Desearía que "Sunday, bloody Sunday" del director británico John Schlesinger, tuviese en esta web no sólo una calificación promedio más alta, sino más reseñas. Que más personas se interesen en escribir sobre ella.
A mi en particular, me parece una película magnífica. Más compleja de lo que parece, que invita a la reflexión y a un segundo visionado casi seguro. Teniendo en cuenta que el producto proviene de Schlesinger y sobre todo del Schlesinger de aquella época, podemos confiar en que el filme es interesante, profundo y de esos que al menos a mi, me deja un tanto afligida. Tal como me ocurrió con la maravillosa "Midnight Cowboy" (1969), comiéndome la cabeza pensando: "¿Qué he visto realmente?". Me llega al alma este director aunque soy consciente de que no toda su obra es buena y tiene algunas que hasta parece que ni las hubiese dirigido él... pero no sé, me atrapa.

El guión está firmado por Penelope Gilliatt, una novelista muy reconocida en Reino Unido y trata sobre un triángulo amoroso totalmente abierto, es decir, sin secretos y hasta los tres involucrados se conocen. No hay engaños ni engañados, sólo hay confort, deseo y conformismo (algo es mejor que nada). Estoy segura de que todos alguna vez fuimos como los protagonistas maduros de esta película: Alex (Glenda Jackson), y Daniel (Peter Finch). ¿Quién no tuvo a un Bob (Murray Head) en su vida?.

Como leí en uno de los comentarios y comparto totalmente, la historia no se centra en homosexualidad o bisexualidad, sino en sexualidad. Afortunadamente y a pesar de su año de estreno y de la situación que atravesaba Inglaterra a inicios de los '70, la cinta no se pierde en discriminación por homofobia o miedo a aceptar la inclinación. En absoluto. Los personajes son muy seguros con respecto a su sexualidad y viven su vida sin conflictos con respecto a eso; sus problemas son de carácter emocional. Por lo tanto, no es correcto abordar "Domingo, maldito domingo" esperando encontrar un producto LGBT que muestre el drama por ser homo porque no va de eso. Y mejor... justamente la naturalidad de la narración es lo que hace que la trama sea tan disfrutable.

Me encantan las interpretaciones y destaco a Murray Head porque él también está estupendo, y lo aclaro ya que no era un actor consagrado como Glenda Jackson y Peter Finch, quienes están soberbios, por cierto. Pero Murray desprende un encanto que te hace pensar que tú caerías rendida/o ante alguien como él. De cierta forma querríamos ser como este "Bob" en el que se encarna. Libres, fríos y la forma en la que el intérprete asume su papel como objeto de deseo de los demás se transmite en su andar, en su forma de expresarse. Me lo creo en todo momento. Por el otro lado, "Alex" y "Daniel" son conscientes de lo que obtienen y de lo que No obtienen por parte de Bob. El tema es la incapacidad de soltar.
Yo creo que es importante meditar sobre los vínculos sentimentales que no aportan nada. Es mejor dejar atrás que luchar con algo que no tiene remedio. Como esbozaba el maestro Mario Benedetti en su poema: "La culpa es de uno cuando no enamora y no de los pretextos, ni del tiempo..." Y aun así, se puede vivir con eso. No es un crimen ni un delito que no nos amen.

La verdad, tal vez yo esté viendo más de lo que hay pero es que realmente me cautivó "Sunday bloody Sunday" y no puedo dejar de recomendarla aunque sé que no va a ser del gusto de todos.

"What's eating Gilbert Grape?"... Título que se tradujo a: "¿A quién ama Gilbert Grape?", como para que tenga sentido en nuestro idioma (aunque sigue sin tenerlo), es una película estrenada en 1993, dirigida por Lasse Hallström, y que adapta la obra escrita del mismo nombre. Bien, el resultado es una cinta preciosa.

