La serie nos sumerge en el Hollywood de los años 70 para mostrarnos cómo funcionaban los engranajes de los estudios en una época en la que el cine volvió a brillar tras unos años de crisis creativa, donde una sociedad incipiente demandaba algo más; era necesaria savia nueva, llegaba una década de resurgimiento del cine donde Coppola y otros grandes maestros volvieron a hacerlo resplandecer.

The Offer va cogiendo forma a lo largo de unas 10 horas en las que descubrimos el titánico trabajo realizado por los cientos de profesionales implicados en la filmación de El Padrino.

El productor Albert S. Rudy, interpretado aquí por Milles Teller, se enfrentó durante el proceso creativo a una constante oposición no desde uno, sino desde varios frentes, pues los sindicatos, la mafia e incluso el mismo estudio parecían presentarle batalla a cada paso. No obstante, su férrea voluntad, talento e inventiva lograron llevar milagrosamente la producción a buen término.

Francis Ford Coppola aquí Dan Fogler, fue sin duda esencial para darle forma a la película tal y como la conocemos, entre él y Mario Puzo (Patrick Gallo) adaptaron esta historia sobre el ascenso de una familia de inmigrantes italianos. Su toma de decisiones en innumerables aspectos del film como la iluminación, la elección de los intérpretes y las localizaciones, sobre todo en lo referente a Sicilia, fueron sin duda cruciales para poder acceder al corazón mismo de los Corleone.

Como no podía ser de otra manera, el casting de actores tampoco fue tarea sencilla, Coppola necesitaba de manera imperante a Al Pacino, entonces un jovencísimo actor que aún no había asumido la responsabilidad de ningún papel protagonista. Su físico, su ascendencia, no eran del gusto de Robert Evans (Matthew Goode), por aquel entonces presidente de la Paramount que no atravesaba su mejor momento y al que le encantaba rodearse de grandes estrellas que según su criterio aseguraban los éxitos en la taquilla, prefiriendo figuras seguras de la talla de Robert Redford o Jack Nicholson.

Tampoco fue fácil conseguir a Brando, otra ardua tarea, pues se había vuelto un hombre "difícil" y con el que los estudios temían trabajar. Sin embargo, un video casero en el que apenas se le reconocía convenció a la Paramount de que pesara a quien pesara, no había duda de que él era el más idóneo, pues era incuestionable su talento que lo situaba como probablemente uno de los mejores actores de la historia.

Justin Chambers, que interpreta aquí al verdadero Marlon Brando, y el joven Anthony Ippolito, que lo hace de Al Pacino, realizan una magnífica labor máxime teniendo en cuenta en quienes se están mimetizando. Me ha encantado la secuencia en la que ruedan como se filmó la famosa escena del restaurante en la que Michael mata a Sollozzo y a McCluskey. Un auténtico momento de inflexión, tanto para el pequeño de los Corleone como para el actor Al Pacino, pues ya pudimos ver cuánto se estaba jugando.

La secuencia de la increíble proyección privada en New York para aquellos "colaboradores más especiales" es una auténtica carta de amor al cine.

Las puertas se cierran y se apagan las luces, oímos el ruido del proyector girando y se hace la magia, empezamos a oír las primeras notas de la magnífica banda sonora de Nino Rota, la cinta avanza mientras oímos, aunque no vemos; tampoco lo necesitamos, pues algunos de esos momentos permanecerán grabados ya para siempre en nuestras retinas.

Creo que esta historia se ha escrito para ser apreciada sobre todo por amantes del séptimo arte y en concreto para los más incondicionales de la cinta, contada desde la perspectiva del tiempo y con una voz nueva y feminista que nos hace oír ahora (quizá más que entonces) las de aquellas mujeres que en su día pasaron más desapercibidas y que fueron vitales para el buen desarrollo de este monumental proyecto. Voces como la de la ayudante de producción Betty McCartt, la directora de casting Andrea Eastman, y la hermana del director Talia Sire que llegó a sufrir maltrato real por parte de su compañero de reparto Gianni Russo.

