Se trata de una película pequeña pero correcta. Pequeña por la modestia de sus recursos, sin grandes ni originales logros técnicos y correcta por la forma como el guión, basado en un cuento del escritor Juan Carlos Onetti, es llevado a escena.
Es un relato atmosférico y atemporal que, sin embargo, tiene cosas de los años 50 del siglo pasado y de la actualidad; ambientado en el mismo lugar de ficción que el escritor uruguayo usaba como locación para sus relatos, Santa María. Vemos un pueblo chico con paisaje modesto, edificios viejos, gente mal vestida y muy triste donde la mayor distracción es la “semana de la pesca”. El único periódico del lugar parece ser el dueño del lugar y de las vidas de los habitantes; destacándose nítidamente el problema del centralismo uruguayo.
En medio de este contexto llegan los dos foráneos que cargan una vida llena de fracasos e intentan estafar a un pueblo cuyos habitantes, al igual que ellos, sufren de la misma condición.
La propuesta no se queda ahí pues hay una variada temática psicológica, social y política que se toca utilizando un relato que nos atrapa de principio a fin con un final inesperado; rescatando bien el sentido que el famoso escritor le dio a sus cuentos.

“Cinco días sin Nora”, el primer largometraje de la directora Mariana Chenillo, es una comedia dramática con mucho humor negro que habla sobre la realidad mexicana que es muy parecida a la del resto de Latinoamérica.
En efecto, en esta cinta se compendian las diferencias sociales, raciales y religiosas dentro de un contexto económico neoliberal que comercia con todo y con todos y se critica por igual a todos los estamentos, incluyendo los ritos judíos y la frivolidad católica.
La historia, de antemano, es previsible y está hecha así adrede porque de lo que se trata es si José, el personaje ex esposo de Nora, después del suicidio de esta última, enrolla la madeja o la tira al tacho, figurativamente hablando para no contar los detalles del filme.
La directora es también la guionista de la película y su mérito consiste en haber presentado los personajes en forma tal que se produzca un caos permanente y una tensión creciente sin incurrir en situaciones trilladas y demasiado melodramáticas.
Por otro lado, uno de los puntos débiles de la cinta está en las escenas retrospectivas producto de los recuerdos de José con Nora, demasiado lacónico en sus explicaciones y poco trabajado en su estética pero el más notorio es el facilismo con que se llega al desenlace.
Pero en conjunto, la película tiene tal poder de convocatoria y adhesión, que oculta sus defectos.

Poppy es la "Amelie" británica con la diferencia que no es tímida como la francesa y además siempre tiene la sonrisa dibujada en el rostro. Se viste y vive como le da la gana rodeada de colores llamativos y alegres y sin importarle un bledo el qué dirán.
Tiene el afán de darle alegría a todos los que conoce con su bondad, independencia y libertad.
El director nos cuenta una historia mínima al respecto filmando lo cotidiano con cámara quieta y encuadres reducidos sobre personajes sencillos y pintorescos con diálogos, curiosamente, maximalistas que dan la sensación de que estamos frente a una comedia de situaciones sobre la felicidad y la educación donde tenemos una actriz como Sally Hopkins convertida en un modelo sobre el tema y que nos conduce a todos por el camino correcto.
Este es el principal defecto de este filme, no es la falta de historia o que ésta sea menor, sino la forma cómo el director pretende hacer llegar su propuesta. En el caso de su película “Vera Drake” se notaba una estructura narrativa donde la primera parte se confrontaba con la segunda con una maestría innegable y en “Secretos y mentiras” había una tensión permanente que denotaba una situación subyacente; pero en “Happy go lucky”, Mike Leigh quiere resolverlo todo sin que su heroína sufra un solo rasguño emocional.
Sin embargo, me gustaron mucho las escenas de las clases de baile flamenco porque ahí se condensan todas las características del personaje y de su entorno y donde el humor sale a flote en forma natural. También los diálogos y encuadres dentro del auto del instructor.
Se trata, en resumidas cuentas, de una comedia al estilo de Leigh con muy buena dirección de actores que se puede disfrutar por la actuación de Sally Hawkins y poco más.

