La isla del tesoro, la famosa novela de Robert Louis Stevenson, ha sido adaptada a la gran pantalla en múltiples ocasiones. Una de las más recordadas es la versión de Byron Haskin de 1950, película que supuso para Disney introducirse en uno de los primeros grandes rodajes con actores reales, lejos de sus habituales propuestas de animación. El film no consigue trasladar la grandeza de la obra original, pero resulta un divertimento apto para toda la familia en el que brilla por encima de todo y de todos la actuación de Robert Newton como el perspicaz pirata Long John Silver. La icónica imagen del pirata con pata de palo, sonrisa torcida, loro en el hombro y de pensamientos maquiavélicos se refleja a la perfección en la caricaturizada actuación del actor británico. Tanto la novela original como el propio film de Disney, se centran en el punto de vista del joven Haxkins, quien se ha de enfrentar a un mundo cruel que no acaba de comprender, debido a su ingenuidad y confianza perpetua en los demás, pero que poco a poco se irá forjando su carácter provocando la inevitable pérdida de la inocencia. En la película la relación entre ambos resulta un tanto desdibujada, dejando una sensación de ambigüedad y de forzar determinadas situaciones que no acaban de encajar del todo. El film cuenta con una modesta pero eficiente producción, en las que destacan el gran barco pirata, el vestuario de la tripulación y unos maravillosos fondos pintados a mano que se diluyen con la realidad. Quienes desconozcan el relato original, un aviso: el film se centra más en el enfrentamiento entre tripulación y piratas que en las propias aventuras que provoca la búsqueda de un tesoro. Bobby Driscoll, el actor que encarna al joven Jim, fue un habitual de las películas de Disney e incluso dio voz al mítico Peter Pan, pero cayó en las manos de la heroina y el alcohol, falleciendo a los 31 años de edad. Otro juguete roto en la larga lista de Hollywood.

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Las propuestas apocalípticas inundan la ficción. Películas, series, novelas, cómics, videojuegos… múltiples son las visiones de un futuro desgarrador en el que la humanidad se ha visto forzada a sobrevivir cambiando sus hábitos, volviendo a un estado más salvaje de desconfianza en el que predomina el instinto de supervivencia antes que cualquier tipo de solidaridad. Enfrentarse a zombis, guerras nucleares, escasez de recursos o pandemias mundiales siempre ha servido de trasfondo para acabar hablando del verdadero peligro para la existencia de la humanidad: el propio ser humano. El colapso es una miniserie francesa que a través de 8 episodios de 20 minutos de duración filmados en intensos plano secuencia nos muestra el derrumbe de la sociedad actual. De forma premonitoria a la pandemia iniciada en 2020, la serie estrenada en Francia en noviembre de 2019 muestra muchos de los comportamientos vividos en los tiempos del Covid-19, llevándolos a sus consecuencias más extremas. Escasez de productos en supermercados, desplazamiento a zonas menos pobladas, enfrentamiento y desconfianza entre personas, y, en definitiva, un instinto de supervivencia desatado por una situación de colapso del propio sistema en el que vivimos. Los recursos finitos se explotan hasta su extinción para el beneficio económico de unos pocos y el avance constante de una humanidad consumista que reflexiona poco sobre todo lo que implica ese comportamiento. La miniserie arranca con potencia y el ritmo va creciendo minuto a minuto, episodio a episodio, mostrando como las circunstancias debidas al colapso van avanzando de forma irremediable y cambiando el escenario para enseñar las diferentes afectaciones que provoca la situación. Merece especial reconocimiento el episodio que sucede íntegramente en una residencia de ancianos. El colapso provoca inevitables reflexiones: ¿Cómo nos organizaríamos? ¿Las personas privilegiadas seguirían siéndolo? ¿Qué sucedería con las personas dependientes? ¿Puede que algún día nos tengamos que enfrentar a una situación así? Una cosa está clara, el hombre es un lobo para el hombre.

