Tras The Collector, Marcus Dunstan realiza una secuela en la que vuelve a traernos a los protagonistas de la anterior película y aumenta el nivel con mas sangre, mas gore y mas trampas. Año 2012.

¿De qué va?
En una fiesta privada, el coleccionista arrasa masacrando a todos los jóvenes y como siempre, deja a un superviviente. En este caso es Elena, una joven, hija de un millonario la cual acaba dentro de uno de los baúles del asesino. En ese momento, Arkin, que estaba en otro de los baúles logra escapar.
Ahora, y con un equipo de élite, entrarán con su ayuda en el escondite del coleccionista para rescatar a la chica. El problema ocurrirá una vez dentro, donde ya no podrán salir tan fácilmente...

Actores.
Josh Stewart (The Collector, Dark Knight Rises) es Arkin
Emma Fitzpatrick es Elena
Lee Tergesen (Le Llaman Bodhi, Monster) es Lucello, encargado de rescatar a Elena
Christopher McDonald (Requiem por un Sueño, The Perfect Storm) es el Señor Peters, padre de Elena.

Impresión.
La mayor duda de ésta película era la de saber si como mínimo podía estar a la altura de su anterior y primer film. Os recuerdo que The Collector, a modo personal, fue una cinta que me gustó porque pese a rozar el estilo Saw, guardaba tensión, intriga y un punto de originalidad.

En el caso de The Collection la cosa se amplía para adentrarnos en la "casa" del malo malote. Una especie de mansión repleta de trampas. Y ahora sí que se parece aun más a la saga Saw, lo cual ni me parece malo, ni me parece bueno. Simplemente tiene su punto.

La gracia recae en la "personalidad" del villano porque en ésta ocasión lo vemos moverse con mas soltura, hay mas cámara para él y observamos que es una auténtica máquina de matar. Ya no solo creando trampas, sino en la lucha cuerpo a cuerpo, todo un destructor al mas puro estilo Van Damme (quizás me he pasado un poco), donde es capaz de plantar cara con su musculatura a todo un batallón de élite.

Ese apartado es lo que me ha resultado mas interesante, ya que todo lo demás que ocurre, es un símil al Saw que conocemos. Eso sí, el inicio en la discoteca, probablemente sobrepase a todas las películas de la franquicia gore (me faltan algunas por ver y de aquí a un tiempo el blog tendrá un ciclo, haciendo de tripas corazón, nunca mejor dicho).

No obstante, es innegable decir que la película tiene muchos fallos, pero es normal, no es una gran superproducción y su meta no es más que la de buscar el momento para sorprender trampa tras trampa. Aún así, entretiene de lo lindo.

En resumidas, es una digna secuela. No me atrevería a decir que es mejor que la primera, pero sí es mas "bestia". Y si en la primera, el final nos dejaba con un sabor agridulce (resuelto en ésta), con The Collection ocurre algo parecido pero mejor y que no desvelaré para aquellos que queráis verla. Me parece un buen final, y bien aprendido de la eterna saga que ya he citado antes...

Música.
Charlie Clouser le toma el relevo a Jerome Dillon. Así pues, el creador de la sintonía principal de Saw recrea una composición tétrica y muy acorde al lugar y momento de cada minuto en el film. No pasará a la historia pero es muy acertada.

Lo Mejor: Mas grande, mas gore y con un villano en acción mas participativo

Lo Peor: Cada vez se parece mas a Saw.

Calificación: 6/10

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No Llores, Vuela (Aloft) supone la apertura del 17 Festival de Cine Español de Málaga. La directora peruana, Claudia Llosa, cuenta con un compendio de actores de renombre entre los que se encuentran ganadores del oscar, del globo de oro y diversos premios. Llosa ha querido, sin faltar a su estilo, realizar una película alejada de las grandes urbes. De ahí que los paisajes se conviertan en otro de los protagonistas de ésta historia, grabada en diversos parajes de Madrid y Canadá, respectivamente en Manitoba. La soledad de esos parajes helados, la escena del lago helado y el largo camino son algunos de los momentos que convierten esa solitaria caminata en un punto de suspense y agobio bien trabajado. Es cierto que la directora había contemplado la idea de grabar en otros parajes mas secos como en Lituania o Estonia pero fue todo un acierto acabar en Manitoba. De esa manera ha logrado añadir mas expresividad al intenso mensaje final sobre la luminosidad y la frialdad de la negra oscuridad del paraje, consiguiendo una atmósfera de una belleza poderosa y una soledad única.

