La tenia pendiente desde hace bastante. Recuerdo haber visto hace ya unos 7 u 8 años El retorno de Ringo y dejar esta para otra ocasión por la calidad de la copia que tenia por aquel entonces (pesima) y porque tenia entendido que era una película primeriza, casi del estilo del western norteamericano de serie B.

Tengo que decir que me ha sorprendido muy gratamente. Es verdad que es una película que no está muy depurada y me deja la sensación de que con un poco más de trabajo podria haber llegado a ser una obra más redonda -la música de Morricone esta infrautilizada, algunos planos estan desaprovechados, otras situaciones mal planificadas, etc- , pero contiene prácticamente todos los elementos característicos del spaghetti western (protagonista ambiguo y muy sobrado, malos malisimos, mucha violencia, una música característica, encuadres forzados...) y sobre todo, es muy entretenida.

A nivel de guion, llama la atención -por no ser algo habitual en el mundillo del eurowestern- encontrarse con un libreto sin fisuras destacables (cierto, la relación entre el terrateniente y la bandolera está un poco cogida con pinzas, pero el guion es consciente de este sinsentido y lo afronta directamente "-pero maldita sea señor, ¿no se da cuenta de quién soy yo? -es usted una mujer, una espléndida mujer y eso me basta, una mujer debe ser siempre admirada -mayor, esta usted loco, ¡Vaya si lo está!"). Un guion escrito con bastante acierto, sobre todo en lo que respecta al protagonista. Gemma compone un personaje opuesto al otro Ringo (sabíamos que no tenian nada que ver), distinto a casi todos los demás personajes que interpretó (tal vez sea un poco Arizona Colt) y lo suficientemente interesante como para que la película se siga con atención.

Dicho esto, tengo que decir que no creo que sea para nada del estilo "clasico" como creo recordar haber leído en su dia en algún sitio. Lo que si me ha llamado la atención es que parece haber una intención de hacer algo "distinto" en el uso del lenguaje cinematográfico, a nivel de montaje (pero partiendo de una planificación previa del director porque el plano está orientado para ello). Me explico: hay varias ocasiones en las que un personaje o bien tapa la cámara para introducir el cambio de plano, o se acerca a ella lo suficiente para que se produzca este cambio, otras en las que Ringo parece hablar directamente a cámara y otras en las que alguno de los personaje dice una frase, se corta el plano y la réplica continúa en otra secuencia totalmente distinta. Hay un ejemplo bastante claro en la escena en la que Ringo y la hija del terrateniente estan hablando en el patio mientras el terrateniente y la bandida (Nieves Navarro) dan un paseo. En la conversación entre Ringo y la chica se producen hasta dos cambios de secuencia distinto (cambia el plano, cambia la localización, pero la conversación es la misma) y estoy convencido de que no es un fallo de raccord sino que está hecho así a propósito, en vista de otros casos parecidos que se han ido sucediendo hasta ese momento. Este uso particular del lenguaje cinematográfico me parece que le da un punto de interés aunque también es cierto que la hace más "hija de su tiempo", en cierto modo la contextualiza, de la misma forma que los zooms exagerados de algunas películas de Corbucci o de las de Sartana (podrían ser algo moderno en los 60/70, pero a día de hoy resultan algo "desfasados"), y hace que se le noten un poco los años y que al final sea menos atemporal que otras obras del género.

Por lo demás, un spaghetti bastante recomendable.

El Western patrio adelantándose al americano. Esto si es Marca España. Julio Buchs antecede con esta obra a la capital (y excelente, por otra parte) "Pat Garret & Billy the Kid" de Sam Peckinpah. No creo que el bueno de Sam conociera la existencia de este chorizo western (aunque, como se diría en otro famoso spaghetti ¿Quien sabe?), pero me ha llamado la atención la relativa cercanía entre los dos films en la forma que tienen de tratar la relación entre estos dos personajes y el peso que la amistad adquiere en la trama. En este caso el protagonista indiscutible es Billy el Niño y la película se cuenta desde su perspectiva. Vemos el devenir del chico a través de los acontecimientos mas relevantes de su vida desde una aproximación bastante clásica, similar a lo que hoy en día se llamaría biopic. En la de Peckinpah el protagonista es Pat Garret encarnado en un James Coburn en estado de gracia y el relato es más orgánico, mas alejado del clasicismo del western hollywoodiense y en ese sentido está menos "encorsetado" que en la obra de Buchs.