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Aurel es un reputado dibujante y caricaturista francés que ha trabajado para múltiples medios de prestigio como el periódico Le Monde, y que debuta como director de largometraje con el film de animación Josep. La película narra a través de los recuerdos de un anciano que charla con su nieto, las vivencias de Josep Bartolí, un dibujante exiliado de la dictadura franquista en Francia, mostrando las terribles penurias que sufrió. Con clara vocación de homenaje a la figura de Bartolí, y en consecuencia, al propio mundo de la ilustración, la película maneja múltiples formatos que conectan con la animación tradicional, el mundo del cómic y la ilustración de denuncia. Esa mezcla de formatos ofrece un punto de vista original, una viñeta en movimiento que suma capas de complejidad a un relato que profundiza en temas habitualmente tratados en el cine: el sufrimiento de las victimas de la guerra, el abuso de poder, la frustración por el sometimiento, la fraternidad frente la injusticia… pero que también explora la distorsión de la memoria y los recuerdos por los estragos del tiempo. Siempre con Bartolí al frente de una historia en la que vemos como su lápiz y papel sirven para mantener la esperanza y la ilusión frente a la desesperación.

Josep recupera un suceso que queda obviado en la memoria histórica colectiva. Es más que conocido el exilio de miles de personas huyendo de la dictadura, pero aparecen las incógnitas cuando se afrontan las vivencias de todas esas personas exiliadas. ¿Cómo fue su huida? ¿Dónde fueron? ¿Cómo empezaron su nueva vida en el extranjero? La película se centra en los cientos de miles de refugiados que fueron a Francia a partir de febrero de 1939, y en como el gobierno francés los encerró en campos de concentración. Inmersos al poco tiempo en la Segunda Guerra Mundial, todos esos exiliados suponían un problema extra para una Francia envuelta en un conflicto bélico sin precedentes. Resulta inevitable pensar en como se percibe el film según la procedencia e ideología de los ojos que la miran, ofreciendo luz a una historia poco conocida y obviada en España, y probablemente borrada de la memoria de Francia, y que removerá del asiento a quien no sea abierto de miras hacia ciertas propuestas e ideologías.

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El mundo del boxeo ha dado grandes películas a lo largo de la historia. Desde Toro Salvaje a Rocky, pasando por Million Dollar Baby o The Fighter, siempre han estado al frente de esos films personajes expertos en encajar golpes tanto en el ring como en la vida. Relatos de superación, frustración y sobre todo de mucha lucha. My Punch-Drunk Boxer es la ópera prima de Hyuk Ki Jung, un film que se adentra de nuevo en el cuadrilátero pero en formato de drama con esencia de comedia romántica de cine independiente. A través de un guion que explora de nuevo el viaje de redención de un protagonista frustrado, también ofrece pinceladas de romanticismo adolescente, de lucha contra una enfermedad incurable, de la situación de crisis en ciertas zonas más pobres de Corea, e incluso deja espacio para la reivindicación cultural del Pansori, un canto narrativo típico de Corea que se representa a ritmo de percusión. Una percusión que guía los golpes de Byung-gu, un protagonista tan taciturno como entrañable. My Punch-Drunk Boxer consigue encandilar con sus adorables personajes, emocionar con sus momentos dramáticos y saca una sonrisa con sus puntos más cómicos. Una pequeña joya del cine coreano.

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La palabra remake genera rechazo entre la mayoría de amantes del cine. Pocos casos han conseguido superar la losa de tener que enfrentarse a la vanagloriada obra original. La cosa, El precio del poder, La mosca, El cabo del miedo o El amanecer de los muertos son algunos ejemplos de remakes que han recibido aplausos de crítica y público, pero cientos son los casos que no han conseguido acercarse a las cualidades de la obra en que se reflejan. Crear una nueva versión de un clásico de culto como Posesión infernal era una apuesta arriesgada, pero el experimento cumple, y con nota. El éxito del film se sustenta en cuatro pilares: el absoluto respeto por la iconografía clásica de la saga, la apuesta por el terror y el gore abandonando cualquier tipo de comedia, la desaparición de un personaje insustituible como es Ash, y la producción ejecutiva por parte de Sam Raimi y Bruce Campbell. Eso le permite a Fede Álvarez explorar desde otro punto de vista los terrores del Necronomicón en esa cabaña situada en medio de un tétrico bosque. Con claras influencias del terror proveniente de Asia, el film se toma su tiempo para situar en un contexto creíble a los personajes, y conforme avanza la historia la violencia y la casquería se van abriendo paso hasta un magnífico clímax final. El enfrentamiento final bajo una lluvia apocalíptica ofrece una de las imágenes más poderosas del cine de terror de los últimos años. De las que no se olvida fácilmente.

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