Si el aficionado al cine tiene que elegir entre un producto estrictamente cinematográfico u otro que tenga un marchamo más histórico, normalmente se queda con lo primero. Es lo que pasa en la comparativa entre “Zulú” y “Amanecer Zulú”. Mientras la primera pretende ser un tour de force en las interpretaciones, traernos el heroísmo y la claustrofobia de unos sitiados y presentarse sobre todo como película de aventuras, en la segunda es el retrato de una campaña política y militar, con un reparto más coral y con un mayor protagonismo y objetividad a la hora de tratar el tema zulú. Pues bien la gente se queda con lo primero. Yo no, reconociendo que son dos películas estupendas, notables, creo que la precuela es algo mejor.

“Amanecer Zulú” es una grandísima película histórica, rodada en lo escenarios reales de la acción, con una meticulosidad en los detalles fuera de lo común, con una intención didáctica encomiable, con un reparto de secundarios pocas veces reunidos y con unos protagonistas sensacionales, en especial un Peter O'Toole, que recuerda su personaje al que interpretó ya en “La noche de los generales”.

El guión es obra de uno de los perseguidos por la caza de brujas Cy Endfield, que fue director de la mencionada “Zulú”. Si aquella era una película británica donde se podía respetar a los zulúes pero nunca equipararlos en el mismo plano a los ingleses, en esta sí se produce tal milagro. Esta es la historia de una derrota y no una victoria.

El director es Douglas Hickox, poco conocido en nuestro país y que tuvo la desgracia de hacer cine esencialmente en los setenta, una década que siempre ha tenido mala prensa para las películas de estudio. Y es que hacer una obra como esta en el 1979, con una gran crisis creativa y de espectadores, que se levantó gracias a productos como Star Wars, es ir con el pie cambiado, como le pasó a Cimino con “La puerta del cielo”.

Ahora que falta poco para el mundial de Sudáfrica y que no estaría de más ponerse en situación, creo que agradecerá esta recomendación de una película sincera, monumental y de gran calidad que nos acerca a todos nosotros lo que fue la injustificada invasión británica de Zululandia y su posterior derrota en la batalla de Isandhlwana, una de las últimas veces que un ejercito occidental resultó aplastado por unas fuerzas de un reino atrasado tecnológicamente cientos de años. Eso sí, luego mandaron más y más cañones y terminaron por quedarse con lo que no era suyo.

Nota: 7,8.

Otro mito a derribar, no cabe duda. Estas cosas pasan, la herencia cultural hace que repitamos como satisfactorios las calificaciones que nuestros mayores nos dieron de la cultura y el arte sin apenas tener espíritu crítico. Por eso el 80 % de los hijos votan lo mismo que los padres. Y “El guateque” gozó de gran éxito durante mucho tiempo, sobre todo en Europa, no así en Estados Unidos donde está considerada una buena comedia sin más.

Pero en España, en un país que necesitaba reírse, en los años sesenta, el humor del guateque y sobre todo ese tipo de fiestas es compresible que despertara el interés y la atracción del españolito medio. Igual que el del europeo medio, que tampoco vayan a creerse que estaba muy boyante.

Todo en sí tiene un humor infantil, opta por acercarse a los gags más visuales del cine mudo tipo Chaplin –sin conseguirlo obviamente- en vez de a otra herencia más rica y más inteligente como puede ser los hermanos Marx.

El guión, parece en demasiadas ocasiones muy estirado, y por eso a tanta gente se le hace la película tan larga, y con razón. Tiene una parte al menos que es correcta, que coincide con las escenas anteriores al mal llevado desparrame final, donde el propio Sellers se desdibuja y ya sólo parece importar la espuma, el elefante y gente corriendo y haciendo ruido. Propio de malos directores.

El propio Peter Sellers siempre reconoció que este papel no era precisamente de los mejores pero que a la gente le gustaba sobre todo porque se sentían identificados. Me pregunto yo si la gente es más tonta de lo que realmente son o se piensan.

Otro problema es la historia de amor. No es que sobre, que así es, es que no sabe sacarla partido para integrarla en la comicidad de la historia. ¿O es que el amor es cosa tan seria? A eso se suma el final, que es bastante simple y que lo más interesante es el vehículo de tres ruedas.

La apruebo sobre todo por nostalgia y cierto cariño, además a mi padre siempre le gustó, pero no se lo merece.

Y es que nunca he sentido excesiva predilección por Blake Edwards, uno de los directores más ayudados de la historia del cine por crítica y público, que se benefició de una época, la guerra fría, donde el público esperaba una carcajada –a bajo precio- para olvidar una posible Tercera Guerra Mundial. Pero que vista hoy en día “El guateque” no puedo decir otra cosa que cualquier entrega de “Aterriza como puedas” hace bastante más gracia.

Por cierto el símbolo de la India es el pavo real y no el elefante. Pero que le importa a Edwards, otro norteamericano que no sabría situar a España en un mapamundi.

El productor Elliott Kastner había quedado muy contento con el resultado de “La espalda contra el muro” que un año antes había dirigido Brian G. Hutton por lo que fue de nuevo elegido para que adaptara otro de los grandes éxitos del escocés Alistair MacLean que por aquel entonces estaba en pleno auge tras dos éxitos como “Los cañones de Navarone” y “Estación Polar Zebra”.

