*Un comienzo explosivo

Castlevania temporada 4 comienza con un señor capitulazo y no es para menos. En la serie ya han pasado 5 semanas desde los últimos acontecimientos de Castlevania temporada 3. Pero, la cosa no queda ahí y nos muestran a modo de sumario lo que ha ido pasando con cada uno de los personajes principales de la serie en esas mismas cinco semanas. Una manera de agilizar la serie, darle tiempo a los personajes a mejorar su evolución y su curva de aprendizaje y hacer que respire un poco todo. Que se extienda todo más en el tiempo para dar espacio no viene mal y más cuando es el desenlace de toda una historia. Da mucha mas veracidad a los hechos y a todo lo que ocurre.

Por un lado, tenemos a Trevor y Sypha que buscan su lugar en el mundo haciéndose hueco matando a infinidad de monstruos, vampiros y bestias de la noche. Por otro lado, nos encontramos con Alucard que sigue en el castillo de su infancia hasta que unos aldeanos que piden su ayuda, interrumpen su relativa paz. Seguimos con Isaac que cambia completamente su parecer en sus ideales. (¡Un personajazo¡) Las cuatro hermanas junto con Hector siguen moviendo ficha en su maléfico plan de conquistar el mundo.

No nos tenemos que olvidar de St. Germain que busca resucitar a Drácula por un fin, aparentemente noble. Además, conoceremos a dos característicos personajes más que se unirán a esta aventura como lo son Varney y su compañero. Finalmente y después de este primer capítulo introductorio donde ya se han puesto todas las fichas en funcionamiento, comienza a desarrollarse lo que será la última temporada de Castlevania temporada 4.

*Castlevania tiene muchas cosas buenas

No solamente es la historia. Ni tampoco las peleas ni los diálogos. Es todo en su conjunto lo que la hace tan especial y tan característica a esta obra de animación. Una obra espectacular y cautivadora. La mezcla de los diálogos, las secuencias de acción, los parajes en los que se mueven los personajes y la ambientación del mismo, hacen que sea todo un disfrute. Porque, entre otras cosas, Castlevania temporada 4, tiene un poco de cada cosa y en consecuencia se realiza con sumo sentido, fuerza e increíble pericia al tratar de contar una buena historia.

Los diez capítulos de Castlevania temporada 4 son una delicia para el espectador que va a disfrutar al cien por cien cada una de sus escenas y secuencias de acción. Los combates han subido de nivel y la animación ha sido, en términos generales, mucho mas pulida que la que vimos en la temporada 3. Las coreografías son bestiales, los giros de cámara constantes y los efectos de las explosiones os van a dejar con la boca abierta literalmente. En concreto, el combate de Carmila en el episodio 6.

Otra cosa a destacar son la gran cantidad de líneas argumentales que tiene la serie y todos estos abiertos. En este caso no es un problema pero en algunas ocasiones vemos como en la serie se nota cierta rapidez a la hora de cerrar algunas líneas argumentales. Por ejemplo, en esta temporada vemos a Leonore un tanto despistada sin saber muy bien cómo pueden dar un buen carpetazo a su personaje. O por otro lado, al personaje de St. Germain que no entendemos muy bien su final porque se deja un poco en el aire el porqué tomó esa decisión.

*El mejor de todos los capítulos

El capítulo 9 de Castlevania temporada 4 es, ¡un capitulazo! Peleas. Desenlaces. Magia. Poder. Combates. Enemigos. Descubrimientos. Giros dramáticos. Drama. Tiene de todo este capítulo y es que es el penúltimo de la temporada y el último para desarrollar la batalla final. Una guerra frenética llena de nuevos combos de los tres personajes principales como lo son Trevor, Sypha y Alucard que se enfrentarán a vampiros, monstruos y diferentes bestias en un sin fin de niveles a escalar. En definitiva, se van a dar de ostias con una cantidad ingente de enemigos finales uno tras otro sin descanso previo.

Las explosiones, las posiciones de las cámaras, los nuevos combos de los personajes y la apariencia de los enemigos es muy grata. La música y la ambientación son espectaculares para poner unos cimientos fuertes y resistentes hacia una acción sin precedentes.

En consecuencia, se aprecia el estilo característico de Trevor con sus múltiples power up en sus herramientas de combate. Sypha es un escándalo visual y artístico a la hora de poner en el escenario un alto nivel de secuencias de acción. Sus poderes son muy poderosos y las casi infinitas combinaciones que ofrece su magia elemental hace que sea muy versátil en cuanto a las distintas configuraciones posibles que posee a la hora de enfrentarse en una pelea.