El casting está conformado por Johnny Depp en el papel protagónico, y a título personal sin llegar a convencerme del todo su actuación, creo que es de las pocas veces en las que se ha encarnado en un ser humano, o en un individuo normal. Depp es reconocido por hacer de sujetos extraños, personajes excéntricos, y participar en puras películas de fantasía. Evidentemente es el actor predilecto para el género, y en donde él más cómodo se siente. Por ello es que como Gilbert Grape, su interpretación está mucho más contenida porque así debe ser pero te deja con la idea de que algún otro actor hubiese podido meterse más en el papel. Digamos que está correcto.
La genialidad está en un jovencísimo Leonardo DiCaprio que como no podía ser de otra manera, su interpretación fue reconocida con una nominación a los premios de la Academia. "Arnie Grape" es el hermano menor de Gilbert, posee una discapacidad mental y aunque los médicos le dieron pocas oportunidades de vida por su enfermedad, llega a cumplir 18 años, los cuales celebrará con una fiesta que casi estuvo a punto de estropear.
Otros rostros conocidos que forman parte del reparto son John C. Reilly y Mary Steenburgen. Y quiero hacer mención a Darlene Cates (Bonnie, la madre de los Grape).

Al fallecer el padre y con una madre enferma por obesidad y a causa de la gran depresión en la que sucumbió tras enviudar, Gilbert como hermano mayor es quien toma el rol de hombre de la casa. Él trabaja fuera, debe cuidar de Arnie mientras sus otras dos hermanas se ocupan más de los quehaceres domésticos. Nuestro protagonista se encuentra tan agobiado con su vida que su único escape es coquetear con una vecina del pueblo, o desahogarse platicando con su mejor amigo. Ok, esta premisa tan simple resulta encantadora y tiene el poder de captar tu atención, por lo que tendrás que ver qué ocurre en la monótona y aburrida vida de Gilbert.

Quienes somos seguidores de la carrera de DiCaprio siempre recordaremos a Arnie Grape. Sus escapadas, su detención, su fiesta de cumpleaños y todas sus aventuras en esta película. Pero estoy segura de que hay mucha gente que desconoce esta cinta y vale la pena su visionado. Es entretenida, es dulce y sin aires de grandeza cuenta una historia aparentemente sencilla o cotidiana, a la que sabe darle una vuelta de tuerca para no perder el interés del espectador. En ningún momento desconectas de ella. Tienes que verla !!

Pensé que de parte de expertos de la crítica, esta película tendría un puntaje más alto. No sé por qué me lo imaginé. Leyendo algunos comentarios de los profesionales, descubro que varios la rechazaron totalmente. Puedo entenderlo pero no lo comparto.
Estamos, me atrevo a aseverar, ante la mejor película del director danés Thomas Vinterberg. Este loquillo que hacia fines de la década de los 90 sorprendió con "Festen"... una cinta muy interesante, de temática similar a "Jagten", pero caprichosamente ejecutada bajo los cánones del Dogma 95 que más que una nueva corriente cinematográfica sólo fue un experimento, más de postureo que de otra cosa. Afortunadamente con este largometraje estrenado en 2012, Vinterberg no se anduvo con jugueteos y trató un tema tan delicado con la seriedad que amerita. Con un buen montaje, con una espléndida fotografía y con unas interpretaciones que te quedas con la boca abierta. Mads Mikkelsen no puede encarnar mejor el papel pero es que el jovencito que hace de su hijo y la pequeña que desata el conflicto, son impresionantes. Incluso se comen la pantalla y superan a varios de los adultos.

Tras no conseguir trabajo como maestro en colegios tradicionales, Lucas se desempeña como cuidador más que como maestro, en una guardería. Allí concurren los niños y niñas del pueblo, a la mayoría los conoce (son hijos de sus amigos), y trabaja con mujeres. Una de ellas está interesada sentimentalmente en él y no duda en dar el primer paso. Lucas está divorciado y peleando por poder estar más cerca de su hijo, un adolescente que lo adora y que quisiera vivir con él. Bien, este arco nos muestra el drama que sufre el protagonista. Una situación tan cotidiana que no hace más que acercarnos a él. Pero como si ésto no fuera ya suficiente, comienzan a recaer sobre sus espaldas "acusaciones" por abuso sexual por parte de una menor que concurre a la institución escolar.

Tremendo drama que vive el protagonista y ya quisiéramos nosotros jamás pasar por algo semejante. "Jagten" es una película dura, muy dura. Con momentos tristes y que generan una impotencia absoluta pero que además, invita a la reflexión. Está tan bien realizada que es imposible que termines de verla y te olvides de ella. Todo lo contrario, te quedas meditando, con el corazón acongojado y con desgaste físico por la rabia que has llegado a sentir. Es como si te dieran una paliza por casi 2 horas. Recomiendo "La caza" o "La cacería" (como sea que se titule en tu país), encarecidamente. Son 115 minutos. No se torna densa. Es muy fluida y aunque moleste su argumento, es necesario ver películas como ésta... Hay que ver las dos caras de una misma moneda. Atentos al final. Interpreten ese final.

