Los tres cineastas artífices de tan singular relato tomaron a su vez tres decisiones (afortunadas para unos, desafortunadas para muchos) que pudieron despertar, en mi humilde opinión, el menosprecio por un proyecto cuya repercusión podría sorprender en el futuro. A saber:

- Los cineastas decidieron desarrollar sus diferentes capítulos en montaje alterno según el terreno emocional en el que se encuentran a cada fotograma, cuando normalmente el espectador acostumbra ver historias que se hilvanan partiendo de sus respectivos giros narrativos. Peligrosa estrategia, pudiendo desorientar a los menos pacientes. No obstante, el aporte emocional al espectador en sus "momentos clave" justificarán la jugada, siempre que este entre en el juego y asimile una percepción del montaje más visceral y complejo.

- Los cineastas elaboraron para estos relatos un complejo plantel de personajes con un mismo reparto (el que más, interpreta seis personajes). La intención era clara y aunque pudiera alimentar la incredulidad en el espectador o afectar su verosimilitud en algunos momentos, no deja de ser brillante. Todos ellos representan con brillantez interpretativa (de ahí su imponente casting) variados arquetipos que generación trás generación van aceptando su propia naturaleza. El pez grande, la mano opresora, el filántropo, la integridad sometida, el oportunista, el artista...

- Los cineastas obligaron al espectador desde la primera secuencia a despertar de su acomodaticia cotidianeidad para hablar de los grandes temas. Aunque los más cultivados puedan encuentrarlos reiterativos y banales, aunque hablen de filosofía "New Age" y metafísica de instituto, deberían ir con cuidado. Podrían acabar como el sesudo crítico al que Dermott Hoggins (Tom Hanks) obsequia con un "gran final", porque este no es un relato para ellos, sino un llamamiento al espectador más desprejuiciado frente al "blockbuster" hollywoodiense de turno.

En resumen, tres cineastas que pudieron haberse equivocado o no, pero en mi opinión consiguieron una cinta única y profundamente hermosa. Temas como la libertad, espiritualidad y entendimiento de los seres humanos no tienen fecha de caducidad y podrán ser motivos de una proyección más longeva de esta película en el futuro imaginario colectivo. Imperecederos como las sensaciones que despertaría una misma pieza musical a lo largo de la historia, una tan emotiva como este sexteto, este "Atlas de las nubes".

Ahora que la Disney se hace de oro con la adquisición de franquicias, estrenando guiones que años atrás ni hubiesen llegado a los directivos, despierta cierta nostalgia el visionado de películas como Candleshoe (El secreto del castillo, en España). Y no lo digo porque sean mejores o peores unas que otras, sino por el marcado estilo de sus producciones en el pasado, aún bajo los preceptos del Tío Walt, aunque pertenezcan (como la que nos ocupa) a la inolvidable etapa de Ron W. Miller, su amado yerno.

Estamos ante un prototípico producto de la casa, para el que desempolvaron una novela infantil escrita por J.I.M. Stewart (bajo el seudónimo Michael Innes), que no sólo sale airoso de los tópicos recursos del género infantil, sino que atesora bastantes virtudes. Para empezar un estupendo reparto, encabezado por una carismática Jodie Foster, secundada por el gran David Niven (haciendo las veces de Guiness o Seller en un papel múltiple) y una enternecedora Helen Hayes, y para terminar la retahíla de valores que se presuponen en un trabajo así: Impecable realización de Norman Tokar (tres décadas tuvieron al hombre en nómina, filmando clásicos familiares), una agradable banda sonora de Ron Goodwin y un trabajo de producción que sacaba oro de la escasez presupuestaria (desmereciendo algunos decorados rutinarios, la mansión no tiene desperdicio).

Y así nos queda bien empaquetada una bonita historia de amistad y sacrificio, que termina por enganchar, deja buen sabor de boca y probablemente recordemos en el futuro. De lo mejor que nos puede brindar una simpática película matinal.

Durante un largo período de sequía creativa, por eso de mantener engrasada la maquinaria, la Disney empleó su productora Caravan Pictures para estrenar cine infantil de escaso presupuesto bajo su sello. Eran comedias tontorronas, bienintencionadas, al gusto de una generación que se criaba viendo «Solo en casa» y a rebufo de los «Mighty Ducks». Por ese hueco entró Judd Apatow a la Primera División, con un largometraje que superaba la media de estos trabajos. Escribió y produjo «Pesos pesados», sobre un niño que por su obesidad es obligado a pasar el verano en un «campamentos para gordos». Gracias a la colaboración de Ben Stiller en su habitual personaje desquiciado (de toda su familia porque salen también sus padres), con referencias a otras del subgénero como «Los incorregibles albóndigas» y «Tú a boston y yo a California», nos vende el mensaje de autosuperación de siempre pero con más gracia y contenido. Ideal para ver con los pequeñajos más traviesos.

Lo que en principio parecía una desmotivada entrega más para formato doméstico resultó ser una "joya de la corona". Esta elaborada sátira del género de terror en general y la serie televisiva en particular juega en primera división, entre otras cosas gracias a sus meritorias labores de dirección (inspirada por el cine de Edgar Wright), banda sonora (muy cuidada y representativa) y producción del nivel Warner Premiere (a pesar de ser de la Hannah Barbera, ya que ambos equipos comparten miembros).

Imprescindible para seguidores de la franquicia, nostálgicos de la animación y fanáticos del género.

Antes de costear la Dreamworks, el magnate David Geffen produjo personalmente dos grandes películas, "La pequeña tienda de los horrores" y "Entrevista con el vampiro". Ambas son consideradas hoy día clásicos modernos, pero la primera de ellas no corrió buena suerte en la taquilla. Tras un accidentado pre-estreno entraron en pánico sus artífices y no se atrevieron a plasmar el desenlace de la obra teatral original. De manera que lo reescribieron por el bien de la mayoría social, eliminando una carga moral que desentonaba en la era Reagan e incomodaba a los que consideran únicamente evasivo el género musical. Y sucedió lo que suele suceder, que no sirvió para nada (no cubrieron gastos) y encima le cortaron las patas a un mensaje demoledor a largo plazo.

Pero en 2012, con su salida en formato Blu Ray (tras la curiosidad que despertaron los extras del dvd), se hizo justicia y podemos entender al fin qué quería contarnos ese pollo sin cabeza que estrenaron en 1986, por qué la primera Audrey soñaba con vivir en verde, qué planes tenía la segunda y qué futuro le auguraba a una clase trabajadora que ya "vivía por encima de sus posibilidades". Y así lo que a muchos nos parecía un "buen musical" se ha quedado en el "mejor musical de su década", tan terrorífico, épico y perfecto como cabía esperar de unas mentes tan privilegiadas (Menken, Ashman y Oz, casi nada).