BIOPIC con mayúsculas. Esta obra puede no destacar como elemento cinematográfico, pero cumple a las mil maravillas con su objetivo: contar la historia de uno de los mayores humoristas de la historia de España.

En esta película David Trueba, de una manera más que acertada, acerca al espectador a lo que fue la vida de Eugenio y Conchita. No es solo que haya conseguido crear un guion en el que encuadrar momentos relevantes de la vida de estas dos personas, sino que es capaz de transmitir al espectador todos los sentimientos que estos van viviendo. Además, lo hace con una gran habilidad narrativa, facilitada por la historia real, que va desde lo inocuo y espontáneo a lo doloroso y triste.

El gran trabajo de David Trueba queda completado con la gran interpretación de Carolina Yuste y la soberbia actuación de David Verdaguer. Por un lado, Carolina Yuste da vida y reconocimiento a un personaje esencial en la historia narrada y ayuda a poner sobre la mesa el papel femenino muchas veces silenciado y acaparado a lo largo de la historia por sus parejas masculinas. Y, por otro lado, el Goya a mejor actor en 2024 es una auténtica barbaridad. No solo es que la caracterización de Eugenio esté muy lograda, sino que David Verdaguer se transforma en Eugenio Jofra, deja de ser él para convertirse en otra persona. Puede que se trate de la mejor representación de un personaje histórico que se ha dado en el cine, porque sin necesidad de cerrar los ojos es muy fácil pensar que se está viendo al verdadero Eugenio en diferentes momentos de su vida. Interpretación para alabar del actor de Malgrat de Mar.

Gran cinta que puede conmover a cualquier y cuyo objetivo está más que conseguido. De todas maneras, para poder entender lo que David Trueba transmite con este filme es muy recomendable ver con antelación el documental "Eugenio" (2018) de Jordi Rovira y Xavier Baig.

Quizá no se trate del filme histórico más ejemplar en cuanto a rigor histórico se refiere, pero el valor de está película va más allá de dar a conocer y mantener viva la historia del "Carnicero de Uganda", Idi Amin.

Partiendo de la base de que se trata de la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Giles Fonden, publicada en 1998, esta historia logra, a través de un hecho histórico, dar a conocer al público occidental del primer mundo la situación en la que viven los regímenes políticos en África y, lo que es más importante, la posición del mundo occidental ante esto, siendo causa de lo que allí ocurre tanto en el pasado como en el presente.

Tomando la figura de Robert Astles, también conocido como la "Rata blanca", Giles Fonden crea al personaje de Nicholas Garrigan (James McAvoy), un joven doctor escocés que se desplaza a Uganda para vivir una aventura. Es con este personaje con el que Kevin Macdonald va desarrollando la trama, desde una floreciente y novedosa libertad hasta uno de los regímenes más truculentos de la historia moderna, todo para enseñar al espectador lo fácil que es vivir en la ignorancia y fomentar aquello contra lo que en realidad uno se opone. Una enseña que se puede y se debe seguir impartiendo entre todas las sociedades de la política moderna.

Lo acertado de esta cinta no radica solo en la excelsa interpretación de Forest Whitaker y la maravilla de acentos que presentan Forest Whitaker, James McAvoy y Kerry Washington, sino en el desarrollo de la trama por parte de Kevin Macdonald. Todo empieza desde el punto de vista más ingenuo posible, para terminar con una tensión explosiva. Todo llevado por Nicholas Garrirán, quien, si no me equivoco, representa al propio público viviendo la situación histórica del momento rememorado en el filme.

Greta Gerwig se ha propuesto con este filme realizar una de las películas más feministas del siglo XXI hasta el momento. Para ello decide coger una creación del mercado liberal capitalista que buscó acercarse al movimiento feminista vendiendo la idea de que había que motivar a las niñas a pensar que podían ser todo aquello que se propusiesen en su futuro. Esta creación fue la muñeca Barbie. A partir de este objeto, juguete, elemento comercial (llámese como se quiera)..., Gerwig busca redimensionar el alcance de este producto infantil para demostrar que la realidad no ha cambiado desde que la primera Barbie salió al mercado hasta hoy.