La dirección de la serie no brilla a pesar de reinterpretar algunas de las secuencias más icónicas de la historia del cine, y sí, los actores están magníficos, siendo sin duda lo mejor de toda la producción, que claramente carece del presupuesto necesario y se nota en la calidad general de la misma. Aun así, me interesa cada minuto e incluso hubiera agradecido algunos más, pues siento que me falta bastante información.

No sabemos muy bien, si todo lo que nos revelan ocurrió tal y como lo cuentan, la relación con la mafia y sus implicaciones en la película sin duda estaban ahí, digamos que el destino jugó sus cartas y ganó.

Todos ganamos

Adaptación de la novela del mismo nombre, en la que David Grann relata los terribles crímenes ocurridos durante los años 20 en Oklahoma que más tarde serían conocidos como “El Reino del terror”, un genocidio cometido contra la tribu Osage.

En esta nueva película, Scorsese hace una revisión necesaria de esta parte de la historia americana y trata de hacer justicia. Con esta incursión peculiar en el género western, pretende corregir los graves errores cometidos por el viejo Hollywood, que en los westerns clásicos, victimizaban, ninguneaban y representaban sin ningún respeto, usando además actores blancos, a los nativos americanos.

Según los propios Osage, es ahora por primera vez, cuando se han sentido realmente representados.

El director, a sus 80 años pero en pleno uso de sus facultades, nos trae este trabajo titánico de tremenda envergadura, ejemplo del que podrían tomar buena nota otros muchos cineastas; Scorsese no sólo se esfuerza en tratar de contarnos algo que ocurrió, unos hechos acaecidos en tal fecha y en tal lugar, sino que ha venido a mostrarnos mucho más, quiere que veamos la verdad con nuestros propios ojos, quiere que la sintamos, que aprendamos de ella, que empaticemos con las víctimas y así evitar, de algún modo que la historia vuelva a repetirse.

Un Scorsese mucho menos frenético que en ocasiones anteriores narra esta historia con un ritmo más pausado del que nos tiene acostumbrados, más cerca de “Silencio” que del “Lobo de Wall Street”, nos sumerge en una trama de crímenes, drama e investigación judicial, pero también, nos insta a detenernos, tomarnos un momento para descubrir las costumbres, los ritos, en definitiva, un poco la cultura de esta gran sociedad.

El metraje claramente podía haber sido mucho más breve, pero en palabras del propio Martin, él sentía que había que hacerlo así, estaba obligado. Era lo correcto y estoy de acuerdo.

El film nos deja fotografías absolutamente preciosas, y secuencias ralentizadas con imágenes icónicas que no pueden ser más evocadoras. El lenguaje visual empleado en la película es brillante. El prólogo de la cinta al más puro estilo Scorsese, es una auténtica masterclass.

Los actores están magistrales todos sin excepción, sus personajes son en su mayoría crápulas movidos por pura avaricia, entre los que tan solo una persona parece ofrecernos un poco de esperanza, una mujer, un rayo de luz entre tanta oscuridad, la cándida Lily Gladstone, que me sorprendería mucho que no fuera varias veces galardonada por este magnífico trabajo, creo tiene todos las cualidades necesarias para conseguirlo, su presencia en pantalla es arrolladora sobre todo si tenemos en cuanta su escaso diálogo.

Leonardo DiCaprio frente a un Robert De Niro todavía en plena forma, aborda aquí uno de los papeles más difíciles de su carrera, y el resultado no puede ser mejor, prótesis incluida al más puro estilo Marlon Brando en 1972, está simplemente soberbio y también estoy segura competirá en la carrera hacia los premios de La Academia entre otros, aunque en esta ocasión no me la jugaría teniendo en cuenta la clara competencia que le ha vuelto a salir este año.

