Película con dos personajes, en un solo escenario, de estética minimalista, elegante, barroca, y fotografía en blanco y negro. Una pareja regresa a casa por la noche tras el estreno de la película de él, Malcolm, un director egocéntrico que adora su trabajo y sueña con el éxito; ella, Marie, es una ex-yonqui, aspirante a actriz, que no se siente valorada por su pareja.

Como si de un combate de boxeo se tratara, los novios intercambian golpes, se cruzan reproches, se dirigen insultos, se hacen desprecios. Tras cada asalto, aprovechan un segundo para descansar, fumarse un cigarrillo o visitar el baño. Luego, vuelta a empezar: un nuevo chorreo comienza. Hay referencias cinéfilas –a Spike Lee, a Barry Jenkins, a William Wyler–, menciones al racismo y la hipocresía de la sociedad, al papel de la crítica de cine. Hay, sobre todo, mucha frustración, mucho cabreo, mucha exaltación.

Acabo fatigado de verla, me da la sensación de que me estuvieran riñendo a mí cada vez que hablan. La considero una obra pretenciosa, incapaz de desprenderse de su carácter teatral, donde nada suena "auténtico", que se sirve de diálogos inverosímiles, elaborados con saña, de elocuencia enfermiza. Los problemas que atraviesan en esa relación no consiguen interesarme. Malcolm y Marie deberían ir a terapia y dejarse de tanto discurso.

Como buen "vehículo para el lucimiento" de los actores, tanto Zendaya y John David Washington están correctos, aunque juraría que se encuentran excesivamente cómodos, se gustan demasiado. Y, si he de ser sincero, no me acabo de creer que ella haya sido una adicta a las drogas ni que él se dedique a dirigir películas. En general, por resumir, ni me creo ni me gusta nada.

Alberto Rodríguez vuelve a examinar la historia reciente de España mediante un drama carcelario narrado con pulso, vibrante y contundente. Dos años después de la muerte de Franco, en 1977, un joven contable ingresa en la cárcel Modelo de Barcelona; allí se unirá a un grupo de presos que suma fuerzas para exigir una amnistía.

La película nos traslada a los albores de la democracia, época de esperanza, nos sumerge en la lucha de unos individuos que aspiran a un nuevo comienzo, quienes pretenden aprovechar los aires de cambio, mejorar sus condiciones, frenar los abusos, restaurar su dignidad, hacer valer sus derechos, y cuyas reivindicaciones chocan con el aparato institucional, la maquinaria burocrática, el orden establecido, los rescoldos de la dictadura.

El ambiente de la prisión está recreado admirablemente; uno se siente partícipe de las ansias de libertad, padece los golpes de los guardias, el reinado de terror de los funcionarios, la opresión de las celdas, entrevé la vida a través de los barrotes, reconoce la inseguridad de los paseos por el patio, disfruta con las reuniones secretas, aprende el funcionamiento interno de la penitenciaría, las reglas no escritas, los trapicheos, el consumo de drogas, identifica los distintos bandos, comprende las emociones que experimentan los reclusos.

El director vuelve a hacer gala de su talento para presentar personajes con un par de pinceladas, para fijar la atención en el detalle significativo, el gesto revelador, para atraparnos en un relato áspero, febril. Se rodea de intérpretes que desprenden veracidad. Ya no sorprende el gran Javier Gutiérrez, pero sí un excelente Miguel Herrán, asumiendo el protagonismo de la cinta, encarnando a un sujeto de cuyo pasado lo intuimos todo y apenas sabemos nada. Ningún secundario desentona; sobresale Jesús Carroza, habitual en los films de Rodríguez, y Fernando Tejero, en un registro diferente al que nos tiene acostumbrados.

“Modelo 77” es cine de calidad, impregnado de un sabor patrio inconfundible; amargo en ocasiones, ilusionante en otras, siempre realista. Lanza una mirada acerada sobre aquellos años, aunque nunca pierde su vocación de entretener.

