sensación de querer, de alguna manera, exhonerarse de alguno de ellos.

Y todo lo anterior está realmente bien, ¿qué otro tipo de catarsis puede encontrar un cineasta que plasmarlo en una película? El problema que yo encuentro en Dolor y gloria es que me pregunto hasta qué punto es relevante para mí como espectador.

Al fin y al cabo, se trata de una cinta centrada en un personaje, Antonio Banderas como un alter ego del propio Almodóvar, que resulta bastante antipático, por más que intente provocar pena por sus problemas de salud (no tengo ninguna duda que terribles).

Un director de cine bloqueado y en horas bajas, que se enfrenta a duras situaciones personales, pero que sigue atrapado en la misma dinámica de malas decisiones.

Almodóvar sigue plasmando temas ya tratados a lo largo de su cinematografía, como son la soledad, el amor (o desamor), el recuerdo idealizado de la niñez, el deseo o despertar sexual y la pérdida.

Sin duda, lo mejor del filme se encuentra precisamente en los recuerdos de su niñez, con su madre (a la que da vida una fantástica  Penélope Cruz), y que contiene un tono muy diferente, luminoso, al que marca cuando se acerca al presente.

No faltan escenas bellamente compuestas ni la mano del que es un gran realizador, pese a que la película me parezca intrascendente y que no aporte nada a su filmografía más que el ejercicio liberador de sincerarse.

Hay que destacar la gran cantidad de actores reconocidos que pueblan esta revisión personal de la vida del director: Leonardo Sbaraglia, Raúl Arévalo, Nora Navas, Cecilia Roth, Julián López, Julieta Serrano y hasta Rosalía. Además del sobrio y excelente trabajo de Antonio Banderas, debo admirar la interpretación de Penélope Cruz que, como ocurre con José Coronado, con el tiempo se ha convertido en una maravillosa actriz; mientras Asier Etxeandia resulta no sólo correcto, sino convincente.

Lo mejor: las escenas de la niñez, el sobrio trabajo de Antonio Banderas y el muy destacable de Penélope Cruz.

Lo peor: esto es una afirmación puramente subjetiva, pero me parece que el ego del director le ha impedido desnudarse de verdad en esta muestra de redención artística.

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