Esta película, del año 2012, es lo último que hemos podido ver en España del reciente ganador del Premio del Jurado en el festival de Cannes, el niño prodigio del cine, Xavier Dolan.

La película, que el cineasta canadiense escribió y dirigió con tan solo 23 años, cosechó un gran éxito internacional al igual que sus anteriores trabajos como Yo maté a mi madre, que le proporcionó una nominación a los Oscars con solo dieciocho años. Laurence Anyways, su película más ambiciosa hasta la fecha, Ganó el premio a Mejor Película en el Festival de Toronto y estuvo en la sección Un “Certain Regard” del Festival de Cannes.

La película, como es habitual en el cine de Dolan, vuelve a tratar los problemas de las relaciones personales entre personajes con diferentes identidades sexuales. En este, su tercer film, nos cuenta la historia del un matrimonio a través de diez años de idas y venidas iniciadas por el anuncio del marido, Laurence Alia, interpretado por Melvil Poupaud, a su mujer Fred (Suzanne Clément) de que se siente una mujer y quiere hacerse un cambio de sexo. Como Laurence intenta explicarle a Fred, el se siente una mujer, no el hombre que ve al espejo, pero eso no quiere decir que sea gay y, por lo tanto, sigue amándola. Fred se verá en la difícil situación de salir con un transexual e intentar mantener su amor por un hombre que quiere dejar de existir como tal.

Al contrario de lo que cabría esperarse por el argumento, la película no se centra en los problemas homofóbicos, familiares o laborales de sus protagonistas, sino que, a partir de esa difícil situación, muestra el desgaste de una relación de pareja en la que el amor es increíblemente fuerte para luchar contra todo tipo de adversidades, derivando así la película en una búsqueda de la propia felicidad, el amor propio frente al compartido y la búsqueda de la verdadera personalidad. Es, al fin y al cabo, una película sobre quitarse las ataduras de la sociedad y ser uno mismo.

La película, en formato 4:3 como el cine clásico, y de 168 minutos de duración, no se hace pesada sirviéndose de su largo metraje para hacerte comprender a sus complejos personajes cada vez más con el paso de los minutos. A su vez, el film contiene todos los rasgos estéticos propios de Dolan que le granjean tantas críticas como elogios, cierto abuso de la cámara lenta, la artificiosidad, espacio para cualquier acontecimiento imaginario o fantasioso y la abundancia de música externa, en la que se encuentran todo tipo de temas. Dolan también destaca por un gran uso del color y los encuadres, dándole importancia a una estética pop muy potente con un gran uso del color, sobretodo en sus personajes principales. También son destacables los arriesgados planos desarrollados cámara en mano con grandes angulares en espacios reducidos como el coche o en fuertes peleas de pareja. Así mismo, escenas como las de la fiesta o los paseos por el instituto vestido de mujer muestran el potencial visual de este joven y atrevido realizador canadiense.

En su pareja protagonista destaca Suzanne Clément como una mujer enamorada que intentará soportar tener que comprar pelucas para el hombre al que ama, merecida ganadora del Premio a Mejor actriz en “Un Certain Regard” en Cannes. El protagonista Melvil Poupaud, parece, como su personaje, sentirse más cómodo en su interpretación femenina mostrándose mucho más inseguro e irregular en su papel de Laurence masculino.

Un cineasta irregular, con un estilo arriesgado, pretencioso y recargado, que, sin embargo, se perfecciona película a película, convirtiendo al realizador en el cineasta de 25 años más exitosos de la historia con cinco largometrajes ya a sus espaldas y reconocimiento en Cannes, los Oscars, Venecia, ect. Laurence Anyways, a falta de de poder disfrutar en España de sus dos últimos trabajo es la mejor muestra de ello.

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Omar de Hany Abu-Assad, fue la ganadora del Gran Premio del Jurado en la sección “A Certain Regard” del Festival de Cannes 2013 y, además, compitió por el Oscar a Mejor película con rivales como La Gran Belleza o Alabama Monroe. Está película de escasa, aunque existente distribución no merece pasar desapercibida ya que claramente estamos ante una de las grandes películas del pasado año.

