Devilman Crybaby es la adaptación de un manga shōnen de terror cósmico (y remake de su primera adaptación al anime) publicado 45 años antes, obra de Gō Nagai (Mazinger Z): Devilman, una obra original en su día, pionera del género sekaikei e injustamente olvidada, pero que acusa cierto desgaste en la actualidad por la sobreexplotación de sus ideas en otras series posteriores, por la presencia de algún elemento desfasado y por un dibujo que hoy puede parecer poco trabajado. Este nuevo anime cuenta con una simplificación de su trama y una adición de "material adulto" y filosofía obvia a fin de intentar disfrazarlo de seinen trascendente.

Como anime, Devilman Crybaby es visualmente transgresor, pero no hay prácticamente nada nuevo en su argumento, en sus personajes, ni en su contenido; y eso obviando que es una adaptación, pues, como he adelantado, es está basado en un manga de 1972, que cuenta con adaptaciones previas y derivados en formatos varios (incluyendo crossovers con otras obras del autor). Su premisa inicial (genial en su momento) ha perdido fuerza en todo este tiempo y hoy parece un concepto trillado como pocos, eso sí, Masaaki Yuasa le otorga una envoltura muy llamativa: una estética gore y tenebrosa (ya presente en el manga, Yuasa la explota acertadamente en una clara exhortación al público adulto), un montón de secuencias que rayan en lo psicodélico y sexo bastante explícito (salvo por una excepción no humana, sin genitales, no sea que en una serie en la que vuelan las cabezas y los órganos internos se traumatice alguien al ver un pene o una vulva) pero tan deliberadamente desagradable que en ningún caso puede confundirse con fanservice. Sin olvidar su distintiva banda sonora.

La línea argumental central sigue a Akira, un humano poseído por el demonio Amon pero que ha logrado imponerse a este, conservando su mente y su "corazón humano". Akira, quien se otorga el apodo de Devilman, comienza una encarnizada lucha contra los demonios que amenazan a la humanidad. Así pues, inicialmente y dejando a un lado su peculiar estética, Devilman Crybaby no destaca en absoluto: demonios que aparecen por todas partes y un demonio (en este caso, un humano poseído/fusionado) que se pone del lado de la humanidad para combatirlos. Un planteamiento visto mil veces en anime, cómics y videojuegos desde que el manga original de Devilman apareció; y si cambiamos los demonios por cualquier otra criatura sobrenatural o extraterrestre, es todavía mucho más frecuente. Eso sí, como he mencionado, Devilman antecede a muchos de estos trabajos e irónicamente ha sido inspiración o ha influido de algún modo en casi todos ellos.

Según avanza la serie, va derivando hacia el típico anime de pretendido contenido psicológico y filosófico; y sí, plantea alguna cuestión interesante, aunque de forma superficial y caricaturizada, y, por supuesto, busca el mensaje moralizante simulando no aspirar a ello. A ratos parece querer ser Evangelion pese a que (de nuevo, irónicamente) el manga de Devilman es anterior a Evangelion y se nota su influencia en ella.

Principalmente, Devilman Crybaby expone (y critica duramente) los vicios de la humanidad (al principio, casi exclusivamente gente joven). El problema es que mete en el mismo saco cosas que no tienen nada que ver como si fueran inevitablemente unidas, como las drogas y el sexo. El resultado es una estigmatización del sexo tan errónea como innecesaria (algo que viene del manga, aunque puede ser comprensible por el contexto en el que fue escrito). Por si fuera poco, al final termina convirtiendo la sexualidad en algo maligno y estúpido (con escenas tan poco sutiles como Miko rebuznando mientras se masturba) propia sólo de adolescentes drogados y demonios. Ahí es nada.

Posteriormente, los demonios quedan al descubierto y se desata una guerra entre estos y los humanos, con Devilman en medio. Esta es la parte más interesante por distintos motivos (mérito de Nagai), sobre todo, por sus su crítica a los prejuicios, pero no está exenta de errores. La visión que se da de la humanidad es tan pesimista como simplista: casi toda la gente es cruel, actúa de una forma increíblemente estúpida o nada creíble (con momentos de una ingenuidad asombrosa). Por otro lado, la tensión es constante, porque todos los personajes pueden morir en casi cualquier momento (también mérito de Nagai) y además se hace un uso muy inteligente del cliffhanger (casi todos los capítulos terminan con uno).