Desde luego, la idea es sumamente creativa y atractiva. Ahora bien, este planteamiento histórico-social y casi filosófico se ve enajenado por una ficción pobre y burda. Es fácil criticar sin aportar soluciones, pero en este caso es que el guión de la cinta no se encuentra a la altura de casi ninguno de los aspectos de la producción. La película tienen bastantes puntos fuertes: la idea de la que parte, los decorados, el vestuario y las interpretaciones de Margot Robbie y Ryan Gosling, que sin ser sus mejores actuaciones son lo único que deja buen sabor de boca. Este último elemento es el único que no se pierde dentro de toda la vorágine de risas tontas propias de los "blockbasters" de comedia norteamericanos, muy bien representados en la figura y el papel que interpreta Will Ferrell.

En definitiva, es una pena que un proyecto tan ambicioso se quede en tan poco, por culpa de una mala decisión en el momento de escoger la manera de contar la idea de la que nace esta producción.

Es complicado hablar de LA mejor película de John Ford, pero esta, sin duda alguna, se encuentra entre las candidatas a ese puesto.

Este filme, a priori, puede parecer otro magnífico western más de los que realizó este aclamado director, pero el argumento es distinto. La relevancia de la historia no está en los personajes, sino en lo que ellos representan. Se puede decir que no es una película para disfrutar viendo, sino que es una cinta para disfrutar entendiéndola. Y es que John Ford, sobre la historia de Dorothy M. Johnson, logra crear un documento histórico que narra el comienzo de la era tecnológica, dentro de la Edad Contemporánea y que ha derivado en la era digital. Lo que hace John Ford con este filme es atrapar uno de los momentos más relevantes de la historia del ser humano: el comienzo de las máquinas. Ya no es que el ser humano tenga herramientas que lo ayuden a realizar tareas, sino que pasa a tener máquinas que le quitan trabajo, permitiendo que haya una evolución social que es el centro neurálgico de esta cinta.

Toda esta serie de cambios son presentados a través de tres planteamientos sociales diferentes, representados por los tres personajes en discordia dentro del filme. Una discordia que es igual entre los tres por sus distintas maneras de entender el modelo de vida "correcto" y de los que solo quedará uno. Y este es aquel que se ha abierto camino con el paso de la Historia.

Además, esta representación de la realidad es completísima. La figura de Hallie (Vera Miles) es central, pues hace no olvidar la existencia de los instintos humanos, así como representa el progreso social de la mujer, que desde comienzos del siglo XX se hizo muy fuerte con el sufragismo británico.

Esta magnífica obra es rematada encima con un reparto asombroso: el rey del western John Wayne, uno de los mejores actores de la historia de Hollywood como es James Stewart y el intrigante Lee Marvin; habiendo sido cada uno muy acertadamente escogido para cada papel, que es bordado en los tres casos.

Esta película es un claro ejemplo de la corriente británica del "free cinema". Con la intención de representar la realidad social del Reino Unido en la década de 1960, esta cinta se presenta como un suspense clásico, cercano al primer terror al hablar del más allá y la conexión con los muertos.

Todo en esta obra está planteado con un halo de misterio clásico que mantiene la intriga a lo largo del filme. Pero lo más interesante es la perspectiva infantil que se toma para la narración de la historia. Lo que se está viendo es la historia de siete niños que se van enfrentando a diferentes adversidades. De hecho, esta perspectiva permite dividir el filme en dos partes o capítulos: la maternal y la paternal, presentando dos modelos muy distintos de figuras familiares. Se podría decir que en realidad los niños son un complemento para el desarrollo de la obra, en la que lo que más interesa es presentar los arquetipos sociales de la sociedad británica de entonces en la figura de una madre organizada y sumamente religiosa y un padre -Dirk Bogarde, con una excelsa interpretación- zarrapastroso, adicto a la juerga y que es capaz de vender a quien haga falta con tal de lograr lo que quiere. Todo introducido en una trama que quiere jugar con lo espeluznante para darle un atractivo narrativo a esa representación visual de la realidad social.

En resumen, interesante cinta que quizás llama más por el planteamiento que por la ejecución. Aún así, se trata de una película que no se puede pasar por alto dentro de la historia del cine como un gran representante de esa corriente británica del "free cinema", ya que cuenta con prácticamente todas las características del movimiento.