Pero que la comparacion no desmerezca la obra de la que hemos venido a hablar: "El Hombre que mató a Billy el Niño" es uno de los mejores exponentes del western patrio, desde sus primeros compases, con ese corte seco que da paso a unos títulos de crédito magníficos que captan en apenas 2 minutos la esencia del western italiano en sí misma y que debería haber estudiado cualquier hijo de Leone que se preciara de serlo. El desarrollo como ya he comentado es más bien clásico, pero del mismo modo que Peckinpah se desmarca del western tradicional desde un punto de vista más formal, Buchs rechaza el clasicismo a través del carácter claramente desmitificador del guion: aquí Billy el Niño no es un pistolero sediento de sangre, no es el "enemigo a batir", solo un chaval al que las circunstancias han llevado por un mal camino (recuerda a otros personajes interpretados por Peter Lee Lawrence como el protagonista de "Manos Torpes"). Buchs lo humaniza y evita pronunciarse ante sus actos, solo al final veremos a Pat Garret sentenciar con un juicio de valor al que hasta entonces era su amigo. "El Hombre que mató a Billy el Niño" toma prestado de la obra de Ford de título sospechosamente parecido esa voluntad de acabar con falsos mitos, cierto espíritu de desencanto, además de la estructura narrativa de su planteamiento, empezando por un final en el que se recibe al héroe en cuestión prácticamente entre vítores, pasando a contarnos a continuación la historia de Billy, casi como si fuera en boca del propio Pat Garret. Al final no hay redención posible para Billy y aquí sí, sin ambages, podemos achacar de cierto tradicionalismo el esperado destino del protagonista, pero está tan bien montado y es tan contundente que poco más se le puede reprochar al respecto.

El poso clásico de la obra no está reñido con ciertos destellos puntuales de spaghetti western puro y duro: la escena de la posada mexicana, el enfrentamiento con los cuatreros a la orilla del río, el asesinato a sangre fría del capataz, el tiroteo en la ciudad (de lo mejor de la película por su dinamismo y ritmo trepidante), la muerte de uno de los viejos del pueblo a manos de Billy...

Un buen ejemplo junto con "Antes llega la muerte", "El precio de un hombre" o "Dos cruces en Danger Pass" (buena parte de la obra de Rafael Romero Marchent entraría aquí), de que en España también se llevaron a cabo obras de mucha calidad dentro del género.

Ampliamente conocida como la película de la 'Generación X', cuando se estrenó 'Reality Bites' yo tendría unos 5 años, por lo que ni la vi en su momento ni tengo un recuerdo muy nítido de esos primeros 90. Se suele criticar diciendo de ella que es muy 'hija de su tiempo', pero el hecho de que Ben Stiller (como director) sea capaz de traspasar la pantalla y transmitir algo tan etéreo y abstracto como la profunda nostalgia de un tiempo pasado (incluso a alguien que prácticamente no lo ha vivido, como es mi caso) y que consiga implicar al espectador y conseguir que éste se sienta identificado al reflejar de un modo tan certero la angustia existencial intrínseca a los veinte años la hace una obra atemporal y universal.

Un pedacito de los 90 que podrá considerar suyo cualquier persona que, sin saber qué hacer y sintiéndose completamente perdido en la vida, sólo haya querido estar tirado en el sofá escuchando a su grupo favorito mientras pasan las horas (MTV mediante o no).

No apta para esa gente que, con toda la seguridad del mundo suele decir eso de "a mi es que me gusta todo tipo de música".

Tiene que ser difícil ser una película de justiciero de la ciudad/hombre llevado al límite de su paciencia y llegar después de esta FUCKING MASTERPIECE. Ni siquiera el propio Bronson, en toda su carrera tardía por los suburbios del cine de acción mas chusco consigue igualarla, y lo intentó con ganas: 'Al filo de la medianoche', 'Kinjite', 'Murphy's Law' (si, él es Murphy), 'Justicia Salvaje', 'Death Wish 4: The Crackdown', etc.