Más allá de los avances en la animación, lo único que justificaría una nueva versión de Devilman sería mejorar la propia historia del manga. Sin embargo, la adaptación que hace el guionista Ichirō Ōkouchi, aunque fiel, no sólo no la mejora sino que ni siquiera está del todo a la altura. Por supuesto, simplifica y elimina subtramas y personajes, es muchas veces menos cruel (lo que también resulta irónico) y reduce el mensaje a una crítica a los vicios que he mencionado, al racismo y a la guerra; y, en cambio, añade forzosamente el leitmotiv de la carrera de relevos a fin de proporcionar una innecesaria cohesión extra y simbolizar algo que resulta obvio. También modifica levemente el desenlace, ampliando la espectacular batalla final pero también incorporando una brutal incoherencia postcréditos con algo que nos habían contado al inicio del mismo episodio (me refiero a todo lo que tiene que ver con la Luna), en un fallido intento de hacerlo parecer más poético.

Muchas veces, los diálogos son tan malos que se cae en la comedia involuntaria (por el inglés gratuito, porque suena a superhéroe cutre y por lo infantil que resulta, no puedo evitar reír cuando alguien proclama a gritos que es un devilman). Hay alguna línea argumental que termina de forma brusca y decepcionante (sí, hablo de Silene, aunque sea igual al propio manga). Y, además, los demonios dejan bastante que desear como antagonistas y acaban pareciendo malos de Digimon.

(Sigue sin spoilers)

Al principio puede parecer otro shōjo más: personajes andróginos, estilizados y de ojos enormes, mucho romance adolescente, sentimentalismo y abundancia de bofetadas, colegialas chillonas con el típico uniforme de marinera e incluso la mascota que sirve de alivio cómico. Pero a medida que avanza la serie se va poniendo más y más turbia, mediante la inclusión de elementos más polémicos como el incesto, los abusos sexuales y el suicidio (o el intento de suicidio). Y es que aunque es una serie de animación que en algunos sitios fue distribuida como un producto infantil (con la inevitable y execrable censura), no lo es en absoluto. No tanto por lo que se muestra, porque a decir verdad es muy light en cuanto a violencia, sino por lo que se intuye.

Shōjo Kakumei Utena trata sobre el sexo. Y sobre el crecimiento. Y sobre el crecimiento a través del sexo, que aparece tanto de forma insinuada como simbólica y es aquí el elemento que termina con la infancia (o al menos uno de los elementos), en algunos casos de forma traumática.

La historia es sencilla de comprender, al menos el planteamiento y todo lo que tenemos en primer plano, porque a medida que va avanzando van surgiendo pequeños elementos más difíciles de percibir. Todo comienza cuando una niña, Utena, que acaba de perder a sus padres en un accidente, es tranquilizada por un príncipe. Desde ese momento, Utena se obsesiona con la figura del príncipe (la versión idealizada de los cuentos de hadas) que la lleva a querer convertirse ella misma en uno. Años después ingresa en la prestigiosa academia Ohtori donde descubre un siniestro club en el que se compite por la posesión de una chica, Anthy, la "Novia de la Rosa". Cuando descubre que el actual "prometido" (el campeón de los duelos) de Anthy la maltrata, Utena decide luchar por ella para librarla de su oscuro destino.

El anime consta de 39 capítulos divididos en tres sagas, separadas por dos episodios recopilatorios (13 y 24). La primera saga introduce ese universo, a las protagonistas, Anthy y Utena, y a los principales duelistas (Tōga, Saionji, Miki y Juri). Es la parte más lineal y con más momentos cómicos (algunos absurdos y surrealistas, algo que se mantiene cuando la hermana de Tōga, Nanami, cobra protagonismo). La segunda saga presenta un nuevo personaje que pretende matar y reemplazar a la "Novia de la Rosa". La tercera saga está a su vez dividida en dos partes (con un episodio semi-recopilatorio en medio) y es cuando todo va cobrando sentido, culminando en un desenlace impresionante pero que deja una extraña sensación.

