Dicen de Ozu que nadie como él ha sabido sacar tanto partido a la cotidianeidad, y es cierto, pero eso no significa que sus filmes dejen de ser cotidianos. El director japonés rueda con cierta maestría la historia de una joven núbil presionada para darse en matrimonio y de una historia tan nimia el director saca oro, poniendo ciertas dosis de tensión a lo largo de la cinta, proponiendo dilemas morales que se resuelven sucintamente y agregando ternura y drama a partes iguales para salpimentar el filme. No deja de ser sin embargo, una historia fútil, con poca ‘chicha’ para el espectador muy liviana en cuanto a la temática y aunque el guión se construya sacándole un rendimiento del 100% la película, en mi opinión, pierde interés desde su propia concepción. La forma de rodar es muy occidentalizada, muy al estilo Hollywood, por lo que el ritmo es de forma general apropiado, tiene de todas formas algún despiece en la película donde se impone la tradicional lentitud japonesa, especialmente en la filmación de la obra de teatro a la que los dos protagonistas asisten, que no es apta para el espectador occidental que termina hastiado de esperar a que acabe la escena. Los detalles simbólicos en forma de trenes, o vestidos, la recreación en los cambios en los estilos de vida tradicionales de Japón por los gustos más occidentales, o el cuidado en la escenografía y los decorados, son otros apuntes positivos a tener en cuenta en este filme.

Pero su excesiva sencillez, su visión rasante acerca de los temas que trata (nunca llega a meter el dedo en la yaga), su humildad y corrección social, hacen que la película no termine de llenar del todo y nos quedamos en las maneras y no en lo que nos dice, tal es la sutileza con la que nos cuenta Ozu que apenas la percibimos.

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En la gama de los grises supone una valiente apuesta chilena por tratar una temática homosexual con naturalidad, con convicción y de forma entretenida y veraz.

Dirigida por Claudio Marcone, la cinta trata sobre la relación entre dos hombres, uno de ellos abiertamente homosexual y otro que, tras ver fracasado su matrimonio emprende un viaje sentimental cargado de dudas y responsabilidades hacia otras formas de sexualidad, es en esa gama de grises en la que se mueve el protagonista la que da la acción y giros de guión a una película que combina una historia de amor, sexo explícito, y tolerancia social.

En la gama de los grises es igual de apta para el publico general (no homófobo, evidentemente) que para aquellos que buscan historias LGTB, y ese es quizás su mayor acierto, ser una película accesible, entretenida, comprensible por todo tipo de públicos (excepto para menores de edad por el contenido sexual de algunas escenas) que consiguió ser premiada tanto en el Festival de Miami de carácter genérico, como en el de San Francisco (de temática LGTB) en ambos casos con el galardón a la mejor ópera prima.

Y es que en su visionado encontramos una película sin complejos, pero sin remarcar las actitudes o acciones de los personajes, haciendo de En la gama de los grises una oda a la normalidad, a superar escalones morales en el espectador.

Sólo una mirada más profunda deja entrever que se repiten algunos clichés del cine homosexual o que se pone hincapié en ciertos aspectos ya superados por el espectador medio. Solo una visión más crítica, desinfla un guión al contemplar cómo algunos de los puntos de inflexión de la historia resultan un tanto exagerados.

La simbología también ocupa un lugar especial en la historia, los puentes que el protagonista cruza, o quiere construir (es arquitecto de profesión) son también el reflejo de dos tendencias sexuales a las que dirigirse. Tal vez, utiliza este recurso en demasía, pero es al fin y al cabo un buen nudo simbólico para contar más allá del propio guión.

Por lo demás, una buena actuación de los dos protagonistas masculinos, Francisco Celhay y Emilio Edwards que completan sus respectivos personajes con solvencia y credibilidad.