Llosa ha querido dar un mensaje con ésta película. Si bien el personaje protagonista de Jenniffer Connelly ubica su vida en el mundo de la sanación y los milagros, utiliza la relación de madre e hijo para hablar del verdadero milagro actual, el perdón. Sin embargo, fuera de toda ésta poesia y ese profundo mensaje, en referencia al contenido de la película, hay que dejar claro que tiene bastantes altibajos, no solo en su historia, sino también en algunas interpretaciones. Jennifer Connelly mismamente lo hace francamente bien, pero tiene momentos de sobreactuación, sobretodo en los gritos a su pequeño, los cuales resultan hasta cierto punto incomprensibles.

En plena segunda guerra mundial, la producción Disney cambió radicalmente para ofrecer una serie de películas muy diferentes a lo que nos tenían acostumbrados. Saludos Amigos fue la primera de las que citamos y es conocida como el sexto clásico de la factoría. Año 1942.

¿De qué va?
Algunos directivos de la Disney viajan a Sudamérica para investigar e inspirarse. Así pues nacen nuevos bocetos para películas que se reflejarán en forma de cortometrajes, siendo cuatro las historias que se podrán disfrutar en la cinta.

Impresiones.
El cambio de Bambi a Saludos Amigos fue notable por diversas razones. En primer lugar había estallado la segunda guerra mundial y la producción europea estaba cerrada. Seguidamente, una huelga sindical amenazaba al estudio, por lo que todo fue muy ajustado.

La cinta se aleja del estilo de las primeras, que eran basadas en cuentos clásicos y se asemejaba mas a los comienzos cuando Disney solo realizaba cortometrajes. La razón fue que el presidente Roosevelt encomendó a los estudios a hacer ese viaje y la película para así declarar la "política de buena vecindad". Todo ello fue porque a comienzos del siglo XX, Estados Unidos ya había estado en guerra con Haití o la República Dominicana, por lo que quería hacer una nueva negociación de amistad como países vecinos que eran y así estar juntos en la guerra.


De esa manera, salió a la luz Saludos Amigos. En ella, mientras vemos en imagen a los directivos pasear por las diferentes zonas de Sudamérica, podemos apreciar incluso al propio Walt Disney observar los nuevos bocetos para futuros trabajos.
El objetivo final del viaje no era otro que la inspiración y el poder de nuevo unir amistad. Así pues en el film podemos ver cuatro cortos.

El primero es sobre el Pato Donald y su viaje a los Andes, donde emprenderá camino con una llama donde sus aventuras son muy parecidas a la de otros cortos donde hemos visto al pato en acción.

El segundo corto es el del avión Pedro, que aprovechando que su papá está enfermo, le toma el relevo para ir a recoger el correo. Sin embargo, en su viaje de vuelta se tropieza con el Aconcagua en un temporal nevado.

El tercero nos sitúa a Goofy al estilo gaucho, explicando todas las costumbres de comida y caza de éstos argentinos. Junto a su caballo, acabarán formando una pareja de patosos única.

Y el cuarto y último es probablemente el mejor de todos, Acuarela de Brasil, donde sale por primera vez el personaje de José Carioca, un loro (o papagayo) brasileño que le mostrará a Donald todas las costumbres del país y sobretodo su música y baile.

La creación del personaje de José Carioca sería emblemática y volveríamos a verlo mas adelante. Fue la representación Disney en Brasil y ésto hizo que tuviese su propio cómic y tira cómica. Habla en su idioma y es aquí donde vemos en el doblaje como a veces Donald cambia del español (doblado) al inglés, que es de donde realmente procede.


Fuera de todo ésto, hay que decir que a modo documental, la cinta puede ser entretenida por ver costumbres de aquellos pueblos plasmadas en dibujos, sin embargo es una de las películas mas pobres de la factoría aun siendo de las mas cortas pues dura solo cuarenta minutos. Es efectista y por aquel entonces tuvo mucho éxito, consiguiendo así tres nominaciones a los Oscars a mejor canción, banda sonora y sonido.
A día de hoy, verla sirve mas bien como documento histórico y entretenimiento. Recordemos que por aquel entonces, se hizo con el pretexto de unir lazos, nada mas. Ni tiene la calidad de las anteriores películas ni nada, pero al menos entretiene y pasas cuarenta minutos de forma amena.

Lo Mejor: Acuarela de Brasil y José Carioca

Lo Peor: No tiene argumento ni calidad. Se hizo con el pretexto de entablar amistad durante la guerra.

Calificación: 5/10

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Vuelve Zhang Yimou con una sobrecogedora historia de amor. Tras unas cuantas películas de acción, regresa al género romántico con Amor Bajo el Espino Blanco. Año 2010.

