En esta parábola sobre el Milagro Económico, Fassbinder presenta una Alemania de posguerra travestida en la figura de una mujer libre, inteligente y poderosa que al final es superada en sus estrategias porque ha sido una transacción más en un mundo hecho para el negocio y la especulación donde no cabe el amor. Para Peter Märthesheimer, coguionista de la película, "Maria Braun es una heroína cinematográfica valiente y perseverante que se abandona completamente a sus sentimientos, pero que también está capacitada para actuar en la vida porque es astuta, hábil y consciente de la realidad". Esta apasionante historia de una mujer que se aferra al recuerdo de su matrimonio mientras su país intenta olvidar su pasado ha sido considerada como la síntesis genial de las obsesiones del mítico Rainer Werner Fassbinder.

Crematorio” resulta fascinante porque está en nuestro adn: es la historia de la España reciente. Hijoputas, especuladores, ladrones, políticos… Corrupción, ignorancia, vanidad, extorsión, despilfarro, abuso de poder… Varias generaciones de españoles hemos crecido con los personajes y con las situaciones de “Crematorio”. De hecho, aún vivimos sumergidos en esas miserias.

“Crematorio” es tan actual que, en un diario como El Pais, la publicidad de la serie no se ha incluido en las páginas de televisión, comunicación, espectáculos o cultura, sino en las de economía. El viernes 4 de marzo el cartel de “Crematorio” compartia papel (paginas 26 y 27) con las siguientes noticias: “Multa de 51 millones por cartel a nueve empresas de perfumeria”, “Nueva Rumasa aún debe 1,4 millones de euros a Kraft” y “Un estudio sitúa la economía sumergida en el 17% del PIB”.

La realidad y la ficción pocas veces han hecho tan buenas migas. “Crematorio” es un producto digno, si no osamos compararlo con obras maestras del genero “mafia” (Los Soprano, Boardwalk Empire…) y se convierte en alternativa para el televidente que pretenda escapar de la ficción-basura nacional. El primer capitulo tiene tensión, excelentes actores (no solo José Sancho), una fotografía inquietante y una lentitud por momentos exasperante. En cualquier caso, lo tiene difícil: ¿Cómo competir con la actualidad?

Periferia de Madrid: cómo sobreviven a la miseria económica y moral tres chavales que trantan de convertir su entorno vital en el paraiso que la sociedad y los medios de comunicación prometen, pero al mismo tiempo niegan.

Apuesta moral, dimensión testimonial de una realidad muchas veces ignorada por el cine español. Propuesta narrativa y dramática que supera el realismo inmediato. A contracorriente de la producción dominante, "Barrio" pasea la cámara por los escombros de una sociedad que oculta en el subsuelo los excedentes de la miseria y la marginalidad: puente bajo el que se reunen los chicos, estación fantasma de metro, subterráneo donde se hacinan los yonquis.

En palabras de F. León: "Barrio de cemento y pasadizos subterráneos: sin árboles, sin comercio, sin un pedazo de cielo, hecho a golpe de hormigonera, barrio de inmigración, de viviendas estrechas, de paro, de litografías baratas en las paredes, rejas en las ventanas, de miedo y cerrojos, ropa tendida y televisión a todo volumen, cierres echados, solares en venta, obras, portales iguales, pilares de la M40, tráfico rápido y alto que pasa sin detenerse jamás allí".

Rai, Manu y Javi viven dentro de ese barrio. Su sueño permanente y lucha cotidiana es salir de allí, alejarse. De ahí que se asomen a cuantas ventanas, reales o virtuales, encuentren a su paso: escaparate agencia de viajes, monitores a través de los que espían al hermano, vitrinas tiendas de trofeos, paso elevado bajo el que circulan los coches. Ventanas que actuan como reclamo de lo que los protagonistas no poseen.

Encuentran en los figurines robados de la agencia de viajes las mujeres con las que anhelan bailar; en la moto de agua el sucedáneo inútil del veraneo en la playa que sus familiares no pueden ofrecerles; en los trofeos de la tienda el símbolo del triunfo social; en los anuncios de masajes el reclamo de un sexo desconocido; en los coches que pasan bajo sus pies la posibilidad de salir del barrio; en los monitores de vídeo la sexualidad que solo pueden vivir por delegación.

Son personajes de carne y hueso, pero ellos mismos se disfrazan para reinventar sus propias vidas, para creerse protagonistas de una vida diferente.

Las imágenes ni embellecen ni disfrazan la realidad. Hay apego al realismo. Guión construído con precisión y estructura férrea. Todo lo que encontramos en sus imágenes ya ha sido presentido o anunciado por algún elemento narrativo. Condiciona el discurso.

Es un film sencillo, naif, primitivo, hippy, visionario. Más que una película de ciencia ficción parece una parábola de esas que perviven en la tradición oral y que ya nadie escucha. Como tampoco escuchamos los sonidos del silencio. Sin necesidad de efectos especiales ni una batería de ruídos ensordecedores ni repelentes monstruos clonicos de Alien, Coline Serreau consigue hacernos reflexionar sobre la mentira del dinero como deuda, la contaminación, el consumismo, la manipulación mediatica, la desprogramación mental de los ciudadanos a través de las ondas, etc. Estremece pensar que fue hecho hace solo 12 años. Curiosamente, un economista inglés harto de la vida moderna y del dinero emprenderá a partir de hoy y durante un año una aventura social para demostrar que se puede vivir sin dinero, siendo autosuficiente y alimentándose de la comida que se desperdicia por toneladas en Inglaterra. Mark forma parte del movimiento de la economía de la gratuidad. Un proyecto interesante cuando se descubre, como también se propone en "Zeitgeist: The Movie" (2007 y "Zeitgeist -Addendum-" (2008) ambas de Peter Joseph, que el dinero es sólo un medio de dominación para generar carestía y que la naturaleza nos puede proveer de todo con su abundancia. Me parece que es una opción para ser contemplada. Para cambiar algo, primero hay que cambiar el modo de pensar sobre ello.
Especialmente emotivo es el encuentro de los extraterrestres con los aborígenes australianos. Cine y vida en estado puro: sin palabras.

Son muchas las razones que hacen tan singular esta película de animación, si bien podrían resumirse en una sola: que todo en ella es atípico. Acostumbrados como estamos a los ideales hollywoodienses de salud, juventud, fuerza y éxito, todo lo que escapa a estos tópicos llama forzosamente nuestra atención. Lejos de mostrar candor, los guiones de Chomet describen, con grandes dosis de humor negro y filosofía, toda una realidad descarnada e incómoda. Sus silenciosos personajes observan ávidos a su alrededor para solucionar sus problemas con las medidas más sagaces y a la vez desesperadas, dictadas por esa hambre que agudiza el ingenio y que desde el cine mudo convertía al mismo Charlot en una figura entrañable y patética.

Existe en Bienvenidos a Belleville una pureza visual muy semejante a la de las postrimerías del cine mudo, donde no eran raros los ejercicios de audacia narrativa. En el cine, la imagen despliega un lenguaje icónico más apto para la ambivalencia y el juego creativo que el predominio de los diálogos hablados; en consecuencia, Sylvain Chomet decide prescindir de un guión verbal para llevar a su mayor grado de originalidad las posibilidades de un medio que es puro dibujo, demostrando su pericia al describir por medios estrictamente visuales los entresijos de unos personajes que no hablan.