Utena es un gran personaje: es fuerte, valiente y no se corta a la hora de actuar como cree que es correcto. Se distancia de muchas de las heroínas del shōjo y a veces se acerca al arquetipo de héroe del shōnen. Mantiene una fuerte obsesión con su modelo de príncipe y dirige su vida por un camino que la convierta en uno, pese a lo difícil que le resulta estar a la altura de un concepto que tiene tan idealizado. Obcecada en su propósito de sacar a Anthy de ese mundo sórdido, es, seguramente, la única persona que la quiere de verdad (y eso que Anthy no anda falta de supuestos admiradores y pretendientes). Anthy, por otro lado, parece ingenua y afable pero esconde un lado muy oscuro. Incomprensiblemente, se resigna a ser manipulada por su hermano y acepta con estoicismo que se compita por su posesión. Es tratada como un simple objeto por casi todos los duelistas y por su hermano, y no parece importarle lo más mínimo. Es fría y distante, y no se sabe si realmente aprecia a Utena o sólo la considera su dueña, siguiéndola en todo lo que le propone por creerse de su propiedad o porque cumple con el papel que se le ha asignado.

Entre el resto de personajes, encontramos unos cuantos, miembros del Consejo, dominantes e intimidatorios. Muchos arrastran algún trauma y muestran ciertas obsesiones o ambiciones desmedidas y perniciosas. Pero ninguno se acerca al nivel del secretario de la academia y hermano de Anthy, Akio, un auténtico depredador sexual con la academia como territorio de caza que, pese a estar prometido con una joven, no duda a la hora de seducir a cualquiera, e incluso mantiene a su hermana bajo el control más absoluto hasta el punto de destruir su voluntad. Extremadamente manipulador, emplea el sexo como arma y como muestra de su dominio sobre los demás.

Insisto en destacar el fuerte contenido sexual del anime que nos ocupa. Éste aparece de forma simbólica, como la apariencia fálica del edificio más alto de la academia (el planetario en el que reside Akio) o la espada deshojando la rosa en los duelos; pero también hay sexo real mostrado de una forma muy sutil pero cada vez más evidente a medida que avanza la serie, aunque nunca aparezca de forma directa salvo por un par de excepciones*(1). El motivo es que buena parte de la historia transcurre sobre la imagen del sexo como elemento de crecimiento y poder. Por lo menos también se insinúa que el sexo ni es lo único que hace al adulto, ni es imprescindible para convertirse en adulto, a pesar de la gran importancia que se le da.

El otro gran tema es el crecimiento de la propia Utena y la evolución de sus ideas y forma de ser, y de la imagen que tiene del mundo y de su lugar en él; el paso de la niñez a la edad adulta y cómo ser lo que se quiere y no lo que los demás esperan que seas. Su búsqueda del perfecto príncipe o su transformación en uno y ser ella misma quien salve princesas (una evidente alteración del cuento clásico en el que las figuras heroicas y protectoras son normalmente masculinas). Sin embargo, las conclusiones a las que llega son diferentes en las distintas versiones (manga y anime) que, por lo tanto, dejan mensajes diferentes*(2). Y aún hay más: mucha simbología y conceptos extraídos de la religión y de los cuentos que enriquecen aún más ese extraño mundo.

(Continúa sin spoilers hasta que se indique)

Han pasado ya unos cuantos años desde que leí Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos, una suerte de bestiario sobre la fauna mágica del mundo de Harry Potter. Era el año 2001, estaba empezando la secundaria y se acercaba el estreno de la película de Harry Potter y la Piedra Filosofal. Cuando finalmente la saga llegó a su fin, siempre sentí cierta decepción porque muchas de las criaturas más llamativas descritas en este libro no habían hecho acto de presencia de ninguna forma: ashwinder, lethifold, quintaped, nundu... Éstas no habían aparecido en las novelas (ni películas) principales. Quince años después se estrena la adaptación de ese pequeño libro, lo que por fin podría permitirnos ver alguna de estas curiosas bestias, pero, a priori, también sonaba a un intento desesperado por relanzar el Mundo Mágico intentando llevar al cine cualquier cosa relacionada con Harry Potter (subrayo que el libro es un bestiario) a fin de movilizar al fandom y hacer caja. Tal vez en principio la idea fuera esa, pero el resultado es bueno y eso es lo que importa.