Por último, Alucard con su espada telequinética y su velocidad, da rienda suelta a su imaginación para realizar combates bestiales en este capítulo nueve. De ahí que hayan querido mostrar la espectacularidad y espontaneidad en Castlevania temporada 4, con la que estos personajes confrontan dichas batallas. Un acierto total.

*Conclusión

La serie Castlevania temporada 4 tiene todo lo bueno para convertirse en un clásico. Esta animación en concreto, no pasará de moda y visualmente es muy característica. Eso es un plus. Se habla de muchos temas, se tratan muchas cosas y se discuten a nivel filosófico algunas otras. ¿Qué mas se puede pedir?

A eso le sumas una buena historia con sangre, vísceras, vampiros, poder, moralejas, lucha, injusticia, paz, guerra, hambre, confrontación, filosofía, ética, doble moral y algunas que otras divagaciones por parte de los personajes y tienes una serie muy completa de la que poder disfrutar.

Escrito por Cristian Urriaga Sepúlveda

*Un amor con bandera roja

En la primera mitad, Nunca llueve en California narra la idílica historia de amor entre Lea (Lily McInerny), una chica de diecisiete años, y Tom (Jonathan Tucker), un hombre adulto que le dobla la edad; en la segunda parte, esta historia resulta ser una amarga parábola sobre el desequilibrio de poder en las relaciones sentimentales (independientemente de la diferencia de edad).

La originalidad del título prepara de antemano al espectador: hileras de palmeras y postes de electricidad. Este escenario no presagia que vaya a ocurrir nada bueno. La directora, pese a todo, logra algo complicado: cambiar el género de la película de forma precipitada pero coherente. El romance perfecto se transforma en un drama, o mejor dicho, en una pesadilla psicológica que da escalofríos.

*El peligro de aburrirse en verano

Jamie se centra en la vulnerabilidad de la vida adolescente y en la influencia negativa que se ejerce en esta edad, sobre todo en familias desestructuradas. Similar en apariencia a los últimos filmes de Sean Baker, en la cinta se suceden los centros comerciales, las tiendas alineadas, los letreros de neón o los restaurantes de carretera. La mayoría de los ambientes son cerrados, opresivos, repetitivos. Y, cómo no, veremos las interminables carreteras que cortan el horizonte y conducen inexorablemente a un motel cualquiera.

Dack reitera una y otra vez, también visualmente, el mismo estado de ánimo claustrofóbico de la joven protagonista. Los planos son estáticos y aplastan a Lea contra su propio entorno. Asimismo, la presencia de Lea no parece ser crucial para nadie y, al mismo tiempo, siempre está presente en escena. Ella es silenciosa y su madre simula no verla en casa; es más, ni siquiera en su grupo de amigos tiene un papel concreto. Su insatisfactoria adolescencia, su falta de inquietudes y su monótono verano, se ven interrumpidos por Tom, el hombre mayor y atractivo que llega para ser su alternativa perfecta.

*Conclusiones

Jamie Dack es hábil en narrar el aburrimiento diario de Lea, trazando con sobriedad la anatomía de una relación desequilibrada. Incrementa la tensión de Nunca llueve en California progresivamente y la eleva hasta niveles insostenibles hacia el final. El filme termina con una moraleja bastante arriesgada por parte de la directora. Esta última escena, muy delicada, es capaz de poner en juego el foco moral del espectador. Será difícil olvidarse de Lea durante un tiempo.

Escrito por Soraya Unión Álvarez

Hay que destacar la elegancia con la que va introduciendo la curiosidad y el miedo a ser diferente. Dentro de este puzzle de una sociedad conservadora, hace que el espectador sea capaz de empatizar con esa inocencia y candidez de los sentimientos. Realiza un viaje emocional que no deja indiferente. Además, termina por hacer una reflexión introspectiva de la propia familia, de la comprensión y lo contrario, la discriminación. Por lo cual, esa búsqueda incesante de identidad. Hace una construcción de las relaciones personales muy enriquecida, con sus claroscuros y sus imperfecciones. Por último, destacar la crítica social que hace con la necesidad de avance en las libertades sexuales. La manera de exponerlo es tan perspicaz que el público conectará fácilmente, aunque no se haga de una forma obvia. Una historia con una sinceridad intrínseca que permanece en la mente de la audiencia una vez terminada.

