Muchos de los que en 2010 quedamos absolutamente asombrados a la par que horrorizados por la controvertida Martyrs y por su novedosa y cruenta forma de abordar un cine tan manido y estereotipado como el de terror, creímos encontrar en Pascal Laugier nuestro particular enfant terrible. Pensamos entonces que por fin había aparecido el verdadero genio dentro de esa interesante ola de nuevo cine de terror francés de principios de siglo y esperábamos con auténtica ansia su próximo proyecto.

Y entonces llegó El Hombre de las Sombras y la cosa ya no pintaba tan bien. Producción canadiense, actores americanos y un enfoque hollywoodiense que parecía alejarse del formato que presentaba Martyrs. Pero era un guión de Laugier, al igual que su anterior obra y ese era suficiente aliciente, ya que uno de los puntos fuertes de la misma era precisamente el tratamiento tan peculiar a la hora de plasmar la historia, como una auténtica caja de sorpresas temática, pasando del terror puro al thriller más visceral y sangriento en un solo corte argumental, drástico e inesperado, para luego desembocar en el más angustioso torture-horror, jamás tan creíble y correctamente filmado.

Pero fue el primer jarro de agua fría. El Hombre de las Sombras no alcanzó las expectativas generadas. Sin ser un film tan mediocre como algunos se empeñaron en acuñar, distaba mucho de las cotas de calidad logradas con Martyrs. Y eso que en las formas de ejecutar la trama y girar el guión poseían unos cuantos puntos en común la una con la otra.

Luego vino esta Ghostland y llegó el siguiente jarro, éste mucho más frío, helado diría yo. Reaparecía esa sensación de no estar ante un trabajo de pésima calidad ni mal realizado, más bien al contrario, pero en el que ya no había nada nuevo. Los giros de guión ya no sorprenden, resultan poco convincentes y reiterativos. Pero sobre todo es que en esta Ghostland estamos ante otro tipo de cine, uno mucho más habitual dentro del género, cargado de tics usuales en la mayoría de las cintas de terror, del slasher, etc. Tienes la impresión de haberlo visto todo miles de veces y contado de formas muy similares, algo que no ocurría con Martyrs.

Con Ghostland, parece que se desvanece esa última esperanza de haber encontrado al gran regenerador del género que se esperaba del francés. Y todo lo que significó y supuso Martyrs para gran parte de la comunidad cinematográfica no tiene continuidad ni se ve reflejado en el resto de su obra.

Empiezo a cuestionarme la capacidad de innovación de Laugier y su personalísima visión del cine de terror.
Quizás es que una vez Laugier tocó la flauta.

Vivimos en una sociedad extremadamente dependiente, de tecnología, de infraestructuras, de recursos energéticos... Y lo es de tal manera que si una de esas piezas cayese se desmoronaría el conjunto por completo, hasta ese grado de fragilidad y poca previsión llega nuestro modelo económico-social. Los pilares sobre los que sustentados nuestro modo de vida se vendrían abajo uno tras otro al primer desplome de cualquiera de ellos, e iniciarían un proceso en cadena a todas luces imparable, como si fichas de dominó se tratase.

Esto es lo que muestra principalmente "El colapso", una mini-serie francesa de ocho episodios, rodados todos ellos en plano-secuencia e independientes (aunque más conectados de lo que parece), que se ve de un tirón gracias a la cortísima duración de cada uno de ellos (unos veinte minutos por episodio aproximadamente) y un interés que va en aumento capítulo a capítulo. Muestra esto, pero contiene otra cosa. Contiene historias personales ante la desesperación y el caos, angustia y atisbos de humanidad frente al horror y, sobre todo, un incómodo aire a familiaridad y credibilidad en lo que cuenta. Aquí ayuda mucho el plano-secuencia dotando a las imágenes de mayor verosimilitud. Lejos de ser un alarde de virtuosismo, la forma en la que está rodada, casi como si fuese cámara en mano, nos acerca a la trama y a los personajes de una manera tan tosca y poco sutil que se parece más al "found-footage" y al pseudo-documental que al despliegue técnico de "1917", por poner un ejemplo. Todo está al servicio del fundamento y la inmediatez.

Al finalizar deja un poso de inquietud e incomodidad, como si ese futuro planteado no fuese tan irreal y fantasioso como en otras ocasiones hemos visto. Termina uno preguntándose si no estaremos ya en el principio del colapso. Necesaria en su discurso final.

Ang Lee ha creado la mejor fábula del siglo XXI. Ha dotado al cuento de Yann Martel de los elementos que le faltaban para trascender como historia. Es de las pocas veces que una película supera a la novela en la que se basa, y eso que la novela en cuestión no está nada mal, es entretenida y no difiere prácticamente en nada de lo que cuenta el film. Pero no alcanza su magia.

La Vida de Pi es visualmente deslumbrante, perfecta en su apartado técnico y tomando la buena idea que desgaja el libro, se teje un épico argumento que la convierten en una auténtica obra maestra.
La belleza y el tratamiento de cada uno de sus fotogramas la dotan de un hechizo inexistente en el escrito de Martel, cuya mayor baza consistía en la descripción de una aventura con un final sorpresivo y parabólico, algo que Ang Lee consigue reforzar a través de su concepción artística y eleva la obra a los altares de los grandes relatos cinematográficos.