Y dejamos para concluir la crítica de En la gama de los grises su enigmático final. Durante la presentación de la película en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, el director del filme Claudio Marcone, aseveró que el desenlace era mucho más claro en el guión primigenio pero que decidieron dejar un final más abierto para involucrar al espectador. Marcone asegura que él tiene claro cuál es la decisión del personaje en el que lo vemos cruzar un puente (no sabemos bien hacia qué lado) pero que la respuesta de la gente es dispar. En efecto, cada espectador se forjará su idea y verá al protagonista en diferentes situaciones en su imaginario, lo que en mi opinión también constituye un acierto ya que, en una película sobre las dudas, conviene tener un abanico de posibilidades para posicionarse. Yo tengo mi idea, y será mía para siempre.

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Como una diva de Hollywood pero con temperamento italiano, Silvana Mangano llena la pantalla con su presencia siendo el atractivo que llevó a esta película a ser un éxito de taquilla en toda Europa cuando aún no había nacido la década de los 50. La actriz derrocha un erotismo inusitado, sin enseñar nada y sin hablar de sexo durante toda la película, tiene el encanto de las grandes de la época, de una rica gestualidad que acapara en todo su cuerpo y de una mirada embelesante. La película en sí es una extraña mezcla de neorrealismo mezclado con el género policiaco, una de las imprescindibles para los estudiosos de esta etapa del cine italiano y aunque se desarrolla de una forma atropellada y acumula un buen puñado de tópicos, no le falta interés a la trama que se ocupa desde el robo y el asesinato a la lucha sindical de las arroceras.

Sorprende la factura técnica con la que De Santis maquilla la película, con composiciones armónicas, muy logradas, incluso con los personajes en movimiento logrando un acompasamiento idóneo para llenar el plano en todo momento. La fotografía en blanco y negro logra contrastes amables, perspectivas evocadoras y bellos planos para destacar a los personajes entre los arrozales o los graneros. Rodada principalmente en exteriores el inusual ‘plató’ que componen los arrozales cubiertas de agua chapoteados por decenas de muchachas arremangadas hasta los muslos suponen un magnífico escenario para la película.

En el fondo del todo, como buena película neorrealista, están las desigualdades sociales, las penurias económicas en una época de posguerra, las duras condiciones de vida de las obreras, aunque muchas veces el propio director se encarga de desdramatizar estas situaciones a ritmo de ‘boogie-boogie’ en una gramola con la que Silvana (también su personaje se llama así) se contonea para delicia de todos.

El principal fallo de la película radica en su ritmo, demasiado acelerado para cerrar muchas de las acciones de forma atropellada y hasta incoherente, en el final, unas escenas se pisan a otras y aquí el guión (que fue nominado al Oscar) se amontona sin dar abasto, pues el director no ha sabido dispensar de forma coordinada las subtramas que se generan en el filme.

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El título de esta crítica es también el de la novela que sirvió de base para el guión de esta película, un clasicazo de terror, una de esas escasas películas de serie B que consiguen sobreponerse a su escueto margen de acción y trascender no sólo en su época si no a lo largo de los tiempos. La razón es bien sencilla: La originalidad, que en esta ocasión utiliza el miedo a lo desconocido pero ahondando aún más en la confusión, porque en este caso nadie sabe a ciencia cierta el origen o las intenciones de estos maléficos niños con corazones como témpanos. En ‘El pueblo de los malditos’ no hay monstruos, ni sangre, ni apariciones fantasmagóricas, ni psicópatas… hay niños, extraños púberes de cabello rubio platino, que no muestran sentimiento alguno y capaces de leer y controlar la mente humana, pero niños al fin y al cabo y el hecho de provocar terror en algo tan cercano e inocente es lo que ha hecho a esta cinta un mito.