En este caso con un importante presupuesto y dos estrellas de primer nivel como Richard Burton y Clint Eastwood podemos decir que el objetivo se cumplió con creces y aunque fuera marginada como casi siempre por los eruditos y expertos del cine al público le gustó bastante (en Estados Unidos y Reino Unido sigue siendo una película muy valorada).

Y coincido con otros usuarios que afirman que existen demasiadas fantasmadas. Por eso me quedo con la primera hora y media hasta después de la tertulia en el salón del castillo, a partir de ahí viene un desenfreno apasionante pero que es abusivo y termina por cansar un tanto. A Hutton se le fue el gatillo obviamente y nadie en su sano juicio podrá negarlo.

Además es curioso que a pesar de que dure dos horas y media la película no consigue profundizar en los personajes apenas nada por lo que su metraje a todas luces es excesivo.

Tampoco está nuestro querido Clint Eastwood muy bien la verdad (mil veces peor que un año después en “Los violentos de Kelly” del propio Hutton.) Eso sí Richard Burton está de cine y se come a Eastwood crudo. Algunos muy buenos secundarios pero desaprovechados.

Pero si por algo nos encanta esta película es desde luego por toda la puesta en escena; ver esos uniformes alpinos, paisajes nevados, aviones de camuflaje, castillos inexpugnables, teleféricos imposibles, dobles agentes, helicópteros nazis... Maravilloso el despliegue de detalles que impulsó para que unos informáticos enamorados de esta película realizaran el más famoso vídeo juego español: “Comandos”.

Y que decir de esa fantástica música del compositor británico Ron Goodwin que no tiene desperdicio. Soberbia.

Una de las grandes películas de acción de todos los tiempos muy influida por la década Bond de los años sesenta y que como este tipo de películas es ya imposible que podamos encontrarlas dentro de nuestras carteleras debemos reivindicar más que nada porque el cine de entretenimiento con calidad parece que es una utopía por lo que al menos siempre nos quedará el DVD.

Nota: 7,4.

“Río sin retorno” es una de esas películas que tenían casi todo en contra, realizada totalmente por encargo, no se encontraba un director que la quisiera rodar, al final cayó Preminger, que probablemente era el menos adecuado para ello. Tanto Mitchum como Monroe, ni querían hacerla tampoco, ni les gustaba el guión y mucho menos se gustaban entre ellos.

Y uno pasado los años la vuelve a ver y sinceramente no me disgusta en absoluto. Creo que la versión íntegra tiene muchos elementos cuando menos atrayentes. Es una de las películas más carnales de Marilyn Monroe, tienes escenas inusuales, como la del masaje, cuando la quiere forzar Mitchum, un vestuario interesante y un diseño de personajes limpios y realista.

Es verdad que el guión no es espectacular, pero consigue llevarte a lo largo de la peripecia sin esfuerzo, con altas dosis de humanismo y aventura, y tiene un scope maravilloso que nos acerca a esa región del Canadá, que es Alberta, y que a mi juicio es la más bella de toda Norteamérica desde el punto de vista de la naturaleza.

“Río sin retorno” es una rareza en muchos sentidos, y ya por ello merece un lugar en la videoteca, aunque no sea destacado, pero en serio, es una película sugerente que merece mejor trato por muchos enfermos del cine profundo de Preminger que siempre han intentado renegar de esta obra más lineal y previsible, pero con un marchamo y sobriedad de verdadero cine clásico que siempre se agradece.

Coincido plenamente con la nota de la web 6,8

En la segunda mitad de los setenta se estaba produciendo el reverdecer del cine australiano, hasta entonces prácticamente inexistente, con directores como Peter Weir, Bruce Beresford y George Miller. Este último con su opera prima "Mad Max" consiguió siete nominaciones (tres galardones) a los premios australianos de cine además de barrer en taquilla. Con un exiguo presupuesto y un elenco tanto artístico como técnico que debutaban en esto del cine se obtuvo unos meritorios resultados. Eso sí, la película tiene un argumento más sencillo que una manta a cuadros, y cualquier spaguetti-western de segunda fila cuenta lo mismo, es en definitiva la venganza lo que mueve al protagonista a realizar su acción. El argumento no da más de sí, en realidad se trata de un cortometraje que para que dure noventa minutos se alargan escenas y situaciones innecesarias que se hacen eternas. Es sin lugar a dudas su estética lo que resulta más interesante, en ocasiones cercana al cine friki. Una película legendaria, clásica en los video clubs durante años, con muchas escenas impactantes y bien rodadas, pero que en conjunto no deja de ser un producto a valorar por lo que supone para la historia del cine y no tanto por sus méritos cinematográficos que son más bien escasos. La segunda parte de la trilogía es bastante superior y parece que guionista y director encuentran mejor donde situar y como desarrollar el mundo y los personajes del film. Mel Gibson, como casi siempre limitado, no deja de ser una cara bonita, sin muchas prestancias para la interpretación como ha demostrado a lo largo de su carrera.
En definitiva, una opera prima que parecía apuntar a que tendríamos un buen director y que George Miller ha demostrado en su filmografía que no lo es en absoluto.