Un Ang Lee que ya había demostrado en sus otros trabajos su oficio y maestría a la hora de crear imágenes de gran belleza y textura, pero que ahora se topa con un guión a modo de fábula pseudo-biográfica, tan compleja a la hora de llevarla al cine, que sólo un director como él podía acometer. Su buen hacer no se había visto recompensado hasta entonces con una historia de tal magnitud ni tan acorde con su mirada cinematográfica. Es esa conjunción lo que la convierte en su obra más redonda.

Allá por nuestros años mozos, unos cuantos compañeros de fatigas y el que suscribe, quedamos totalmente asombrados ante la opera prima de un, por aquella época, desconocido director. Un violento thriller de original planteamiento, conceptualmente teatralizado y minimizado, de largos diálogos y cruentas escenas, toda una sorpresa en el cine de entonces. Lo que vino después acabó por desarmarnos del todo, para caer, incuestionablemente, rendidos a los pies de aquel genio.

¿Pero de dónde había salido semejante talento?, ¿dónde se había ocultado todo este tiempo?, ¿porqué ningún estudio se había percatado antes de aquella creatividad desbordante?. Eran preguntas que nuestras trastocadas cabecitas se planteaban durante el visionado de aquella obra maestra llamada Pulp Fiction. Un guión perfectamente engrasado, ensamblado como nunca antes se había visto, unas actuaciones sublimes dentro de unos personajes inolvidables, capaces de hacer todo un film por si solos, delirante humor negro y un gusto por la serie B que se antojaba delicioso, todo ello envuelto en una banda sonora antológica.

¿Cómo podía condensarse tanta calidad en una sola película?. Era como si el artista que había dibujado por primera vez unos buenos bocetos, nos ofreciera de pronto su Guernica particular. Con Pulp Fiction te dabas cuenta instantáneamente que te encontrabas ante uno de los iconos cinematográficos de nuestra época.Tarantino se convierte en el nuevo director de referencia y yo, en uno de sus incondicionales seguidores.

Y digo que fui admirador suyo en pasado, porque ya no voy la semana del estreno a ver su último trabajo, lo cual no quiere decir que no le tenga por un tipo que atesora calidad como creador. Todas sus películas tienen alguna buena escena, y muchas, memorables, sus personajes son verdadera delicatessen para cualquier actor o actriz y nadie homenajea lo "pulp" como lo hace él.

Dicho ésto, Django es lo mejor que ha hecho desde aquel lejano año 94(e incluyo Los Odiosos 8 y Erase una vez...). Vuelve a rendir tributo a la serie B, al cine barato de nuestra infancia, esta vez al spaghetti western, y lo hace con una exquisited inigualable, con un guión que funciona como un tiro, personajes de lujo que son magistralmente encajados en la trama y una soberbia puesta en escena.

Todas las actuaciones son superiores. Se ha hablado mucho de la exageración interpretativa de Jackson, genialmente sobreactuado, diría yo, a exigencia de su histriónico papel. Waltz me parece que está bien; vale, muy bien, pero similar a otras de sus interpretaciones. Eso sí, lo de DiCaprio son palabras mayores, es lo mejor con diferencia de la cinta, y está siempre un paso por delante del resto de sus compañeros. Y no solo aquí, también pienso que es lo mejor de Erase Una Vez En Hollywood, por mucho que el señor Pitt se hiciera con la estatuilla. Desde el momento en que aparece en escena, Django Desencadenado gana enteros y, desgraciadamente, con su ausencia los pierde, ya que el tramo final es lo peor del film, donde más flojea el argumento y donde más desentona el conjunto. Son esos desenlaces tan chirriantes y que tanto gustan últimamente a Tarantino lo que, bajo mi punto de vista, más resta a sus trabajos, aunque para él resulten de lo más onanístico. Aún así, la escena final montados a caballo más que chirriar, daña la vista.

Historia de un Matrimonio es un final contado desde el momento en el que comienza.

Noah Baumbach, disecciona a la pareja protagonista con una precisión quirúrgica, les arranca sus miedos, sus anhelos, sus conflictos con maestría y solvencia. Sabe jugar al drama o a la comedia de una forma mesurada, sin grandilocuencias ni pirotecnia. Pero la historia cala, duele en lo dramático y despierta sonrisas en los pocos momentos de gracia que contiene.

Es una película fundamentalmente de actores, exigente como pocas a nivel interpretativo. Y todos están magníficos, desde los secundarios (Dern en su línea, Liotta estupendamente cabrón y así uno tras otro), a los exprimidos protagonistas. Siempre es un gustazo ver personajes tan bien compuestos y desarrollados.

Al final deja un poso de tristeza flotando, una sensación de que en el duelo llevado a cabo sólo quedan vencidos, dos personas melancólicas que han perdido.

De lo mejor del año pasado, tan flojo, por cierto.