La película procede del Palestina. Es difícil de creer que en medio del conflicto Palestino-israelí se puedan realizar largometrajes de talla internacional pero como Omar vuelve a demostrar, el cine, como todo arte, es indestructible.

Al contrario de lo que suele ser habitual en el cine árabe, la película cuenta con un ritmo apabullante a lo largo de su corta duración. Dejando al espectador respirar solo hasta el minuto uno de película, Hany Abu-Assad, conocido por Paradise now, nos cuenta la historia de Omar, un joven palestino que está estableciendo un pequeño grupo de resistencia (según el telediario terrorista) con sus dos amigos de la infancia. Omar salta el muro cada vez que puede, esquivando los disparos para reunirse con ellos, pero sobre todo para ver a su amada. Después de la primera acción del grupo Omar será retenido y torturado y cuando lo sueltan ha de elegir entre él y sus amigos.

La historia está llena de intensas emociones, tratadas siempre de un modo muy complejo, como en los callejones que recorre Omar a toda velocidad, nunca se ve la salida y cada vez parece todo más difícil. La película hace gala de un guión intenso y sorprenderte que pega al espectador a la silla y hace aconsejable acudir a la sala con las uñas recién cortadas. La narración no se queda atrás acompañada de una excelente fotografía que nos mueven por esta historia, llena de ritmo, de forma clara pero laberíntica.

El grupo de actores amateurs hace una labor excelente y da a la película ese toque de realismo que requiere acercándonos a la realidad de un conflicto, pero sobretodo de una persona dentro de ese caos. No esperen encontrarse una película que se posicione en el conflicto, que denuncie u opine claramente, sino con un film tan cruel como apasionado, tan real como hermoso sobre como las cosas malas de la vida suelen vencer a las buenas.

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Esta vez no se puede empezar la crítica diciendo que acaba de llegar a los cines o que su estreno es inminente, Under the Skin, la nueva película de Jonathan Glazer, protagonizada por Scarlett Johansson, no tiene, ni parece que va a tener, distribución en España a pesar de haber sido citada en numerosas listas como una de las mejores películas del 2014.

Es comprensible que, debido al carácter de la película y, a pesar de estar protagonizada por una rompetaquillas como la voluptuosa actriz norteamericana, la película no vaya a ser distribuida debido a su, cómodamente llamada, “rareza”. La película se podría resumir en que Scarlett Johansson personifica a una especie de alienígena que actúa como una viuda negra, seduciendo a hombres solitarios de los que, se supone, se alimenta. Toda esta sinopsis ha de deducirse ya que la película nunca dice nada en claro, como si la narración fuese el río negro en los que se hunden los cuerpos de las conquistas de la protagonista.

A pesar de su misterio, su cierto grado de hipnotismo y su apuesta innovadora y experimental, la película resulta demasiado simplona a nivel argumental y los vacíos de contenido se hacen, demasiado habitualmente, pesados y monótonos. Probablemente, el director haya creído con exceso en su licencia para innovar confiando en el poder de atracción de los casi continuos desnudos y escenas de sexo de su protagonista, inéditos en su anterior filmografía, dejando la película demasiado vacía y solo a ratos atrayente.

Aún así, admitimos que Under the Skin es de esas películas que ponen de manifiesto, más que pocas otras, la subjetividad del arte, ya que ha de ser el espectador quien llene ese producto argumentalmente tan minimizado.

Ya sea por querer ver una película diferente de alienígenas, por el interés que suscitan las películas con vocación experimental o hipnótica o por los desnudos de su protagonista, Under the Skin es un film que debería llegar a las pantallas españolas, aunque fuese solo a las alternativas. Por ello, por mucho que se empeñen, para estas cosas y muchas otras, estará el "malvado" internet.

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Cómo no, Woody Allen, año tras año sigue estrenando película tras película. Como él mismo ha dicho en más de una ocasión sigue la teoría artística de la cantidad, cuanto más películas hagas, más películas buenas harás. Queda claro, tristemente, que ya no nos va a deparar aquellas obras maestras que nos regaló en la década de los setenta y ochenta, pero no podemos reducir el cine de un gran maestro como el neoyorkino a la nada.