La película me ha encantado, sí que dura 3 horas y media, pero mantiene mi interés en todo momento. No recortaría ni un solo fotograma.

Bellísimo espectáculo de amor, humanidad y supervivencia, contado con absoluto respeto y extraordinaria sensibilidad. Una auténtica oda a la amistad.
La historia presentada por Bayona de este terrible accidente ocurrido en los Andes en 1972, es un homenaje tanto a los que, por increíble que parezca, sobrevivieron como a los que no, y todo ello conseguido sin caer en el sensacionalismo a pesar de las crudísimas circunstancias.

Bayona es meticuloso, se muestra seguro en cada movimiento de cámara, mostrando un virtuosismo con el que cuida cada momento de la cinta desde la más estricta intimidad y hasta en el más ínfimo detalle. El elenco nos brinda unas interpretaciones deslumbrantes, destacando en concreto ese instante en el que el protagonista parece alcanzar la condición mística misma. Numa consigue encogerme el corazón cuando su voz en off se mantiene con nosotros más allá de lo posible.

Inmensas esas minimalistas secuencias con esos grandiosos planos abiertos que nos hacen sobrecogernos ante la despiadada y salvaje frialdad de la naturaleza, esa hermosísima y terrible naturaleza.
Preciosos los momentos ralentizados despidiendo a los caídos mientras sus nombres y edades se van mostrando solemnes, guardando el correspondiente tiempo de silencio.

Más que notable en todos los apartados técnicos, la secuencia del accidente es un ejemplo de destreza cinematográfica, filmada con un realismo extraordinario, es potentísima.

No puedo estar más orgullosa de que éste talentoso y grandísimo artista español nos represente allá donde vaya y ojalá eso sea muy muy lejos.

Extraordinaria historia sobre la amistad, la separación y la condición humana.
Sin guion y con un gran poder visual como arma principal, nos va envolviendo en el New York de los años 80 (recreado con todo detalle), para contarnos la historia de amor entre un perro y un robot.

Simple, colorida y minimalista, con reminiscencias a Miyazaki y plagada de referencias al mundo del cine y la cultura pop, nos sentimos transportados a ese colorido y mágico mundo irreal que encantará a los niños y hará llorar a los adultos.

La banda sonora elegida también extraordinaria nos hará seguir tarareando e incluso bailando ese tema principal "September" bastante rato después incluso de haber abandonado ya las salas.

Propuesta arriesgada por parte del director Pablo Berger, que nunca antes había realizado animación y que tras 5 años de laborioso trabajo, adapta esta magnífica novela gráfica americana escrita por Sara Varon, que dará sin duda la vuelta al mundo enamorando a todos.

Opera Prima del director español, que nos presenta en este drama, una búsqueda vital, la de un hijo entregado, perdido más bien, por una madre rota, ahora desesperada, humillada y olvidada que en sus últimos momentos encuentra en su vendetta personal las fuerzas para encontrarle un sentido a su efímera y fallida vida.

La encrucijada entre los 3 personajes principales que se reencuentran y permanecen unidos por puro amor es realmente conmovedora, estéticamente es una cinta bellísima, el director sabe sin duda emocionar, pero pretende también enseñarnos lo bien que se le pueden llegar a dar otros géneros, como el suspense e incluso el terror, perdiéndose en ellos y pecando en exceso de experimental.

Las secuencias que a mi parecer sobran, lo hacen porque no solo no aportan nada a la historia, sino que provocan que esta no alcance la fuerza suficiente que podría haber alcanzado en determinados momentos si no se dispersara tanto, y lejos de conseguir su objetivo acaba volviéndose tediosa y haciéndote perder en algunos momentos el interés.

Un par de veces miré el reloj.

Las actrices, Torrent y Dueñas nos brindan una interpretaciones titánicas que son con lo que me quedo, como ingrediente estrella de la película.