Recomendable al 100%

Tal como mencionó otro usuario, se nos hace difícil explicar detalladamente con argumentos por qué la filmografía de Éric Rohmer se nos hace tan disfrutable. El magnetismo que tenemos por sus obras... me estoy refiriendo a los espectadores a quienes nos gusta el director francés, no a todos obviamente. Éste autor es lo menos comercial que puede haber, y no todo el público conecta.

Lo que me resulta triste porque es producto de la decadencia de las sociedades en general, es que lo que más les molesta es la intelectualidad de los guiones de Rohmer. Les irrita que en sus películas lo más destacable sean los diálogos, y que éstos muchas veces tengan connotaciones filosóficas. Que los personajes sean individuos, la mayoría de veces, de clase acomodada o cuyas inquietudes no sean las nuestras, que a muchos nos cuesta llegar a fin de mes, por ejemplo. Y así automáticamente odian a los personajes y al director. Qué lástima la verdad.
A mi me gusta, una porque me gusta la "Nouvelle Vague" y creo que Éric Rohmer es el mejor de los impulsores de ésa corriente cinematográfica, con un estilo totalmente distinto al de Jean- Luc Godard, que también me parece un grande pero a día de hoy, sus obras han perdido vigencia y esa fuerza y olor a juventud que en su día tenían. Por el contrario, el tiempo no pasa por la filmografía de Rohmer. Y me alegro que se esté reivindicando gracias a algunas plataformas de streaming.

"La rodilla de Clara" a su modo, me parece una pequeña obra maestra, es lo mismo que pienso de "El amor después del mediodía" (1972), de "Cuento de invierno" (1992), y de "Cuento de verano" (1996). Y hablando de cuento y de verano, Éric Rohmer es un experto en la materia. Es el mejor cuentista de historias que suceden en paisajes idílicos... bueno Francia es idílico, pero en sus tramas situadas bajo el sol se dejan ver unas localizaciones preciosas con esas casonas que dan al mar. La fotografía de Néstor Almendros siempre luminosa realzan aún más la belleza del lugar. Un director de foto muy ligado a éste cineasta, por cierto, trabajaron muchos años juntos.

Yo más que escribir específicamente sobre la trama, las interpretaciones, los personajes prefiero usar éste espacio para contar a quien quiera leerme lo mucho que me gusta éste director y cómo jamás me decepciona. No soy una snob, simplemente el cine más académico, el cine de autor me gusta y no tengo que sentir vergüenza por eso. Hoy por hoy parece que es de postura que disfrutes del cine que ya no se hace, pero que afortunadamente en su momento se hizo y hay que agradecer el tener acceso a esas obras inimitables.

Una película fría como la mirada de una siempre espléndida Isabelle Huppert (cada día admiro más a ésta actriz), más distante de lo que puede parecer, que plantea muchos interrogantes de moralidad sin resolver ninguno, lo que da lugar a dejarnos meditando en silencio un buen rato. Sí, es fría en su puesta en escena pero es dura y desalentadora.

Es fácil emitir juicios morales cuando no pasamos necesidades y cuando no vivimos en un territorio desarmado y masacrado por la guerra. También pasa lo contrario, el apego a ciegas a la protagonista debido a que la entendemos y la abrazamos porque empatizamos con ella. Yo creo que nos sucede una cosa y la otra, y ese es el triunfo del filme. A mi particularmente, Marie me resultó desagradable como mujer, como madre y como esposa ahora bien, eso no me impide ver la tremenda injusticia que el Estado cometió con ella, usándola como ciervo al que hay que sacrificar a los fines de instaurar los valores sociales perdidos, que no es culpa del ciudadano de a pie el que se pierdan, pero siempre son las víctimas de las circunstancias. De la carencia de escrúpulos y de la ineptitud de quienes sustentan el poder.

No sé si es un asunto de mujeres cuando en el camino se hace daño a todos: mujeres, hombres y niños. Ojo con eso. Seguramente a día de hoy ésta cinta es un emblema de los colectivistas que supuestamente representan a las minorías pero que no hacen más que despilfarrar odio.

Para concluir, la película es buenísima y da para pensar. No hemos cambiado ni cambiaremos como sociedad.

Muy recomendable.