Saltándonos la facilona teoría sobre el Allen moderno de que hace una película buena y una mala, nos encontramos con Magia a la luz de la luna. La película narra la historia de un mago que, irónicamente, es el ser más pesimista, racional y escéptico de cuantos se puede imaginar. Interpretado por un sobresaliente, como siempre, Colin Firth, la misión de este mago, al que Allen personifica magistralmente con frases de su admirado Nietzsche, es ir a la bellísima Costa Azul francesa a desenmascarar a una, no menos bella, adivina y espiritista, interpretada por Emma Stone.

De la película se podrían enumerar varios, a priori, defectos como su ligereza o su falta de aspiraciones pero estaríamos siendo injustos. Está claro que esta película nació y así ha madurado, como una película menor y sin pretensiones dentro de la carrera del genio de Brooklyn pero, su entrañable disfrute, la psicología de sus personajes y su interesantísimo discurso acerca de la eterna lucha entre fé y razón, el cual, Allen rechaza utilizar como contenido intelectual que aumente su ego autoral a favor del disfrute del espectador, hacen de Magic in the moonlight una película muy recomendable.

Allen, actualmente, es el único capaz de imitar con éxito las formas, casi extintas, de la alta comedia hollywoodiense desaparecida desde los tiempos del cine clásico. En un mundo en el que un autor debe de provocar, hacer un discurso intelectual o intentar cambiar el cine para mantener el calificativo de artista, Allen, consciente de que nada le bajará ya del pedestal, recuerda a los cerebros acuchillados de genios como Wilder o Lubitch que hicieron arte con mayúsculas diciendo cien verdades por cada risa que sacaban del público.

Puede que Magia a la luz de la luna no sea equiparable en calidad con obras semejantes como Avanti de Billy Wilder o que sea una película menor o intrascendente pero, que Allen no caiga en fatídicos intentos de recuperar su trascendencia, sino que siga haciendo, simplemente, el cine que le apetece hacer, y que ese cine tenga por objetivo hacer disfrutar al público como a él le hicieron disfrutar de niño, no es más que otra muestra de inteligencia y humildad del genio neoyorkino. Señor Allen, por favor, siga haciendo cine.

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Life Itself es un documental tributo a Roger Ebert, el crítico de cine más famoso e influyente de la historia y único de su profesión en ganar el prestigioso Premio Pulitzer.

Con una estructura de documental clásico y poco innovador en cuento a la narrativa, la película se sirve de imágenes de archivo, comentadas por las memorias del propio Roger y otras, referentes a sus últimos días de vida en el hospital afectado de un cáncer que lo dejó sin habla, siendo estas últimas las que dan la verdadera fuerza y razón de ser a este aclamado (sobre todo por los premios de la crítica, cómo no) documental.

Roger Ebert era, como todas las personas, un tipo único, solo que él tenía un talento, el de escribir como un torrente de ideas y verdad, con una franqueza que combinaba profundidad y simplismo. Se podría decir que Ebert era el cruce perfecto entre el sentimiento irreflexivo de Carlos Boyero y el saber de André Bazin pero a alguien de su dimensión nunca es lícito compararlo. Como apuntes curriculares decir que nunca abandonó su periódico, el Chicago Sun-Times, tampoco su programa de televisión, el mítico “In the movies”, copresentado con su enemigo más querido, el también mítico crítico Gene Siskel, ni su blog (fue un pionero de la crítica en internet), en definitiva, Ebert nunca lo dejó hasta su muerte.

El documental, repetimos, bastante corriente en cuanto a su forma y enfoque, no se esfuerza en mejorar algo que ya de por sí vale la pena, su figura protagonista. Quién vea el documental conocerá un poco más a este mítico personaje, a su familia, su forma de escribir, su programa o descubrirá que un crítico, al que muchos llamaron simplista, alcanzó tal poder gracias a su dedo pulgar que pudo dar a conocer al mundo entero cineastas que hoy aclamamos como genios.

En definitiva, estamos ante un documental que no hará historia, su protagonista en cambio, literalmente, la escribió.

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