*Sutileza, delicadez y vigorosidad

Levan Gelbakhiani es el alma indiscutible de And Then We Danced. El actor debuta con este film y lo hace por la puerta grande. Realiza un ejercicio visceral y lleno de sensibilidad. Por suerte, no cae en el dramatismo excesivo y muestra las taras de su personaje al público de una forma muy expresiva. Se mimetiza con la personalidad de Merab desde el comienzo y soporta la carga emocional de una manera brillante. Recuerda mucho al realismo y a la pasión que realizase en su día Adèle Exarchopoulos en la famosa “La vida de Adèle” o Timothée Chalamet en “Call Me By Your Name”. El actor sabe manejar con maestría la expresión no verbal y la coreografía en escena. Realiza una labor actoral impoluta, con una verdad y un desasosiego que culmina durante su secuencia final. Es arte en estado puro.

Bachi Valishvili también realiza un trabajo interpretativo que se aprecia desde sus primeras escenas. El actor domina la energía que se palpa en escena y fabrica una estabilidad que acerca todavía más al espectador. Tiene ese aire de seductor que embauca a la audiencia, una naturalidad ingeniosa. Sabe contenerse en las escenas de mayor exaltación y dibuja junto a Gelbakhiani un combo que se combina a la perfección. Valishvili como Irakli es una gran carta de presentación en el mundo del cine. Por otro lado, destacar la gran interpretación de Ana Javakishvili como Mary. La actriz queda en un segundo plano, pero se convierte en fundamental. Sorprende esa potencia tan fuerte y frágil a la vez, esa contrariedad del sentimiento. Pese a no ser un personaje principal, el espectador se quedara con su interpretación por ese empuje sensitivo que da al film. Un equipo actoral sobresaliente.

*La composición del lienzo

Lo que diferencia a And Then We Danced de otros filmes es la calidad de su realización técnica. Hay un cuidado por cada uno de los elementos en escena, que no queda nada a la improvisación. Para empezar, las secuencias de bailes regionales se enseñan con mucha pasión, arte y respeto. Al igual que se hiciese con “Cisne negro” y el ballet, recrean ese universo asfixiante y exigente como vehículo expresivo. Por otro lado, ese contraste con escenas de baile en otro contexto y otro estilo musical, aporta riqueza a la composición narrativa. Las coreografías son impresionantes y para la parte del público que no conozca la cultura georgiana, servirá como aliciente para meterse dentro de este universo. Plantean el debate sobre qué es la masculinidad y lo hacen a través del propio baile, por lo que no es una simple circunstancia del personaje.

Después, hay que aplaudir la dirección fotográfica que crea realmente planos que son de un nivel elevado. Tienen un significado artístico muy atractivo, con carácter y muy atrayente hacia el público. El manejo de la iluminación, esa manera de mezclar la gama de colores… Hacen sentir al espectador de una forma tan sutil. Se puede ver el gran esfuerzo creativo que hay detrás. Lo mismo ocurre con la dirección artística, es alucinante como han sabido dar importancia a cada uno de los escenarios en los que se desarrolla la acción. Tanto interiores como exteriores son alucinantes. Lo mismo ocurre con el vestuario de los personajes, lo que podría ser únicamente una manera de posicionar a los personajes socioculturalmente, también se emplea para hablar de la identidad de lo que se está viendo en pantalla. Inteligencia artística muy elevada.

*Conclusión

And Then We Danced es una película muy profunda que se aleja de romanticismos y hace una metamorfosis completa de sus personajes. Plantea diversos frentes emocionales que consiguen atrapar al espectador desde el principio. La calidad del guion es muy alta. Levan Gelbakhiani realiza su debut cinematográfico por todo lo alto y da una interpretación brillante. Es el alma de la película. A nivel técnico, hay una composición muy bella, con un cuidado y un detalle tan sensible, que enamora al público. Destacar las escenas de baile como vehículo sensitivo y expresivo. Es una danza que comienza con sutilidad y va en “crescendo” hasta que se convierte en una explosión de emociones y sentimientos, que quedará marcada en cada una de las personas que ha disfrutado de esta obra tan personal.