El acierto está también en no desvelar segundas intenciones en mantener a los personajes de la trama tan confundidos como al espectador, sólo pequeños detalles van desvelando la verdadera naturaleza maquiavélica de estos seres y su origen. Otra de las razones en la que radica su originalidad es la naturalidad de la invasión de estos niños, mientras que en el cine de terror al uso, casi todo lo que ocurre se hace de manera subrepticia y los ‘malos’ tratan de huir de lo público para no ser descubiertos, aquí las acciones de estos pequeños no solo se efectúa ante la mirada de todo el pueblo, también ante las autoridades civiles y militares que están informadas en todo momento. Así, en otros seres hay un punto flaco que minar, una esperanza, pero el autoritarismo con el que estos bellos y arios engendros pavonean su poder sin que nadie pueda hacer nada es pavoroso, sencillamente son imparables pero… ¿qué es lo que hay que parar?. Lo que se consigue no es una película de terror al uso, no hay golpes de efecto ni sobresaltos, es simplemente una intranquilidad latente a lo largo de toda la película, un desasosiego que no te hace taparte los ojos, pero que no suelta el nudo de la garganta. Pese a la buena cimentación de la película con un guión tan poco común y un apetitoso gancho, lo cierto es que la película no deja de ser una serie b, y en los aspectos técnicos flaquea y tropieza. Las actuaciones son acartonadas y poco concluyentes (a excepción de niño David que realmente no parece mostrar ante la cámara sentimiento alguno y mantiene una frialdad asombrosa), los efectos especiales resultan ser bastante falsos, y la música es más propia de una marcha militar que de una película de miedo. La escasa duración del filme (74 minutos) y la celeridad por tratar de explicar tantos hechos extraordinarios en tan poco tiempo es otro hándicap importante de tal modo que el director tiene que recurrir a enormes elipsis para encofrar la obra y los lapsus temporales se notan demasiado. Tampoco el guión tiene todas consigo salvo la originalidad ya reseñada y un extraordinario comienzo, el gancho perfecto para introducirte en una trama ante un fenómeno misterioso sin explicación… pero tiene bastantes lapsus, muchas incognitas no resueltas y otros muchos detalles por los que se pasa de puntillas y sobre todo, tiene un pésimo final, una manera un tanto absurda de acabar la obra de forma abrupta, acelerada y poco certera. …y pese a caer en tantos errores ¿porqué nos atrapa?

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Con un guión canalla y rodado de una forma impecable, El pagador de promesas es una curiosa película brasileña, la única que, hasta la fecha, se ha hecho con la palma de oro en Cannes. El argumento tiene apuntes de delirio desde el principio, mezcla tramas aparentemente alejadas de los temas principales, fabrica personajes dicharacheros y extremos y pese a la disparidad de factores que se manejan el resultado final resulta ser un curioso equilibrio imposible. En este filme, Duarte consigue rodar una crítica anticlerical (también a la religión pagana) bajo el prisma de un cristiano un tanto confundido, pero en la historia también se inmiscuyen, una prostituta, su chulo, una infidelidad, un periodista (otro sector criticado por la obra) y toda una pléyade de personajes que convierten esta película en un anecdotario de movimientos en torno a una cruz de madera, todos ellos son chirriantes pero consiguen sorprender sin degradar el sentido de la historia que se nos narra. En cuanto al cuadro técnico, la habilidad del director para colocar la cámara resulta a veces impresionante, especialmente en las escenas finales y siempre persigue un fin narrativo al hacerlo ya que de fondo, en sus planos, siempre aparece algún símbolo que sirva para recrear lo que está sucediendo en la historia. Utiliza planos generales para destacar tanto la soledad como el bullicio, detalles para remarcar el tintineo de la música mientras los percusionistas golpean los instrumentos, picados y contrapicados que ensalzan la historia y una más que digna composición de planos afinados por un montaje que acierta, especialmente en los compases musicales (algo que se ve desde los créditos). Tiene eso sí, ciertas dosis maniqueas (lógicas en personajes extremos) incluso estereotipadas, y demasiada crueldad en su tratamiento crítico, pero al fin y al cabo es lo que le da esa ‘alegría’ a la cinta. También tiene la cinta algunos tintes políticos más sucintos (la crítica religiosa es evidente) e incluso de carácter comunista de hecho algunos de los símbolos que propugna a lo largo de la película, no son más que los del poder del pueblo. Fascinante a ratos, repetitiva en ocasiones, es desde luego una película impagable, una herejía digna de cometer.

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