En 'Death Wish 3' (llamada en España 'El justiciero de la noche', obviando cualquier tipo de numeración y esperando que el espectador medio conociera por osmosis la conexión con la anterior película de la saga, llamada aquí 'Yo soy la justicia'...) aka Paul Kersey meets Hacendado's The Warriors, Bronson acude a visitar a un amigo y se encuentra con que el barrio en el que vive está infestado por una pandilla de indeseables violentos que parecen salidos de un descarte del primer borrador de la película de Walter Hill y que con sus tirones a viejas, sus trapicheos con drogas y su peligroso hedonismo existencial están haciendo la vida imposible a los vecinos y perturbando el American Way of Life. Ante esta situación, ¿qué puede hacer un hombre de verdad salvo defender lo que es suyo?

Amarillismo panfletario, justificación de la violencia y fascismo a tope se dan la mano de altas dosis de acción y un body count descerebrado, dando lugar a una obra que resume mejor que ninguna otra los preceptos no solo del cine de justicieros ('vigilante movie') sino de la propia Cannon en sí: entretenimiento a cualquier precio.

Hace que quiera abrazar a Yoram Globus y Menahem Golan hasta que se les salgan las cuencas de las órbitas.

En mi repaso por el western europeo he recalado en esta ópera prima de Rafael R. Marchent y sobre la que tengo sentimientos encontrados.

Me ha sorprendido enormemente la buena factura técnica de la película, sobre todo teniendo en cuenta que se trata no solo de la primera incursión de Marchent en el género, sino de su primera obra como director (es cierto que ya se había curtido en el mundillo ejerciendo otras funciones como actor, escritor o segunda unidad de dirección), sorprenden los encuadres, la forma de mover la cámara y en definitiva, su buen pulso a la hora de dirigir; sin embargo, creo que hay un problema de base en el guion, porque transita entre dos aguas al establecer dos planos narrativos independientes entre sí.

La película tiene un arranque muy fuerte con la muerte accidental de un bebé en primer plano. Esta secuencia sirve para introducir en apenas unos minutos a los protagonistas que sustentan casi la totalidad del peso dramático de la acción. Tras una elipsis post-creditos se continúa la historia unos años después y hacen acto de presencia unos personajes que no tienen nada que ver con lo anterior, que ni van ni vienen porque en el conjunto del relato aportan entre poco y nada y que sólo sirven para desarrollar de un modo forzado el conflicto interno del protagonista, que ha decidido abandonar la vida de violencia a la que se ve abocado. En este punto se establece una especie de "subtrama" que es entretenida y nos regala algunos de los mejores momentos del film, el problema aquí es su nulo aporte para justificar la vuelta a la violencia del protagonista. Si bien la idea es mostrarnos cómo unos matones de poca monta enturbian la apacible vida del pueblo empujando a una persona que intenta ser pacifica hacia una forma de vida que ha dejado atrás, el detonante real aquí es su hijo y vista en su conjunto, la importancia de esta segunda trama se queda en nada. Marchent demuestra cierta torpeza al navegar entre ambas tramas porque se abandona casi totalmente la principal en detrimento de esta otra trama secundaria que sigue derroteros más tradicionales y la principal no se retoma de una forma clara hasta prácticamente el final de la película. Entre medias habremos pasado por un detonante falso y un falso clímax (el tiroteo en el rancho con el personaje interpretado por Guardiola), que hacen que la película se resienta y dé la impresión de ser más larga de lo que en realidad es. Para el final (el de verdad) nos espera un desenlace rápido, muy bien resuelto, con uno de esos grandes planos generales que empequeñecen a los personajes frente al conjunto, engrandeciendo la acción.

Como opera prima cumple sobradamente y da muestras de una técnica ya muy depurada, pero a nivel narrativo podría haber sido mucho mejor de haberse centrado en la trama principal, que no solo es más interesante por su enorme carga dramática, sino que tiene mucho más potencial. Aquí todavía hay margen de mejora y en apenas dos años alumbrará obras redondas casi sin fisuras como "Dos Cruces en Danger Pass" o "¿Quién grita Venganza?".