“Los últimos Jedi” ofrece un entretenimiento digno de “Star Wars”, cumple con las mínimas premisas que se le exige a la saga, ofrece grandes momentos de épica y auto referencias a momentos pasados, y como no, también cae en los defectos habituales de pecar de sencillez y infantilidad en muchas de las situaciones que plantea. Y es que la película tiene de todo: grandes batallas espaciales, dilemas en el mundo de los Jedi y los Sith, combates con espadas láser, reivindicación de un gran Mark Hamill y una gran Carrie Fisher, pero también, personajes creados por el simple hecho de poder vender figuritas y escenas ridículas dignas de los peores momentos del episodio 1. No es una obra maestra, ni tampoco la peor película de “Star Wars”, pero si que es un gran divertimento para cualquiera, sea fan o no de la saga galáctica.

El protagonismo de las mujeres y la gran cantidad de personajes de todas las razas que aparecen en la saga son una muestra del poco riesgo que quiere correr Disney con su máquina de hacer dinero. No quiere buscar polémicas de ningún tipo y eso se traslada finalmente a la película: peca de exceso. Es difícil contentar a todo el mundo, y con “Los últimos Jedi” se quiere abarcar tanto que es complicado que funcione a la perfección. Demasiados personajes, batallas, auto referencias, ganas de ofrecer nuevas ideas, ganas de ser conservador, de dirigirse a un público más adulto, de seguir conservando al infantil y adolescente, de mostrar a los personajes clásicos, de poner nuevos, de encajar bromas… Todo al final es un exceso, incluso su metraje de 150 minutos, en los que conserva un gran ritmo en la mayoría de partes, pero que decae especialmente en su parte central.

La historia dejará alguna sorpresa y girará en torno a una idea: acabar con lo antiguo para dar paso a lo nuevo. Algo que hará enfadar soberanamente a los fans acérrimos de “Star Wars” pero que abrirá otros frentes a una saga que apuesta por explorar nuevos caminos. Pese a sus defectos, se trata de un divertimento para cualquier fan que mire la película como hay que hacerlo: con nostalgia y pasión.

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Un anime que se centra una vez más en contar las desventuras de un personaje adolescente. En ésta ocasión, la protagonista será Hana, una chica que se ha mudado a una nueva ciudad junto a su madre. Cuando comience las clases en su nuevo instituto no será aceptada, y todo tendrá que ver con un rumor que se ha extendido, en el que se comenta que un alumno de ese instituto murió, sentándose ella justo en el que era su pupitre. La película se centrará en la investigación por parte de Hana y su vecina Alice para descubrir lo sucedido a ese alumno, a la vez que se irán sucediendo aventuras absurdas pero muy divertidas alrededor de las dos chicas. Me encanta el momento en que Hana ha de seguir a un hombre y se confunde de persona, siguiendo a un hombre mayor adorable con el que pasará un curioso día y profundizarán en la visión de la vida desde la vejez y la adolescencia. Después de tanta sangre y oscuridad en el Festival de Sant Cugat, se agradece un respiro, y “El caso de Hana y Alice” proporciona un anime con una animación peculiar, una historia entretenida y muy bien narrada y una gran banda sonora. Toda una sorpresa

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“Bacurau” es un film brasileño que ha ganado en 2019 el premio del jurado en el festival de Cannes (premio ex-aequo junto a “Los miserables”). El film dirigido por Kleber Mendonça Filho y el debutante Juliano Dornelles, es una crítica al colonialismo y ofrece un mensaje de esperanza a la lucha de los pueblos oprimidos por una clase política que mira solo por sus propios intereses y no por el bien común. Ambientada en un futuro distópico terriblemente próximo, el film mezcla drama y comedia costumbrista con violencia y crítica social. El incombustible Udo Kier encarna (de nuevo) al malvado que se enfrenta a la comunidad de Bacurau, un pueblo pacífico que se alzará en armas para defender su tierra y creencias. Film modesto con aroma de western para una metáfora estirada y poco sutil pero que resulta efectiva.

