Charlie Kaufman es un autor poco convencional, basta decir que cualquiera que haya visto alguna de sus películas, tanto dirigidas como guinizadas, no las olvida con facilidad. Es sumamente inteligente creando guiones existencialistas de gran profundidad. En ellos, son constantes los reflejos mentales, tanto para los personajes de la obra, como para los espectadores y el propio Kaufman.

En sus comienzos como guionista, colaboró con Spike Jonze en siendo john malkovich (1999) y adaptacion: el ladrón de orquídeas (2002), y con Michel Gondry en Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004). Después volaría libre como director con synecdoche new york (2008), Anomalisa (2015) y llegando hasta la actualidad con estoy pensando en dejarlo. La importancia de su trayectoria radica en que sus primeras obras le acompañan directores con marcadas puestas en escenas. Esto permite una cohesión general, que eleva los guiones y rebajan, un poco, el desbordante pesimismo.

Estoy pensando en dejarlo juega desde el primer momento con el espectador. La historia aunque parece convencional; una pareja que va a visitar a los padres de él, se torna nuevamente en el mundo de los sueños. Según Kaufman, es la mejor forma de ahondar en la mente humana, concretamente en el subconsciente. Es una máxima en todas sus películas, y aquí, podemos ver los entresijos de la mente de una persona. Este acercamiento nos permite observar de primera mano, sus miedos y deseos más ocultos. A su vez, la representación de estos conceptos nos cuenta su capacidad o falta de ella, para relacionarse con los demás.

Al ser tan impresionistas, requiere un espectador atento a los detalles y seguramente la primera vez te pasé por encima. Con synecdoche, me paso que llegando al final, entendía la base pero tenía la sensación de que me hubieran dado una paliza. Estoy pensando en dejarlo juega con menos elementos y reduce su espacio temporal, lo que permite que sea, dentro de sus términos, más accesible. De la misma forma, el ritmo es mucho más pausado con tiempos muertos en forma de diálogos. Pero lejos de ser aburrido, al estar intentando enlazar todo, cada conversación es fundamental. Eso sí, son diálogos con referencias muy pedantes e intelectuales. Cada uno verá donde están sus límites y puede que se pase más de una vez o dos. Indistintamente, todas están bien integradas en la historia, y funcionan para ella y no a pesar de ella, que es lo importante.

Es su tercera película como director, y Kaufman mejora, por encima de lo demás, su semántica visual. Acompañado de Lukasz Zal, director de fotografía de cabecera de Pawlikowski (Ida y Cold War), consiguen una fotografía más activa narrativamente que no depende tanto del montaje. Esta fotografía posee tintes de terror, sin que la cinta llegue a serlo en ningún momento, lo que le aumenta el sentido de incertidumbre. Este baile entre géneros me hace deducir un sentimiento de mayor confianza en el Kaufman director.

Onward (Dan Scanlon, 2020)
Me sorprende que haya quién siga sin ver que lejos de la factura técnica, Pixar lleva explorando la psique desde antes de walle. Las metáforas están claras con la fantasía y magia, y da igual lo poco sólida de la historia, si el mensaje es tan sincero y contundente.

Loving Vincent (Dorota Kobiela y Hugh Welchman, 2017)
Quick review
Estéticamente es un trabajo de locos, es una obra de arte en movimiento. Pero narrativamente, la historia es bastante normalita e incluso aburrida. Me duele bastante que me parezca un coñazo.

Ciudadano Kane (Orson Wellws, 1941)

Es imposible llegar a esta obra sin tener ningún conocimiento de ella. Su renombre y relevancia es tal que da significado a un adjetivo para calificar obras en otros medios. Es por esto, que voy a hablar de ciudadano Kane de otra manera, ya que ir sin expectativas es complicado, por no decir imposible.

Lo primero que resalta de la obra es su total autoría, ya que Orson Welles es director, productor, guionista y actor. Esto lleva a que todo funcione bajo los pensamientos del autor sin frenarse de ninguna forma. Soy del tipo de personas a lo que esta libertad total le gusta, porque en sus buenos resultados, dan obras personales donde se destila la idea pura. Pero en el otro reverso, la libertad total hace que nadie pueda corregir el camino, por lo que en otra gran cantidad de obras, guiadas por este idealismo, han dejado obras confusas o pretenciosas.

Pretencioso es un adjetivo que se le puede poner a Ciudadano Kane a a la ligera. Por definición "Que presume y alardea de sus cualidades o pretende ser algo que no es" por lo que se entiende que falsea unos conocimientos o los usa solamente con objetivos meramente estéticos. No considero que ciudadano Kane caiga en esto, ya que los recursos los hace por un motivo semántico, y cuando menos, por esteticismo .

Ejemplos contemporáneos de pretenciosidad pueden ser batman v. superman (Zack Snyder) o la reciente Joker (Todd Phillips). Son películas que indiferentemente de su calidad, buscan ser más de lo que son, sin entenderse a si mismas. Todas estas cavilaciones que se alejan completamente de la película, son importantes para ver el reflejo de como vemos las obras del pasado desde la actualidad y como se vieron en su momento. Ciudadano Kane en su estreno no fue alabada por la crítica y fue con el paso del tiempo cuando se le reconoció su valor. Esto es más común de lo que parece, el club de la lucha (David Fincher) también se revalorizó con el tiempo.