Lejos de ser una simple excusa para hacer desfilar todo el catálogo de fauna mágica, la historia es entretenida e incluso, en ocasiones, sorprendente. La sinopsis oficial nos dice que el magizoólogo Newt Scamander ha liberado accidentalmente varias criaturas mágicas en el Nueva York de los años 20 (siglo XX), pero hay mucho más: el trato que los magos dan a los animales fantásticos (reflejo del trato que damos a los animales reales) y las relaciones entre magos y muggles (de nuevo, paralelas a las relaciones entre distintos grupos reales), con fanáticos en ambos bandos, y, a partir de ahí, también se va perfilando el que, parece, va a ser el hilo argumental de esta nueva saga (quienes hayan leído los libros de Harry Potter pueden intuir por dónde va a ir la cosa). Además, como era de esperar, Rowling se guarda varias sorpresas para el final. Tampoco faltan mensajes en defensa de valores como la amistad y la tolerancia, y en contra de la represión, especialmente contra la represión propia (pretender ser quien no se es). A ello se le suma un leve mensaje conservacionista, con los animales fantásticos en el centro (amenazados por la gente mágica).

Quizá por haber sido ideada para el cine, la trama se desarrolla de forma satisfactoria, sin estancarse y sin dar vueltas innecesarias. En poco más de dos horas (que se pasan relativamente rápido), hay tiempo para el humor y también para momentos serios y aún ominosos, sin que deje de ser apta para público de todas las edades (es menos infantil que La Piedra Filosofal y menos violenta que Las Reliquias de la Muerte), e incluso para el romance (ligero), manteniendo un buen equilibrio entre todas las partes. David Yates (también director de los 4 últimos filmes de Potter) mejora en su labor al frente de la cinta, dejando unas secuencias de acción que superan a las vistas en la saga fílmica de Harry Potter, y demostrando haber adquirido un buen manejo de la comedia y el drama, sin exageraciones en ninguno de los dos casos. También, tras La Orden del Fénix, vuelve a concederse cierta importancia a los medios de comunicación (la crítica a la manipulación es menos directa) y aunque al principio reaparecen las temidas secuencias de periódicos, Yates no abusa y no desentonan con el tono ni la estética de la película, si bien no es la mejor forma de iniciarla.

He de matizar que, aunque estoy comparándola con las películas de Harry Potter (los 8 filmes basados en las 7 novelas originales), Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos goza de una independencia casi total respecto a dicha saga. Apenas algunos vínculos menores (el nombre de Hogwarts aparece por ahí un par de veces, así como el de algún personaje; cierto símbolo y, obviamente, aspectos clave, como los nombres de los hechizos), incluidos con naturalidad (muchas referencias a El Señor de los Anillos metidas en el Hobbit o entre las trilogías de Star Wars, por ejemplo, están más forzadas), la sitúan en el mismo universo y sirven de sutil enlace. Respeto total por esa mitología (como era de esperar con la propia Rowling detrás del guion, aunque para la segunda entrega decidió priorizar la sorpresa sobre la coherencia), pero suficiente autonomía como para que pueda disfrutarse perfectamente sin conocer nada del mundo de Harry Potter, aunque quienes hayan leído los libros le sacarán más (a medida que esta nueva saga avance, se irá acercando más a la otra, al menos cronológicamente).