¿De qué va?
En mitad de la Revolución, Jing, una colegiala de padre derechista encarcelado viaja a un pueblo montañoso para aprender. Allí conocerá a un joven de costumbres distintas del que se enamorará. Sin embargo, no pueden verlos juntos pues su reputación depende para conseguir un puesto de profesora en la escuela y obtener el sustento necesario en su casa ya que su madre trabaja sin parar para alimentar tres bocas.
La joven pareja seguirá viéndose hasta separarse por un tiempo, donde descubrirán que algo ha cambiado...

Actores.
Dongyu Zhou es la joven Jing.
Shawn Dou es Sun.

Impresiones.
Tras El Camino A Casa, una de las películas mas hermosas y favoritas de servidor, Yimou, tras un cambio con cintas como Hero (otro peliculón) o La Casa de Las Dagas Voladoras, vuelve al género romántico con Amor Bajo El Espino Blanco.

Y cuando hablamos de romántico no nos referimos a cintas de amor convencional de esas que salen varias cada semana en cine. No. El amor de Yimou es del verdadero, del que duele, del que deja huella. Pocas películas se hacen así y por eso, El Camino a Casa es tan buena.


Con ésta película, que dirigió un año antes de Las Flores de La Guerra, consiguió nuevamente reconocimiento e incluso en Seminci obtuvo el premio a la mejor actriz, Zhou.

Amor Bajo el Espino Blanco está basada en una novela de Ai Mi y su literatura es todo un deleite para los fans del género romántico con letras grandes.

La cinta que resulta emotiva por su ternura y muy lograda por su ambientación, se redondea con la magnífica actuación de los jóvenes protagonistas que demuestran sin lugar a dudas un amor puro y casto. Un amor con el que son capaces de aguantar años hasta poder tenerse.

Michael Haneke ganó en la edición del 2012 la palma de oro en Cannes con Amour, una cinta que en cierto modo se aleja de la crueldad a la que nos tenía acostumbrados, pero que sigue guardando netamente todo el estilo de su autor. Año 2012.

¿De que va?
Un matrimonio de octogenarios que se habían dedicado a la enseñanza de la música en sus años, viven sus días con cariño y tranquilidad hasta que un día ella tiene una hemiplejia y le hace prometer a su marido que nunca la va a volver a llevar al hospital. Ahora, el marido que tanto la ha amado, se encargará de atender a su esposa con todo lo que pueda y esté en su mano.

Actores.
Jean-Louis Trintignant es Georges. Su actuación es de auténtica maestría. Éste actor que ha trabajado en una larga lista de películas está ante uno de los papeles mas duros de su carrera al encarnar a un sufrido marido que sobre todas las cosas, ama a su mujer.

Emmanuelle Riva es Anne, su esposa. Y si decíamos que la actuación del marido era de libro, la mas aplaudida sin duda es la de Riva, que no solo actúa como tal sino que tiene a su cargo el esfuerzo de interpretar a una mujer que se va deteriorando poco hasta el extremo de perder toda su conciencia. Brillante.

Isabelle Huppert es Eva, la hija del matrimonio. La actriz que ya ha participado en otros films del director, sale brevemente en la cinta en dos momentos (o tres) pero que sin duda nos muestra una lejanía con su familia, en este caso por trabajo, pero no por ello, resta importancia a la relación de amor para con los suyos. Breve pero buena.

Impresiones.
Amour es una de las cintas mas fuertes del 2012, no solo por salir victoriosa en Cannes, galardón muy merecido, sino por demostrar que un director como es Michael Haneke es capaz de ahondar en otras temáticas alejadas de la crueldad y la violencia a las que nos tiene acostumbrados.

Personalmente no soy muy seguidor del director y no he visto muchas películas de él, pero las que he visto, son suficientes para comprender en cierto modo el estilo del autor.. Sin embargo, la crítica estaba toda unánime con respecto a éste film. Así que me dispuse a verlo y comprobé que el director se ha ablandado.

Pero ojo, "ablandado" es un término que en Amour no cuela ni con filtro de los mas estrechos. En este caso me refiero a que el director, tal y como reza el título del film, nos enseña una de las muestras mas grandes de amor nunca vistas. Eso no quita que la cinta esté cargada de angustia y crudeza, denominadores comunes del director que sin embargo resultan muy acertados en éste caso pues el realismo de la historia del matrimonio octogenario nos sobrecogerá.


A continuación hablaré brevemente a modo de análisis según mi visión del film. Contiene Spoilers, por si aun no la habéis visto.