Escrito por Diego Da Costa

*Una lección a los blockbusters de los grandes estudios de Hollywood

Gareth Edwards acaba de darle un bofetón a Hollywood y sus blockbusters con The Creator ya que la película, de tan solo 80 millones de dólares de presupuesto luce mejor que cualquier blockbuster estrenado este año. Posiblemente con la excepción de Guardianes de la Galáxia 3 que parece la única película que se ha tomado el tiempo en post-producción para poder darle un acabado impecable. The Creator nos transporta a un mundo muy inventivo, con muchas referencias ya conocidas pero en el que el director encaja perfectamente los fondos y los efectos digitales con el metraje rodado. Es cierto que precisamente Gareth Edwards empezó su carrera con Monster, una pequeña película que jugaba muy bien con los fondos digitales. Visualmente es una auténtica maravilla. Y no ha costado ni la mitad que cualquier blockbuster de un gran estudio estrenado este año.

*Excelente diseño de producción y creación de mundo

Gareth Edwards acaba de crear un mundo visualmente muy atractivo, que ya prometía des del primer póster. Las referencias son claras: el retro-futurismo de Star Wars, los militares del cine de James Cameron y el diseño artístico de juego de rol (y la serie de amazon prime) Tales From the Loop. La historia, pese a que ahora hablemos de IA en vez de robots o androides, podría haber formado parte perfectamente del universo de Blade Runner. Con una clara influencia de El lobo solitario y su cachorro, una historia que ha vuelto a estar muy de actualidad gracias a The Mandalorian y The Last of Us.

Lo bueno es que pese a que el mundo creado por Edwards tenga estas claras referencias consigue crear su propio universo, con sus propias reglas y algunos elementos muy interesantes. Pude que el que esté menos acertado en toda la producción sea Hans Zimmer, que tarda mucho en presentar un tema realmente emocionante.

*Muerte por hype

Mi gran problema con The Creator está en su historia. A priori parecía una película bastante más sesuda de lo que ha acabado siendo y pese a que no soy muy fan de dejarme llevar por las expectativas la historia ha acabado decepcionándome un poco. Y creo que es más por su narrativa y su montaje que por lo que cuenta en sí. No acabo de conectar emocionalmente con ella. Puede que sea porque a lo mejor no me ha acabado de convencer Edwards en su guion. Puede ser que en el guion nunca tenga la necesidad de ir a favor de la inteligencia artificial y en realidad esté casi más del bando de la humanidad en este caso.

También hace muchas cosas buenas el guion de The Creator. Sabe ponerte en contexto rápido, el protagonista y sus secundarios no te caen mal. La historia es previsible, y eso no debería haberme importado tanto ya que el acto final me ha gustado mucho. Y en este acto en parte ha sido porque parece que de repente se ha despertado Hans Zimmer.

*Conclusión

The Creator es una gran película de ciencia ficción. Al menos en escala. La historia (y sobretodo como está contada) no me ha convencido ni emocionado pero admito que es uno de los mejores espectáculos visuales del año. Si algo queda claro es que Gareth Edwards tiene un sello visual muy atractivo.

Escrito por Daniel Buron

Te quiero 3.000

Voy a empezar diciéndolo alto y claro: estamos ante el broche (aunque no es un broche, sino más bien un punto y aparte; además, Kevin Feige ya ha dejado claro que el punto y final a esta Fase 3 vendrá de la mano de la segunda entrega del Spider-Man de Tom Holland, la cual se estrena el próximo mes de julio) de oro cuasi perfecto a una década de películas que parecen llegadas para dignificar (un poquito más; a la buena recepción crítica de la inmensa mayoría me remito) el cine de superhéroes.

Vengadores: Endgame es puro ‘fan service’ (dicho esto como un halago y no como algo excluyente); toda una carta de amor para los que, como servidor, hemos seguido las aventuras de esta inmensa colección de héroes desde el minuto uno.

Confesión: adentrarme en el UCM reavivó mi pasión (un tanto adormecida; había cambiado a los X-Men y compañía por Goku, Ranma o Seiya) por los cómics de superhéroes tras años dedicado a buscar las Bolas de Dragón en lugar de las Gemas del Infinito. Ahora lo busco todo. Será que con los años me he vuelto más ambicioso (o acaparador; o inconsciente).

El culo de América

Vengadores: Endgame continúa allá donde lo dejó la película anterior, Vengadores: Infinity War (Avengers: Infinity War), es decir, con los héroes que sobrevivieron al chasquido de Thanos (Josh Brolin) planeando revertir semejante tragedia.