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“La balada de Buster Scruggs” es la última obra de los hermanos Coen, premiada en el Festival Internacional de Cine de Venecia con el galardón al mejor guion. Los hermanos vuelven de nuevo al lejano oeste para ofrecer un western formado por seis capítulos independientes. La colección de historias se basa en un ficticio libro titulado “La Balada de Buster Scruggs y Otros Cuentos de la Frontera Americana” que se presenta al inicio de la película. Unas manos abren el libro y van pasando sus hojas mostrando primero una ilustración de una escena clave del episodio y una voz en off comienza a leer el relato para dar paso a las propias imágenes de cada historia. Un vivaracho forajido mucho más peligroso de lo que aparenta, un ladrón de bancos al que la muerte le acecha constantemente, un farandulero sin corazón que solo piensa en el dinero, un cazador de oro respetuoso con la naturaleza, una dama perseguida por la mala suerte y una diligencia con unos peculiares pasajeros. Seis historias de diferente tono, trama e intensidad. Humor, drama, tragedia, romance y acción se van sucediendo a lo largo de este descompensado relato que cuenta con una factura técnica y dirección a la altura de lo ofrecido en otras producciones de los Coen, pero donde su guion solo ofrece algunos momentos puntuales brillantes, lejos de los que nos tienen tan acostumbrados en otras de sus obras. Las películas episódicas suelen resultar bastante irregulares y eso afecta a la percepción final del conjunto. Pocas veces aparecen obras de este tipo que resulten redondas (una gran excepción es la magnífica “Relatos salvajes” de Damián Szifrón) y “La balada de Buster Scruggs” peca de los males típicos de este tipo de propuestas. El film resulta ser demasiado desigual en sus historias y eso afecta al interés que despierta a lo largo de su metraje, siendo sus dos primeras las más intensas, divertidas y desenfadadas y sufriendo demasiados altibajos en el resto. Una obra menor dentro de la magnífica filmografía de Joel y Ethan Coen.

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“El reino” es el último trabajo del director y guionista Rodrigo Sorogoyen después de la interesante “Stockholm” y la tremenda “Que Dios nos perdone”. En esta obra vuelve a recuperar el ritmo frenético de esta última para hablarnos con sinceridad y rabia de la corrupción que invade nuestro país. Manuel es el vicesecretario económico de un partido político. Está casado y tiene una hija. Pasa su vida entre el despacho, las comilonas de negocios con políticos y empresarios y viajes de placer. Además, se escuchan voces de que pronto va a ser el relevo de un alto cargo político. El viento sopla a favor de Manuel, hasta que un día, Paco, un compañero de partido, es acusado por corrupción. En ese momento todos sus allegados del partido se cubrirán las espaldas, pero Manuel es traicionado, y se verá salpicado por ese mismo caso. Esa salpicadura inicial pronto se volverá un tsunami imparable. A partir de aquí tendrá que decidir si acepta las culpas y decide echarse a un lado como le ofrece el partido, o se enfrentará a él teniendo todas las de perder. A Manuel nunca le gustado echarse a un lado, así que decide emprender una huida frenética hacia delante.

La película resulta ser una perfecta radiografía de los casos de corrupción que tantas veces presenciamos en televisión, escuchamos en la radio o leemos en los periódicos o en las redes sociales. Un caso que toca inicialmente a unos pocos para ir avanzando por las diferentes ramificaciones y ver que alcanza a las más altas cotas de poder, infectando absolutamente todo el sistema. La obra lo hace a través de la lucha de un individuo que nos genera rechazo por su evidente corrupción, pero con el que poco a poco empatizaremos gracias a su ansia para que su lucha avance y no convertirse en el único cabeza de turco, intentando que se destape la corrupción de todo el sistema. La cordialidad y jolgorio que se muestran inicialmente desaparecerán rápidamente cuando toque enfrentarse a la justicia, mostrando unos diálogos cargados de odio y malas maneras en los despachos y reuniones clandestinas. Un Antonio de la Torre que una vez más vuelve a estar de 10 en su papel protagonista interpretando a un desbordado Manuel, acompañado de un reparto que está memorable, destacando a un Luis Zahera que pone el punto desquiciado y divertido al asunto. Las dos actuaciones huelen a Goya.

Rodrigo Sorogoyen lo ha vuelto a hacer. Una obra que no da tregua al espectador y que consigue calar en los huesos. Un aviso: provoca piel de gallina, pelos de punta en el cogote e indignación supurando por todos los poros. Pura rabia.

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