No estoy criticando canónicamente de la película, ni que hiciera falta. Todo lo que pueda decir, ya se habrá dicho y prefiero usar esta texto para una reflexión. Es más lo que la obra saca de mi, que lo que saqué yo de la obra. Es innegable el grandioso trabajo que hay detrás de la película, como cada plano sirve para ayudar a contar la historia. Resumiré mi tesis diciendo que por si sola es una muy buena película pero contextualizandola en el momento de evolución del medio, se eleva como algo que abrió una una época.

Empezar diciendo que Scorsese a vuelto a hacer a otra obra maestra quizás sea tirar la casa por la ventana desde el principio pero hay que empezar diciendo algo. El hype por esta película viene por ser el cierre de su filmografía de gánsters. Casi se puede decir que ha creado un género propio, exagero, pero su propia interpretación ha ganado tanta fuerza que es ya una propia escisión del genero con películas excelentes como malas calles, Uno de los nuestros, casino. Pero, ¿por qué hablo de cerrarla?

El irlandés, enfoca a los gánster desde otra perspectiva. Decide, sobre todo en sus últimos compases, centrarse en el declive de estos gánsters, desmitificando cualquier tipo e gloria para mostrar que los actos tienen consecuencias. Esta reflexión de si mismo se deja ver en tributos como la aparición del Copacabana, las armas ordenadas como en taxi driver. Esto lleva a denominarla como crepuscular, como en los western. Es el estadio final de un genero antes de morir o dejar de ser relevante. Aquí, yo todo lo sintetizó con Scorsese pero podemos generalizarlo a otras películas coetáneas del género como Scarface o el padrino.

La película se estructura en tres partes bastante bien marcadas. La primera hora es puro Scorsese con su estilo característico: voz en off, planos secuencias, ritmo frenético con grandes asesinados, o los título de como murió de cada gánster que parece en pantalla...
En la segunda parte, el ritmo se relaja para contar una historia distinta, donde priman las conversaciones. La última media hora es completamente distinta. Vemos el final de cada uno de los gánsters y en concreto de la vejez de nuestro protagonista. Con esto, Scorsese reflexiona sobre el género y a la vez sobre sus propias películas. Las mira con un punto crítico, quitando todo elegancia y mostrando las consecuencia de los actos de ser un mafioso.

Robert de Niro, Al Pacino están increíbles, como desde hace muchos años, pero Joe Pesci esta soberbio, en otro nivel. No le hace falta hablar, sus miradas o su cadencia al hablar lo dicen todo. Las grandes interpretaciones se deben también al guión lapidario de Steven Zailliandan que le da una fuerza a los diálogos impresionante. Todo esto se da por sentado, igual que la dirección o la fotografía, que en este caso es más sombría que en otras, pero se construye Scorsese las construye de la nada. Otro apartado más sutil y que no destaca pese a tener una tarea muy compleja, es el montaje de la mano de Thelma Schoonmaker. Digo complejo porque la película salta continuamente entre flashbacks y la capacidad de colocarlo todo de forma que quede claro es difícil. Es un montaje clásico por lo que es lógico que no se deje ver demasiado.

El relato que se cuenta va más allá de la historia de Jimmy Hoffa, si no que cuenta parte de la historia de Estados Unidos. Esta forma de englobarlo todo para darle un tono de transcendencia me parece original en el cine de Scorsese porque sigue los grandes momentos de la América de la segunda mitad del siglo XX. Todo esto se lleva con el recurso que menos me gusta del director, la voz en off. Lo normal es decir que es un recurso barato para cuando los directores no saben narrar con imágenes. Pero aquí sería un insulto, porque si sabe y porque se que es marca de la casa. La usa bastante pero como base para impulsar la historia, sin sobre explicar conceptos. Esta voz en off le da un punto casi documental antológico, lo que le da una transcendencia mayor a la película.

Cada minuto de la película es completamente necesario para la historia que se cuenta. Que la historia se alargue durante la segunda mitad de siglo es importante para reflejar el paso de la vida y lo insignificante que al final somos. Este es de los temas más importantes de la película y para ello necesita el comentado CGI. Por supuesto que queda raro e incluso grotesco. Los primeros minutos se nota pero al final, yo al menos, lo compró porque como en cualquier buena película se puede dejar a un lado, para meterse en la película. No quiero decir que no quede un poco chapuza, y que haya momentos de joven donde la actuación física se nota que no es tal pero si entras en la película es muy secundario. Lo importante aquí no es que se dejen la pasta en rejuvenecer a los personajes, si no el por qué se hace, el sentido que le da a la película. Y es vehicular, no solo por la conexión emocional con el mismo actor, si no también para mostrar el paso del tiempo.

Nadie va a hacer películas, sean de gánster o no, como Martin Scorsese. No será la mejor necesariamente ni la última, esperemos, pero huele a última película. Esta tan contenida, tiene una madurez tal y la confianza de un maestro detrás que simplemente puedo engrandecer a la obra. No puedo ver el futuro pero es una película que perdurará en el tiempo. Se ve en sus diálogos que son muy parafraseables. Esto es relevante porque la película podría tener fuerza solo por quién la firma, y yo no puedo dejar de verla así, pero tiene valores propios que una persona podrá valorar sin tener que conocer al autor.