En 1988, el cineasta japonés Isao Takahata, uno de los dos nombres fundamentales, junto a Miyazaki, del imprescindible estudio de animación Ghibli, realizaba una de las más hermosas y emocionantes películas de la historia del cine universal, animado o no.

Es por eso tan entendible como arriesgado que tarde o temprano algún cineasta -y probablemente también japonés, por la implicación emocional de la historia para ese país- adaptara de nuevo la novela en que se basaba aquella e hiciera una versión en acción real.

Y digo arriesgado porque cuando se produce una película cuyo antecedente es una absoluta e indiscutible obra maestra, lo único a lo que se puede aspirar es a resultar digna de aquella, aunque inevitablemente el público conocedor del original va a dar por supuesto desde el principio que igualarla es imposible.

Así que esta versión me crea sentimientos encontrados. La historia es prácticamente la misma, pero el tono del relato y bastantes otros detalles hacen que resulte lejanísima en todo a la magistral obra de Takahata. Y en esto tienen gran culpa los actores (y en consecuencia el director, como director de actores que también es, o debe ser), quienes aún realizando un trabajo correcto y sin estridencias, son incapaces de acercarse a la inmensa emoción que sí se conseguía -¡y de qué manera!- con los dibujos animados.

También falta bastante fuerza en la narración, y se echan de menos secuencias inolvidables (no tiene ninguna realmente, a pesar de que la historia tiene potencial para crear numerosas: la muerte de la madre, la tensión con la tía, la relación de los hermanos...). Pero no, no han conseguido ninguna secuencia inolvidable y todo se queda simplemente en la corrección general, sin emocionar demasiado o más bien poco, a diferencia de lo que conseguía Takahata con sus maravillosos dibujos.

Pero quizá lo que ante todo le impide alcanzar más altura es la renuncia a lo que hacía del anime una historia tan especial; y esto es el elemento fantástico que convertía a aquel en una historia de fantasmas, con los niños recorriendo el Japón contemporáneo a lo largo de la película, y que culminaba con ese maravilloso plano final de ambos contemplando su ya modernísima ciudad desde un banco del parque, rodeados de las luciérnagas que compartieron los últimos momentos de su vida.

Y aunque quizá se pueda entrever en ese final un sutil guiño a ese inolvidable detalle narrativo (yo no estoy del todo seguro), la película peca de una quizá excesiva corrección en sus aspectos visuales, como la fotografía o el diseño de producción, no sabiendo sin embargo alcanzar lo que ante todo precisaba una historia como esta: la más pura y humana emoción.

Desconocidísima obra maestra de una cinematografía tan escasa y poco difundida como la suiza. Al menos en España no tengo constancia de que se estrenara, en el año de su realización, 1985. Yo la vi en la Filmoteca de Zaragoza en un ciclo de cine suizo contemporáneo y descubrí una película fascinante, narrada de manera personalísima y nada complaciente, como se pueda pensar en un film localizado en las montañas y con una familia de granjeros (no, no es Heidi).

Es una historia durísima que incluye transgresiones muy interesantes como el incesto de dos hermanos, donde él además, es retrasado mental y al que le interesan cada vez más los cuerpos femeninos, tan desconocidos en esos parajes para él.

En un “pressbook” que vi de esta película leí una cosa que me llamó la atención; "esta película la podría haber inventado Buñuel,... o un japonés". Estoy de acuerdo.

He visto recientemente en un preestreno la ópera prima de Tommy Lee Jones y lo cierto es que ha acabado gustándome; y si digo "ha acabado" es porque al menos a mí ha tardado algo en interesarme.

Los primeros 20 minutos me estaba temiendo una gran decepción pero 'Los tres entierros de Melquiades estrada' es de esas películas que van ganado en interés a medida que avanzan, hasta llegar a unos momentos finales que me han convencido.

Quizá ese cierto desinterés inicial se deba a que el excelente guionista Guillermo Arriaga (que escribió la obra maestra Amores perros) se repite a sí mismo en su empeño de desordenar la película (recordad que '21 gramos' se basaba toda ella en eso, en escenas dsordenadas a lo puzzle con las que el espectador reconstruía todo); aqui lo vuelve a hacer pero sólo en la primera parte de la película, pues posteriormente toma un punto a partir del cual la narración es líneal y, como digo, progresivamente interesante.

Así que, como digo, me ha gustado, aunque sin entusiasmarme como pensaba. Eso sí, entiendo perfectamente que no haya entrado en la carrera por el Oscar, porque Lee Jones ha hecho una película muy "indie" y "arty" para lo que se estila en Hollywood. Es un western fronterizo áspero y seco con pinceladas de humor (macabro en ocasiones).

Y lo que es muy divertido, es oir hablar español mexicano (¡¡y con acento!!) a Tommy Lee Jones, pues la película es claramente bilingüe
(imprescindible V.O.).

Como nota curiosa, el preestreno en el que la he visto estaba organizado por la cadena de cines Renoir y por Coronita, así que todos los asistentes hemos visto la película con una cervecita mexicana (suavecita, fresquita... que diría el otro) en la mano. Menos mal que sólo daban una... :))))

Desde el Festival de Cine de San Sebastián 2007:

Wayne Wang realizó hace ya varios años una pequeña película independiente que cautivó allí donde se vio. Esa película se llama “Smoke” y fue coescrita y codirigida por el presidente del jurado de esta edición del Zinemaldi, Paul Auster. Wang ha presentado en la mañana de este miércoles su película, circunstancia que ha provocado que se especule y se sea “malo” sobre la posible presencia de Wang en el palmarés final, aunque para ello haya que presuponer que la relación de ambos sea ahora buena.

“A thousand years of good prayers” (“Mil años de oraciones”, en su traducción literal), es una película austera y minimalista, quizá en exceso, que nos cuenta el viaje que hace un hombre mayor chino a Estados Unidos, para visitar a su recién divorciada hija y acompañarla en esos momentos. Como era de esperar, los problemas de convivencia y los desencuentros generacionales (y culturales) no se harán esperar.

Es por tanto, una historia que ya hemos visto en otras ocasiones, y más profundamente desarrollada, pero se deja ver muy bien gracias a la labor de ambos actores y a la serena realización de Wang.

Malle, tras una etapa dedicada a trabajar en el cine norteamericano, donde dirigió una joya como 'Atlantic city', regresó a Francia para realizar esta maravillosa película que tenía un fuerte componente autobiográfico, y que está localizada en un colegio católico durante la ocupación nazi de Francia.

Allí se conocen dos niños, el protagonista y un chico judío silencioso, que conectan enseguida dando lugar a uno de los retratos de amistad infantil más commovedores del cine contemporáneo. Pero 'Adios, muchachos' tiene mucho que contar, y no se conforma con esto. Aquí aparece también el antisemitismo, o el retrato del clero que se ocupaba de la educación de los muchachos (sin dejar de mencionar muy leve y sutilmente la pedofilia).

'Adios, muchachos' era la absoluta favorita de aquel año para ganar el Oscar en la categoría de película de habla no inglesa, pero sorprendetemente se la arrebató la correcta producción danesa 'El festín de babette', inferior a todas luces a la sensible obra maestra del gran Louis Malle.