Vengadores: Endgame contiene todos los ingredientes (con la acción y las pinceladas de humor, tan criticadas por algunos pero tan necesarias, según mi criterio, claro, por bandera; ¿cuántos se tirarán de los pelos al ver que Thor se sigue pareciendo más al visto en Ragnarok que al de sus dos primeras, y para mí poco memorables, películas?) ya expuestos en el resto de películas del UCM, pero, eso sí, elevados a la enésima potencia.

Porque he de señalar que nunca había visto tantas emociones expuestas sin tapujos en una sala de cine.

El público a mi alrededor aplaudió a rabiar durante varios momentos (a veces con vítores incluidos), sollozó e incluso mantuvo un silencio sepulcral cuando determinada escena así lo requería.

Yo también lo hice. Hasta pegué una patada involuntaria al asiento delantero tras cierto momento crítico. ¡Tierra trágame!

Vengadores: Endgame daba para ello y para mucho más. Y no, no estoy exagerando (por muy dado que sea a ello).

¡Vengadores, reuníos!

Vengadores: Endgame es, para el que esto escribe, la película de superhéroes definitiva.

Es cierto que exige mucho (haberse visto, mínimo, las tres entregas anteriores de Vengadores; todas las películas del UCM para poder disfrutarla de manera plena, de todos sus guiños, referencias e infinidad de cameos), pero también es cierto que nos devuelve lo exigido con creces (es un no parar de satisfacción garantizada para los fans).

Hagamos un breve repaso: señalemos que cuenta con uno de los repartos más impresionantes (y ambiciosos) vistos jamás en una pantalla (no voy a desvelar quiénes se dejan caer por pantalla, pero sí destacaré las sensacionales interpretaciones llevadas a cabo tanto por Robert Downey Jr. como por Scarlett Johansson, quienes, desde luego, se merecen algún tipo de reconocimiento, algo que rara vez ocurre cuando hablamos de películas como la que nos ocupa), con las mejores escenas de batalla desde las acontecidas en la trilogía de El señor de los anillos (The Lord of the Rings), con unos efectos especiales de primer nivel (no podía ser de otra manera) y con tantos momentos humorísticos (vale, puede que alguno esté de más; sin embargo, he de decir que ninguno me molestó en exceso) como emotivos (tranquilos, estoy intentado evitar cualquier tipo de spoiler) y, sobre todo, épicos.

Y sí, me alegra que aquí se haya arriesgado mucho más de lo que se arriesgó en otra de mis cintas favoritas del UCM, la notable Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War).

Conclusión

Vengadores: Endgame es puro espectáculo; una producción megalómana (su presupuesto estimado ronda los 400 millones de dólares; una cuarta parte de los cuales ya ha recuperado gracias al mercado chino); una película repleta de emociones; una suma de talentos (tras y frente a las cámaras); un trabajo que, a pesar de superar las 3 horas de duración, no se hace, en absoluto, pesado.

Siento que he sido testigo de uno de los momentos más memorables que nos va a otorgar el séptimo arte (porque sí, esta película es puro arte) este 2019 (¡como mínimo!).

Lo mejor: Prácticamente todo. Me voy a repetir, pero en este apartado me veo obligado a alabar la labor de los directores (por mucho que algunos se dediquen a tacharlos de impersonales; lo siento por mi querido Whedon, y valoro enormemente lo que hizo con la primera entrega de esta franquicia, pero creo que los hermanos Russo han hecho más por la causa que él), de los actores (el conjunto de intérpretes no puede ser más impresionante; y solvente, también solvente), el impecable acabado técnico (se daba por supuesto, pero aun así), el ritmo (incesante; algo todavía más encomiable si tenemos en cuenta su duración), su épica (y ya familiar) banda sonora y, por supuesto, la cantidad de sensación que nos genera (al menos a mí) su visionado.

Lo peor: Que no sea tomada en serio por el género al que pertenece (al menos en lo que a premios se refiere, ya que las críticas están siendo muy positivas). También un guión al que se le puede sacar algún que otro agujero (es lo que tiene cuando se juega con lo que se juega; siento ser tan críptico, pero cuando más virgen se llegue a esta película, mejor) o lo desaprovechados que están algunos personajes que debieran ser más relevantes, como, por ejemplo, Capitana Marvel (Brie Larson) o, a lo largo de toda la franquicia, y este es, de seguro, uno de los casos más sangrantes, La Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen, a la que pronto veremos en su propia serie junto a La Visión).

Escrito por Javier mazo