John Cassavetes zarpa en su embarcación privada llena de polizontes sin rumbo fijo evitando en todo momento la costa y los climas benignos; navegando hasta donde las fuerzas y la razón se lo permiten; cuando de pronto su barco es abordado por su hermana, encarnada por Gena Rowlands, alter ego femenino de su atormentada personalidad, quien trata de enrumbar la travesía hacia el puerto seguro.
Literalmente, el argumento descrito no es el que vemos. Pero sirve para explicar qué busca la película, es decir, graficar la búsqueda del amor y el desamor, cuando se ha tenido mucho o no se ha tenido nada o cuando lo tuviste y no te diste cuenta, cuando lo perdiste o lo utilizaste como desfogue.
Es un filme que propone una definición del amor a través de dos ejemplos de personalidades extremas y contrapuestas y en eso basa su originalidad. El guión y la puesta en escena evitan todos los clichés del cine comercial norteamericano contando, además, con unas estupendas actuaciones de los actores principales. Y esto se logra sin necesidad de sacrificar el humor, presente a través de toda la trama.
Interesante el personaje interpretado por Cassavetes que tiene, entre sus características, una analogía con el conde Drácula porque quiere alimentarse de los secretos de la gente para tener más sabiduría y poder en medio de su irracional desenfreno.
Si tendríamos que identificar el género de la película, este sería la comedia dramática donde el director, que también es el actor principal, con una serie de gestos y símbolos, homenajea y rinde culto a su actriz fetiche y esposa hasta la muerte, Gena Rowlands.

Esta película de Giuseppe Tornatore presenta varios y meritorios aspectos positivos y a la vez contiene una característica muy polémica.
Entre los aspectos positivos, para mi modo de ver, es haber evitado la linealidad, que la hubiera hecho muy larga, con la inclusión en retrospectiva de los recuerdos que acuden a la memoria de la protagonista y que van explicando el presente.
El segundo aspecto positivo y el de mayor ponderación es la actuación de la actriz rusa que encarna a la ucraniana. Realmente, muy convincente.
El tercer acierto es haber elegido una ambientación muy opresiva e intimidante, con referencias al cine de Hitchcock, envuelta con la música de Ennio Morricone que tiene como misión narrar la historia en forma simple y contundente.
Otro acierto es haber construido los recuerdos del personaje con una fotografía de color amarillento que denota decadencia y contaminación física y moral que también se expresa en la filmación de grandes basurales donde Irina busca y escarba.
El último acierto lo constituye aquellas escenas donde la ucraniana le enseña a la niña a defenderse, levantarse sobre la adversidad.
La duda radica en la ambigüedad de la propuesta de Tornatore. Deja demasiado para la interpretación y no define el espacio y tiempo de la historia. No se sabe si quería denunciar la situación de las mujeres explotadas criminalmente por las mafias rusas, ucranianas y en general del este europeo después de la caída del muro de Berlín y de la URSS; o si se refiere, como muchos creen, a la época soviética con la cual la historia sería un poco incongruente porque en dicha época no existían en esos países, al menos no de forma tan abierta, las mafias, los proxenetas, las esclavas sexuales y el tráfico de bebés. También se podría decir que la ucraniana llegó a Italia hace años para ser esclavizada por el Muffa y se escapó de una ciudad para ir a otra. Abona en este sentido el hecho de que los supuestos ucranianos hablan italiano.
O finalmente que a Tornatore y su guionista no les interesaba denunciar políticamente dicha situación sino hacer un melodrama sobre los vientres de alquiler que hace recordar a las telenovelas brasileñas de hace 20 años.
Lo cierto es que la violencia, la sordidez, el sadomasoquismo, la sangre y la crueldad de los recuerdos no parecen estar por gusto, están ahí para generar contraste.
La referida falta de definición es un defecto que lo pone debajo de varios cineastas que han tocado estos temas previamente pero es el medio por el cual nos ofrece su historia logrando devolvernos el precio de la entrada.