“Éste es un país para los hijos de los dueños”

Unos profesores de instituto, inmersos en la crisis de los cuarenta, llevan a cabo un experimento sociológico por el cual habrán de mantener en su organismo una pequeña tasa de alcohol durante el día, para de ese modo mejorar su rendimiento en todos los ámbitos.

Vinterberg nos cuenta la aventura de esos adultos cansados, sin chispa, vencidos, tipos grises que necesitan de un revulsivo. Lo hace en un relato amoral, que ni aplaude ni condena su comportamiento, apoyándose en actores veraces, en especial de un Mads Mikkelsen que, como siempre, está increíble. Los diferentes estados etílicos que atraviesan los profesores quedan representados con verosimilitud -los accesos de euforia, los momentos de desahogo, los bajones, las noches gloriosas, las consecuencias- acompañados siempre de notas de humor, desde una mirada que rebosa ternura.

"Otra ronda" se disfruta como un trago del mejor vino; contagia alegría, deja buen sabor de boca, en gran parte gracias a su desenlace apoteósico.

Baudelaire lo tenía claro: la manera de combatir el peso del tiempo es embriagarse; de vino, de poesía o de virtud, pero hay que embriagarse. Es la única forma de hacer soportable la vida.

Siempre me han gustado los thrillers, y reconozco que durante los primeros capítulos esta serie me tenía atrapado. Una serie en la que "nada es lo que parece", en la que "todos ocultan algo"... ¿qué podía fallar?

El problema aquí es que la decisión de sorprender al espectador constantemente, de incorporar giros de guión cada cinco minutos convierte la historia en un enrevesado sinsentido, en ocasiones risible. Con el tiempo uno pasa de exclamar "¡oh, qué sorpresa!" a decir "pues qué bien". No es que yo sea un fanático de la versosimilitud, pero sí que me gusta que lo que cuentan tenga cierta coherencia. Por poner un ejemplo, al personaje de Ana Saura le sucedieron más cosas durante las semanas anteriores a su desaparición que a otros en cincuenta años.

En cuanto a las actuaciones, para mi gusto son demasiado intensas, pareciera que a todos les vaya la vida en cada frase. Tampoco ayudan algunos diálogos pasados de rosca, del tipo:

- Tengo un cáncer terminal
- ¿Puede demostrarlo?

Se disfruta más viendo varios capítulos del tirón que esperando toda una semana al siguiente episodio, más que nada porque transcurrido cierto tiempo uno olvida si fulanito parecía bueno o malo la última vez, si la otra estaba enamorada de su primo, de su hermano o de su tío, o si aquel otro había recuperado la memoria o seguía con su cara de empanado.

Siempre he admirado a los que se dedican a la música, pues es una profesión que exige una entrega absoluta, trabajo constante, talento y fuerza de voluntad, pasión en lo que se hace. Los músicos son seres raros, solitarios en su mayoría, sin tiempo ni ganas de establecer relaciones duraderas.
La película refleja bien este aspecto, lo difícil que resulta compaginar lo personal con este trabajo. Es un debut notable en la dirección, un guión inteligente, se apoya en unas interpretaciones fabulosas (inmenso Christopher Walken). Explora la vida de los miembros de un cuarteto de cuerda, mostrándonos sus manías, obsesiones y fobias, sus debilidades y fortalezas, su entrega, sus diferentes maneras de enfrentarse a sus respectivas existencias, de abordar el arte que practican, de aproximarse a él. Son cuatro personas muy diferentes unidas por una pasión común.
Pero también nos habla de la vejez, de la enfermedad, la muerte, de cómo llegado el momento tenemos que empezar a despedirnos de todo, incluso de lo que antes consideramos vital y constituía el motor de nuestra vida.
La película posee detalles tan originales como que, hacia el final, cuando uno espera asistir a la reconciliación de los miembros del cuarteto (una vez presentados sus desencuentros) ésta se nos escamotee. La película huye de convencionalismos, estudia a sus personajes con profundidad, utilizando como arma principal la sutiliza. Muy buena.