Eddie Redmayne está magnífico como un Newt Scamander tímido y nervioso, socialmente torpe, excéntrico y entrañable, uno de los mejores personajes visto en este universo fantástico. Redmayne está bien acompañado por Katherine Waterson, en el papel de la ex-auror Porpentina (nombre que aparece en el libro original), Alison Sudol como su hermana Queenie, una bruja especialmente hábil en legeremancia, y Dan Fogler, como Jacob, el primer muggle con protagonismo en una de estas entregas (un poco típico personaje cómico, pero no sólo no desentona sino que su carisma arrollador de "hombre corriente" hacen que se apodere de la cinta por momentos). También Colin Farrell borda su papel de auror estricto, sombrío, cerrado y ambicioso; y Ezra Miller es creíble como un joven taciturno, sumiso y atormentado. Llamativo es que Ron Perlman de vida nada menos que a un duende gánster (en este caso y a diferencia de los duendes de las entregas de Harry Potter, se trata de un personaje digital creado empleando la captura de movimiento).

(Continúa abajo por falta de espacio, sin spoilers)

Camp Cretaceous no es el primer proyecto de una serie animada dentro de la franquicia de Jurassic Park/World. El primer intento se remonta a poco después de la primera película, cuando comenzó a desarrollarse una serie de animación tradicional que haría de secuela, pero Spielberg detuvo el proyecto abrumado por el ingente merchandising que había generado su película. Unos años después, ya tras The Lost World, se pretendía lanzar una serie de animación que acompañaría a una colorida línea de juguetes, Chaos Effect, cuya producción fue cancelada aunque algunas figuras sí salieron a la venta (por ellas se sabe que esta serie habría mostrado a criaturas híbridas, una idea reciclada en Jurassic World).

Sin embargo, años después, tras la resurrección de la saga y cuando circulaban muestras del arte conceptual de la primera serie, y ante las peticiones del fandom y la creciente necesidad de nuevos productos para llenar las plataformas de streaming, finalmente llega la primera serie animada de la franquicia. Producida por Amblin y Dreamworks y distribuida por Netflix, Camp Cretaceous es una obra que forma parte del canon cinematográfico de la saga Jurassic y pretende acercarla a un público más joven.

Bien, en ese sentido debo decir que me parece extrañísimo como estrategia comercial que se haga un spin-off más infantilizado que la propia saga a la que pertenece, pues porque es raro que quieran introducir la saga al público infantil por la mitad y más aún cuando es más que recomendable haber visto Jurassic World antes de ponerse con esta serie. Pero digo más, la propia Jurassic Park (y por ende las demás) no es una película tan inaccesible para dicho público (sin ir muy lejos, yo la vi por primera vez con 5 años). Incluso James Cameron llegó a decir, en una de sus famosas pullitas que pretende hacer pasar por elogio, que Spielberg había hecho acertadamente una película "para niños de 8 años". Y la verdad es que, aunque no lo comparto en absoluto, sí creo que Jurassic Park es un filme disfrutable por público de muchas edades e incluso está comprobado que el efecto que tuvo en su día sobre los niños y las niñas que la vieron fue que quisieran dedicarse a la paleontología o al cine. Tan terrible no es.

Pero, en fin, esto es lo que hay, y jugadas empresariales cuestionables y marketing desconcertante aparte, al igual que con el corto Battle at the Big Rock estrenado un año antes, Camp Cretaceous funciona mucho mejor como un producto dirigido al fandom, pues son los fans quienes más apreciarán este tour por isla Nublar, ya que permite echar un vistazo a los entresijos del parque como no fue posible en las películas y deja cierto espacio a las distintas especies de dinosaurios y demás paleofauna para que tengan su momento de gloria. Porque pese a las apariencias y al tono inicial, estamos frente una serie que también está claramente dirigida al fandom de Jurassic, es decir, no solo la gente a la que le guste la primera Jurassic Park, sino a quienes disfrutan también con cada una de las secuelas y en particular con Jurassic World (obvio, pues parte de la trama ocurre en paralelo a esta película y ambas comparten algunos personajes y lugares). Y por ello es esperable una buena dosis de fanservice y nostalgia, lo que no tiene por qué ser necesariamente algo malo, siempre que esté bien empleado, y en eso esta serie sale bien parada.

