La película “A hundred flowers” se presentó a concurso en la 70 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Genki Kawamura, escritor de la novela y guionista se hizo con una merecida Concha de Plata como mejor director, con lo que era su primera obra de ficción, por sostener con delicadeza y oficio esta historia que te arrastra con un ritmo hipnótico, a un viaje emocional y poético a través de los recuerdos.

Sin caer en esteriotipos nos cuenta la historia de Yuriko, excelente interpretación de Mieko Harada, una profesora de piano a la que su médico acaba de diagnosticar de alzhéimer, y la reacción de su hijo Izumi, quien todavía necesita la memoria fragmentada de su madre para sanar algunas heridas del pasado. Con una gran sensibilidad seguimos con emoción la recreación de estos dos personajes, la historia materno-filial se compone de recuerdos únicos y divergentes, que son a la vez férreas cadenas y profundas lagunas donde todo es posible. Cómo alegoría del olvido asistimos a un juego constante con el espacio y el tiempo, con unas imágenes que vuelven en bucle, naufragamos por los momentos de desorientación, de amor, de rabia, de tristeza, sintiendo que formamos parte de ese puzzle, y que a cada personaje le falta alguna pieza para cerrar en paz. Yuriko, quiere recordar, pero su mente fragmentada solo atiende al poder de la emoción, Izumi, quiere olvidar, y los recuerdos le impiden abrirse a amar.

Excelente representación del olvido, la memoria, el dolor y la tristeza por la pérdida. Viaje poético, bello, evocador y profundamente emotivo.

Thomas Salvador presenta en la sección Zabaltegi-Tabakalera el largometraje La Montain, que ya exhibió en la Quincena de Realizadores de Cannes.

Con un ritmo casi hipnótico nos adentramos en la vida de Pierre, un ingeniero que tras viajar a los Alpes por trabajo, se siente poderosamente atraído por el paisaje que le envuelve. Decide acampar y tomarse unos días de descanso, aunque el contacto con la alta montaña, le hace replantearse su trabajo, su forma de vivir y sus prioridades.

Con cada nueva exploración en la montaña, el personaje se siente más conectado consigo mismo, y más alejado de lo que hasta ahora había sido su vida. Se produce una fusión entre la naturaleza que brilla en todo su esplendor y el fluir de Pierre, que cada vez está mas acompasado con el ritmo natural de la montaña.

Con una mirada alegórica fantástica nos adentramos en ese viaje, somos testigos de esa profunda simbiosis y sentimos esa luz que ilumina lo más profundo, hasta plantearnos otra forma de vivir y de relacionarnos con el tiempo, con los demás, con nosotros mismos y con el universo que nos envuelve.

Actual e interesante propuesta.

El director donostiarra Mikel Gurrea presenta en la Sección Oficial del Zinemaldia su primer largometraje, “Suro”, con el que consigue el premio Irizar al Cine Vasco y el Fipresci de la crítica internacional y de la Asociación Vasca de Guionistas.

El film cuenta la historia de una pareja que toma la decisión de irse a vivir al campo y las tensiones que eso conlleva. Vicky Luengo y Pol López encarnan con garra, naturalidad y realismo a una pareja de jóvenes arquitectos, Iván y Helena, que ven la oportunidad de llevar a la práctica un nuevo plan de vida cuando Helena, embarazada, hereda una propiedad en una zona rural y deciden explotar el corcho (‘suro’) de un extenso bosque de alcornoques.

Con un ritmo cercano al western, con cercanía, asistimos a los entresijos de esta pareja, desde su aparente afinidad, hasta penetrar en lo más íntimo de su mundo interno. Cómo esos árboles que quedan desnudos, sin corteza, se verán cara a cara sin máscaras. El contacto con el entorno rural y las tensiones de convertirse en terratenientes, pondrá a prueba la imagen de sí mismos y la credibilidad de unos ideales que deben pasar a la práctica. La nueva realidad les obligará a enfrentarse a sus contradicciones, a replantearse sus convicciones sobre la inmigración, la explotación laboral, y los valores que son prioritarios para sostener su nuevo hogar.

Excelente debut, con una escenografía y clima a la altura de las notables interpretaciones de los dos protagonistas, que saben transmitir con naturalidad las contradicciones propias de su generación y del momento actual.

El director Paco Plaza presentó esta obra a concurso en el 69 edición del Festival de Cine de San Sebastián, con guión de Carlos Vermut, quien ya triunfara en el festival con su sorprendente, Magical Girls.

'La Abuela', se inicia con una inquietante imagen en primer plano que nos habla de dos de los contenidos que van a vertebrar el film, la decrepitud y el paso del tiempo. Y es que bajo el amable título de 'la abuela' se esconde una sorprendente película de terror con la vejez cómo tema central, y con la debutante Almudena Amor como elemento vertebrador.

La inquietante atmósfera creada enmarca a dos mujeres, magníficamente interpretadas por las dos protagonistas, que parecen totalmente antagónicas. A partir de ahí el espectador tendrá que vislumbrar en el juego de espejos, y la cadena de elementos inquietantes, el verdadero significado de la película. La juventud, la vejez, la belleza, la decrepitud son dos caras de la misma moneda, o quizás la misma cara en planos diferentes. El juego con el espectador es continuo.

Porque pese a la etiqueta de supuestamente cine de género, hay mucho de verdad en la imagen de esa personaje, en la inquietud de verse invadido por la demencia, por el terror que genera en el otro su incomprensible comportamiento, en la crueldad de una enfermedad que invade y aleja a la persona de su verdadera personalidad y la deja expuesta a la psicosis, a un mundo que ya no es real, que está invadido por el delirio.

Asistiremos a una batalla, una lucha real por asumir el duelo progresivo de la pérdida de identidad que supone dejar de ser uno mismo.

Casi veinte años después, de la mítica Los Lunes al sol, Fernando León de Aranoa vuelve a competir en la sección oficial de la 69 edición del Festival de San Sebastián, con su actor fetiche, Javier Bardem. Con su nueva creación El buen Patrón, el director vuelve a sumergirse en la realidad social, con una certera aproximación de la precariedad del mundo laboral, dejando a un lado la foto más dramática, empática, con lo grupal como forma de pertenencia, y enfocando el individualismo más descarnado.

La construcción de personajes vuelve a ser coral, pero con un personaje nuclear. Pasamos Santa como personaje clave, y enfocamos en lo que a lo que podría ser su antagonista, Blanco, jefe de una empresa de balanzas, que hará lo posible para mantener el equilibrio social, y el lugar que le toca por clase. En una especie de dietario, con los días de una semana a modo de avance, asistimos en un buscado tono de comedia, a penetrar en el día a día de Blanco, que como personajes central interactúa con todo el coro de personajes, para desenmascarar su verdadera esencia. Es un juego sutil en el que Javier Bardem participa con una interpretación calibrada, minuciosa, dando todos los matices que necesita para que el espectador pueda extraer su propio mensaje. Apoyado por un notable trabajo de guión, con unos diálogos cuidados, diseccionados con tono exacto, donde se dice más de lo que se pronuncia, y donde queda mucho por rellenar y reflexionar.

León de Aranoa, maneja con maestría todos estos elementos para presentarnos una sátira sobre la precariedad laboral del mundo actual, el individualismo, y también una reflexión más personal sobre lo que somos capaces de convertirnos cada uno en nuestra pequeña parcela de poder. Notable reflexión.