Como he adelantado, Camp Cretaceous nos traslada a Isla Nublar poco antes, durante y después de los eventos de Jurassic World, siguiendo la particular epopeya de un grupo de adolescentes por la isla. Sin embargo, el comienzo es poco prometedor: un chaval llamado Darius intenta ser el primero en terminar un videojuego para ganar un pase al Jurassic World, lo que es uno de esos clichés que hemos visto bastantes veces. Que lo consiga o no es evidente. El juego en sí transcurre en Isla Sorna y, aunque es un guiño bonito, es una lástima que no lleguemos a ver la Zona B en toda la serie (y además también incluye una referencia a uno de los elementos más absurdos de la saga entera).

Darius es el personaje creado para que nos sintamos identificados, en primer lugar porque es un dino-nerd (como buena parte de público potencial), y en segundo porque es el único del grupo protagonista que no está en el parque por enchufe, por ser rico, por ser famoso o por todo a la vez. Formado por un hipocondríaco cobarde, un niño bien engreído, una deportista antisociable, una influencer ególatra y una chica extrovertida y bastante pesada, además del propio Darius cuyo entusiasmo a veces le hace actuar de forma estúpida, dicho grupo resulta bastante repelente (en la línea de los niños de la saga) al principio. Obviamente hay algo de desarrollo de personajes (gradual y natural, a veces naíf y otras veces sorprendentemente realista), y tienen que aprender a llevarse bien, trabajar en equipo y todo eso. Correcto, pero predecible.

Por supuesto, los críos son unos liantes y terminan siempre metidos en los lugares más peligrosos o acaban en medio de toda la acción. Ya en su primer día (y primer episodio) se las apañan para entrar en el recinto de la raptor squad, y en adelante sigue así la cosa. Tampoco ayuda el hecho de que las medidas de seguridad son pésimas y que el personal parece no saber cómo actuar en según qué casos. Si es que no han aprendido nada en 25 años. Y como era de esperar (por lo visto en Jurassic World), llegados a cierto punto, la Indominus escapa y la situación se complica más para el grupo, volviéndose mucho más interesante para la audiencia.

Porque, sí, afortunadamente, tras dicho incidente y el caos que trae al parque, la serie coge ritmo y se centra en la supervivencia del grupo de campistas (con subtramas varias sobre espionaje, furtivismo, experimentos clandestinos...), quienes deben superar muchos de los problemas que vimos desde otra perspectiva en las primeras entregas de Jurassic World y resistir solos en la isla durante meses.

(Sigue sin spoilers)

Adventure Time es la serie de animación occidental más influyente desde Los Simpson. Destaca por su peculiar sentido del humor mezclado a la perfección con un poco de drama, por sus personajes de diseño sencillo pero increíblemente expresivos y sobre todo bien escritos, por la colorida riqueza de su mundo y, por supuesto, por sus disparatadas e imaginativas aventuras que pueden terminar de la forma más inesperada. Y ahora, después de 279 episodios y ya consolidada como una serie de culto y con unos cuantos Emmys y un Peabody a sus espaldas, llega el esperado desenlace.

Sin embargo, no parece haber convencido a todo el mundo. La crítica más repetida es que no hay una gran batalla (como parecía) ni una dura pelea de Finn contra el final boss, pero, ¿cuándo ha habido algo así? ¿Acaso Finn no derrotó al Lich con un jersey? ¿Y no lo venció definitivamente transformándolo en un bebé? No quiero convertir esto en una contracrítica, pero es importante aclarar que ni una pelea a lo shōnen sería pertinente, ni se intenta copiar a Infinity War (aunque su estreno fue posterior, este episodio se realizó un año antes), ni ese disparatado beso entre cierta princesa egocéntrica y superficial y un limón antropomorfo está forzado. ¿O a alguien le pareció forzado el repentino romance entre Xergiok y una sirena en "The Great Bird Man"? ¡Esto es Hora de Aventuras! Aquí todo puede ocurrir de la forma más inesperada. Si se puede viajar a Marte y conocer allí a Abraham Lincoln, se puede combatir el caos con una canción.

En este último episodio tenemos todo lo que podríamos esperar, es decir, lo que podríamos esperar de Adventure Time: personajes extraños, varias preguntas sin respuesta, una secuencia onírica surrealista, algo de humor absurdo y una pizca de drama. El equipo de guionistas, supervisado por Adam Muto, ha optado por un desenlace agridulce, con un fuerte tono humanitarista y que deja deliberadamente mucho a la imaginación del público; concluyendo así de una forma imperfecta aunque satisfactoria esta extravagante serie animada.

Los dos grandes conflictos de este episodio son la Guerra Chicle y el advenimiento de GOLB. A ellos se suman las tramas de la corona del Rey Hielo y del futuro de Ooo, y las historias de decenas de personajes, incluyendo multitud de conflictos no tan menores. Hay conexiones con casi todos los episodios de la serie y está tan saturado de referencias que hace falta un gran conocimiento del lore de Adventure Time para captarlas todas, por lo que quienes se hayan acercado a ver este último episodio después de abandonar la serie hace varias temporadas se enterarán de poco aunque la trama no sea difícil de seguir.

"Come Along With Me" empieza con una sorprendente nueva intro que nos catapulta al futuro sombrío de "Graybles 1000+" y "Lemonhope 2" en el que transcurre parte de este episodio. Beth y Shermy parten hacia el monte Cragdor (sí, el de "The Enchiridion!") para preguntarle al Rey de Ooo por un misterioso brazo metálico que han encontrado. Dicho rey les narrará la Guerra Chicle ocurrida mil años atrás cuando Gumbald le declaró la guerra a su "sobrina" la princesa Bonnibel Bubblegum (la Princesa Chicle en España).

Sin embargo, como he adelantado, quienes esperen una batalla épica van a llevarse una decepción porque "Come Along With Me" se centra ante todo en la resolución de los conflictos personales. Finn se reencontrará con Fern (llamado Raíz, por motivos que se me escapan, en el doblaje español), Bonnibel tendrá que hacer frente a Gumbald, pero también tendrá asuntos que tratar con Marceline. Betty seguirá intentando salvar a Simon (el Rey Hielo) de la locura... y así hasta una quincena de relaciones entre personajes son tratadas en este capítulo, incluyendo vínculos familiares de lo más dispar, amistades y enemistades, amor y odio (siempre más amor que odio).

Con un fandom tan dividido en ciertas cuestiones, hay temas que creía que no serían tocados en este último capítulo, y me equivocaba. Por supuesto, la resolución de ciertas subtramas no serán del agrado de todo el mundo, pero no puede decirse que la evolución de los personajes sea incoherente y algunos de estos desenlaces se llevan gestando desde las primeras temporadas. En la asunción de estos riesgos influye el hecho de que Adventure Time continuamente haya ido incorporando nuevos talentos, algunos provenientes de su propio fandom, como Hanna K. Nyström, encargada de los storyboards de multitud de episodios desde la séptima temporada, que se ha atrevido a añadir con gran acierto una escena que no estaba en el guion original y que será uno de los momentos más recordados y valorados de este episodio.

Los personajes han sido uno de los puntos fuertes de Adventure Time desde sus comienzos, y este episodio no es la excepción. El desenlace del arco narrativo de Gumbald garantiza que Bonnibel va a tener un papel bastante extenso, lo que no me molesta en absoluto porque desde la tercera temporada es uno de mis personajes favoritos, pero habrá quien considere que su protagonismo se les ha ido un poco de las manos a los guionistas. Muchos personajes que fueron independientes han quedado enredados en su hilo argumental y subordinados a ella (como Marceline, aunque agradezco todas y cada una de las escenas que comparten y en este episodio hay unas cuantas inolvidables). Además de ella, Simon y Betty también le roban protagonismo al propio Finn (y a Jake, cuya trama ya tuvo una buena conclusión en "Jake the Starchild"), quien hacia el clímax casi parece un secundario en su propia serie.

Que nadie me malinterprete, agradezco que Finn no sea el típico héroe que salva el día o el arquetipo mesiánico que se sacrifica para proteger a todo el mundo. Destaca su papel mediador en la Guerra y su crisis con Fern (o sea, con él mismo), pero habría venido bien que hubiera tenido algo más de peso en la parte de GOLB y se le hubiera dado una conclusión más rotunda en la despedida de esta serie.

(Continúa sin spoilers)